I CAPULETI E I MONTECCHI, Bayerische Staatsoper, Munique, Junho de 2014 / Munich, June 2014

(review in english below)

Da autoria de João Baptista, um comentador habitual do blogue, recebemos este excelente texto que agora publicamos. Em nome dos "Fanáticos da Ópera" expresso um "muito obrigado" pela valiosa contribuição.

Esta co-produção entre a Bayerische Staatsoper e a San Francisco Opera, da responsabilidade de Vincent Boussard, foi já objecto de crítica neste blog em Junho de 2011, tendo por referência uma récita de Abril do mesmo ano, na Bayerische Staatsoper, em Munique.

Tive a oportunidade de assistir a uma récita desta produção no passado mês de Junho de 2014, também na Bayerische Staatsoper, e gostaria de transmitir as minhas impressões, procurando não repetir o que o autor do blog já escreveu, de total propriedade, a propósito da mesma.

A ópera.

A ópera I Capuleti e i Montecchi foi composta em pouco mais de um mês para o “La Fenice”, dada a exiguidade do prazo dado a Bellini. Inicialmente, o “La Fenice” tinha encomendado uma nova ópera a Giovanni Pacini; todavia, como este estava ainda a terminar uma encomenda para Turim, o intendente do teatro celebrou um contrato provisório com Bellini, para o caso de Pacini falhar, o que veio a suceder.

Pressionado pelo tempo, Bellini acabou por recorrer a muito material já composto para as suas óperas “Zaira” (e também a “Adelson e Salvini”, a sua primeira ópera, de onde provém a melodia usada na cavatina de Giulietta), a qual merecera fraco acolhimento do público aquando da estreia e que acabou por cair no esquecimento. De modo injusto, diria eu, pois a música é, na sua maioria, de grande inspiração melódica e propiciadora de alguns momentos dramáticos bastante bem conseguidos.

O enredo da ópera roda em torno da conhecida história de “Romeu e Julieta”, embora o libreto tome por base não a tragédia de Shakespeare (que não era sequer conhecida de Bellini e do libretista, Felice Romani), mas sim outras fontes italianas e francesas, o que explica alguns desvios à trama mais conhecida. Aliás, o libretto fornecido a Bellini por Romani é uma revisão daquele que o mesmo libretista havia escrito, 5 anos antes, para a ópera “Giulietta e Romeo”, de Nicola Vaccai.

Por outro lado, Bellini também acabou por ir introduzindo algumas modificações na partitura, por forma a adaptá-la a outros palcos e/ou cantores.

Aliás, a partir de 1832, por influência da grande Maria Malibran, que considerava o final composto por pouco adequado à exibição dos seus dotes vocais, passou a ser frequente a substituição da cena final da ópera de Bellini pela da ópera de Vaccai, a qual contempla uma cena e ária para Giulietta, já depois da morte de Romeo. Como curiosidade, na gravação dirigida por Roberto Abbado, com Kasarova, Mei e Vargas (RCA 1997) pode ouvir-se todo o final do 2º acto da ópera de Vaccai, bem como uma versão alternativa da cavatina de Romeo do 1º acto, com ornamentação vocal de Rossini.

 

A encenação

Revertendo agora à récita a que assisti, diria que a encenação é, como referiu o Fanatico_Um, algo bizarra e, na maioria das vezes, difícil de compreender. O encenador faz de Gulietta uma espécie de noiva alienada, sempre vestida de branco e descalça, como se estivesse num mundo à parte. Exemplo disso parece-me ser a 2ª cena do 1º acto, passada no seu quarto, onde apenas existe um lavatório. Giulietta empoleira-se no mesmo, tentando alcançar uma imagem de dois amantes suspensa do tecto, que talvez simbolize uma união dos amantes inalcançável. Também na cena final da ópera, antes de acordar do sono induzido e perante a presença de Romeo, Giulietta fica numa espécie de transe, como que paralisada e indiferente à presença do seu amado.

Os elementos femininos do coro, para além dos vestidos vistosos (concebidos por Christian Lacroix), surgem quase sempre com flores na boca, como se fossem meros elementos decorativos num mundo dominado por homens, que com aquelas contrastam pela seriedade e sisudez das suas indumentárias, compostas de fraques e cartolas.

Seja como for, embora algo estranha e nem sempre compreensível (pelo menos para mim), a encenação não atraiçoa o espírito da ópera e o seu fulcro dramático, que é, na minha opinião, o conflito de Giulietta entre o amor a Romeo e os deveres para com a família (5ª cena do 1º acto), nem é contraditória com o que a música e o texto vão revelando em cada momento.

A cenografia é algo monótona, sempre em tons de cinzento, embora coerente com a concepção da produção, pois permitia contrastar a alvura do vestido de Giulietta e o colorido dos elementos femininos. O jogo de luzes foi bastante eficaz.

 Os cantores

Quando adquiri os bilhetes, a minha grande expectativa era ouvir a mezzo Elina Garanca no papel de Romeo. Todavia, tais expectativas acabaram por sair goradas, pois a grande cantora letã havia sido mãe há pouco tempo e foi substituída por Silvia Tro Santafé, mezzo espanhola que eu não conhecia.

Não obstante esta decepção por não ouvir Garanca, musicalmente Santafé esteve sempre muito bem. O seu timbre não é tão quente e aveludado como o de Garanca ou tão andrógino como o de Kasarova, mas mais feminino e juvenil. Trata-se de uma mezzo-soproano lírica com uma voz bonita e clara, agudos fáceis e graves não muito encorpados e um vibrato rápido. Compôs uma personagem dramaticamente credível, saindo-se bastante bem nas passagens mais graves, onde a voz desceu sem dificuldades.

O papel de Giulietta ficou a cargo da soprano russa Ekaterina Siurina, que esteve sempre bastante bem: voz cheia, bem colocada, com agudos sempre seguros e bem timbrados. Se a ideia da encenação era mostrar uma Giulietta algo alienada e ensimesmada, penso que Siurina correspondeu integralmente à concepção.

Excelente foi a prestação do tenor Matthew Polenzani, no papel de Tebaldo. Desde logo, pela excelente colocação de voz e pela elegância do canto. O timbre pareceu-me menos nasalado do que em algumas transmissões do Met mais recentes, designadamente no “L’Elisir d’Amore” de 2012. Boa presença em palco.

Goran Juric foi um Capellio algo deficiente. Voz muito velada, sem profundidade e pouco audível, acabou por compor um patriarca dos Capuletos muito pouco credível.

O barítono Andrea Borghini cumpriu com mérito o papel de Lorenzo.

A orquestra esteve sempre em bom nível (apenas notei alguns pequenos desacertos no início), o mesmo valendo para o coro, que cantou com boa articulação e clareza.

A direcção de Riccardo Frizza foi dinâmica, mantendo o sentido de propulsão da música, ao mesmo tempo que sustentou bem os cantores.

Em suma, uma experiência musicalmente bastante gratificante e, cenicamente, desafiadora.

Uma última nota. Tenho lido relatos muito elogiosos sobre a compostura do público germânico na ópera. Foi também essa a minha experiência noutra ocasião em que assisti a uma récita de ópera na Alemanha. Infelizmente, desta vez, houve momentos em que pensei estar no S. Carlos ou na Gulbenkian, pois a conversa ciciada, os barulhos de remexer em malas e em papel ou celofane, foram bem audíveis e excessivamente frequentes.

I CAPULETI E I MONTECCHI, Bayerische Staatsoper, Munich, June 2014

By João Baptista

This co-production between Bayerische Staatsoper and San Francisco Opera, staged by Vincent Boussard, has already been reviewed in this blog in June 2011, with reference to the performance that took place in April 2011 at the Bayerische Staatsoper in Munich.

I had the chance to attend this performance last June 2014, also at the Bayerische Staatsoper, and would like to write my impressions, trying not to repeat what the blog author has written, concerning that same opera.

The opera.

I Capuleti e I Montecchi was composed in over a month to «La Fenice», given the tight schedule imposed to Bellini. Initially, La Fenice had commissioned a new opera to Giovanni Pacini; however, since he was still finishing an order for Turin, the theater intendant celebrated a provisional agreement with Bellini, in case Pacini failed, which turned out to happen.

Under pressure due to lack of time, Bellini resorted to work he had composed for his operas Zaira (as well as Adelson e Salvini, his first opera, from where the melody used in Giulietta’s cavatina was taken), which was not very welcomed by the public after its premiere and fell into oblivion. I would say it was unfair, because the music, in its majority, is of great melodic inspiration and favors some really well achieved dramatic moments.

The plot is about the well-known story of Romeo and Juliet, although the libretto is not based in the tragedy of Shakespeare (which was unknown to Bellini and to the librettist, Felice Romani), but in other italian and french sources, which explains some of the shifts to the most well-known plot. In fact, the libretto given to Bellini by Romani is a rewrite of the same one the librettist Romani had written five years before for the opera Giulietta e Romeo, by Nicola Vaccai.

On the other hand, Bellini also added some changes to the score in order to adjust it to other stages and/or singers.

Also, from 1832 onwards, influenced by the great Maria Malibran, who considered that the finale did not make justice to her vocal skills, it became frequent to replace the final scene of Bellini’s opera with Vaccai’s opera, which includes one scene and aria for Giulietta, after Romeo’s death. As a matter of fact, in the recording conducted by Roberto Abbado, with Kasarova, Mei and Vargas (RCA 1997), it is possible to listen to the whole finale of the 2^nd act of Vaccai’s opera, as well as an alternative version of Romeo’s cavatina of the 1^st act, with vocal ornamentation by Rossini.

The staging.

Regarding to the performance I attended, I would say that the staging was, as Fanatico_Um called it, somewhat bizarre and, most of the time, difficult to understand.

The stage director portrays Giulietta as an alienated bride, always in white and barefooted, as if she was in a world apart. One example is the 2^nd scene of the 1^st act, which takes place in her bedroom, where there is only a washbasin. Giulietta climbs it, trying to reach for an image of two lovers hanging from the ceiling, which may symbolize an unachievable union between the lovers. Also in the final scene of the opera, before waking up from the induced sleep, in Romeo’s presence, Giulietta is in some sort of trance, as if paralyzed and indifferent to her lover.

The female elements of the choir, besides their showy gowns (designed by Christian Lacroix), appear almost always carrying flowers in their mouths, as if they were mere decorative elements in a world dominated by men, who contrast with them due to the seriousness of their garments, which consisted in morning coats and top hats.

However, even though I may find it somewhat awkward and not always easy to understand, the staging does not betray the spirit of the opera, nor its dramatic fulcrum, which is, in my opinion, Giulietta’s inner conflict between her love for Romeo and her duties towards her family (5^th scene, 1^st act), nor is it inconsistent with what the music and the text unveil throughout the opera.

The staging is slightly monotonous, always is gray tones, although coherent with the production concept, for it contrasted with the brightness of Giulietta’s gown and the colour wore by the other female characters. The lights were used very effectively.

The singers.

When I bought the tickets, I was expecting to listen to the mezzo Elina Garanca playing Romeo. However, that expectation was not met, since the great Latvian singer had recently given birth and had to be replaced by Silvia Tro Santafé, a Spanish mezzo I didn’t know.

Notwithstanding the disappointment of not listening to Garanca, Santafé was musically very good. Her tone is neither so warm and smooth as Garana’s, nor so androgynous as Kasarova’s, but more feminine and youthful. She’s a lyric mezzo-soprano with a beautiful and clear voice, easy high notes, not fullbodied lower register and a fast vibrato. She was dramatically credible and did very well at the lower pitch, where her voice deepened effortlessly.

Giulietta’s role was performed by the Russian soprano Ekaterina Siurina, who sang very well: full voice, well placed, always with well sustained high notes and well-toned. If the staging was supposed to show us an alienated and indrawn Giulietta, I think Siurina portrayed it successfully.

Tebaldo was amazingly portrayed by the tenor Matthew Polenzani. The placement of the voice was excellent and the singing was elegant. His tone sounded less nasal than in some Met transmissions, namely L’Elisir d’Amore in 2012. Very good stage presence.

Goran Juric was a somewhat poor Capellio. Veiled voice with lack of depth and almost inaudible. The result was a very little credible Capulet patriarch.

Baritone Andrea Borghini was praiseworthy in the role of Lorenzo.

The quality level of the orchestra was always high (I noticed only a few mistakes in the beginning), and the same happened with the choir, who sang with good articulation and clarity.

Riccardo Frizza conducted dynamically, keeping the propulsion of the music, whilst supporting the singers at the same time.

In conclusion, it was a very gratifying musical experience and theatrically challenging.

Just a brief note. I have read very complimentary comments regarding the behavior of the German audience at the opera. And that was also my experience in another occasion at the opera in Germany. Unfortunately, this time, there were moments in which I thought I was at S. Carlos or Gulbenkian, since the whispering, and the sound of people opening their purses or unwrapping candies were very loud and excessively frequent.

NORMA, METropolitan OPERA, Nova Iorque, Setembro de 2013 / New York, September 2013

(review in english below)

Norma é uma ópera de V. Bellini, com libretto de Felice Romani baseado na peça de Alexandre Soumet. Expoente máximo do belcanto, quando bem cantada é sempre um espectáculo deslumbrante.

A encenação de John Copley é interessante, simples, mas algo estática e repetitiva, o que facilita a maior concentração na interpretação vocal.

O maestro Riccardo Frizza dirigiu sem encantar a Orquestra da Metropolitan Opera. Já o Coro teve uma interpretação ao mais alto nível.

O soprano norte americano Sondra Radvanovsky foi a Norma desta noite. É uma cantora excelente em potência nos registos baixo e médio, mas que perde qualidade nas notas mais agudas. Apesar da muito boa interpretação vocal, o legato não foi perfeito e o fraseado também não. Mas foi a melhor da noite e esteve muito bem cenicamente. Contudo, acho que este papel não é dos mais indicados para a sua voz.

A Adalgisa do mezzo norte americano Kate Aldrich começou mal, mas melhorou ao longo da récita. A voz foi algo baça e não brilhou. Por outro lado, nos duetos com a Norma, foi muito notório o contraste, devido à menor potência vocal.

Polione foi interpretado pelo tenor letão Aleksandrs Antonenco. Foi irregular na emissão e pouco expressivo na actuação. A voz é robusta, o registo médio e agudo interessantes, mas não deslumbrou. Depois das interpretações que já lhe ouvi, estava à espera de melhor.

Siãn Davies fez o que pôde como Clotilde, mas tem uma voz demasiado pequena para um teatro como este.

O Oroveso do baixo americano James Morris, com a voz totalmente esfrangalhada, foi penoso ouvir.

Uma Norma muito aquém das minhas expectativas.

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Norma , Metropolitan Opera , New York, September 2013

Norma is an opera by V. Bellini with libretto by Felice Romani based on the play by Alexandre Soumet . Top example of belcanto, when well sung it is always a dazzling performance.

The staging by John Copley was interesting, simple but static and repetitive, which facilitated greater concentration on vocal performances.

Riccardo Frizza was a regular conductor of the Metropolitan Opera Orchestra. Already The Choir had an interpretation of the highest level .

North American soprano Sondra Radvanovsky was Norma. She is a great singer with powerful low and middle registers, but she loses quality in the higher notes. Despite the very good vocal performance, legato phrasing was not perfect. But she was the best of the night and she was very good on stage. However, I think this role is not the most suitable for her voice.

Adalgisa 's North American mezzo Kate Aldrich started badly, but improved throughout the performance. The voice was something dull and not flashed. On the other hand, in duets with Norma, there was a very striking contrast due to less vocal power .

Polione was interpreted by Latvian tenor Alexandrs Antonenco. He showed an irregular vocal emission, and he was inexpressive in action. The voice is strong, medium and top registers are good but not exciting. Taken into consideration all his previous performances that I have heard, I was expecting better.

Sian Davies did what she could as Clotilde, but she has a too small voice for a theater like this.

American bass James Morris´  Oroveso was painful to hear.

A performance well short of my expectations.

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TOSCA de Giacomo Puccini — MET Live in HD, Culturgest, 01.12.2013

(Review in English below)

Giacomo Puccini (1858-1924) apresentou pela primeira vez a ópera Tosca em Roma a 14 de Janeiro de 1900. Esta muito famosa ópera em 3 actos com libreto de Luigi Illica e Guiseppe Giacosa é das mais queridas no mundo da ópera e é nela que pontificam árias como Recondita armonia, Tre sbirri, una carroza, Vissi d’arte e E luceven le stelle.

A ópera gira em torno do trio formado pela bela e ciumenta soprano Floria Tosca, pelo rebelde pintor Mario Cavaradossi e pelo abominável chefe de polícia Scarpia. É uma história política que se passa na Roma das ocupações napoleónicas de 1800. E é nessa Roma de medo e crime, de amor e traição, de tortura e tragédia que se desencadeia um dos mais interessantes dramas da ópera italiana. O libreto é excepcional na forma como encadeia as cenas e a música é da mais vibrante e bela que a história da ópera conhece, resultado de um trabalho inspiradíssimo do maestro italiano Puccini. Poderão ler uma sinopse aqui.

A encenação de Luc Bondy é uma desilusão.

O primeiro acto passa-se numa igreja que mais parece um atelier mal arranjado e em construção do que uma igreja romana: está suja, não tem símbolos religiosos e não tem o peso necessário de uma igreja católica de Roma. Além disso, tem inúmeras falhas claras que não vão de encontro às muito precisas indicações cénicas inscritas na pauta. Por exemplo, a chave que se encontraria debaixo da pia está no cimo de umas frias e desajeitadas escadas de ferro. E que dizer do tom de comédia que se atribui ao primeiro acto, sempre à procura de provocar risos na plateia? Esta ópera é sempre trágica e séria! A postura que atribuem a Tosca também não é a mais adequada: Tosca é ciumenta e está verdadeiramente zangada, não é uma histérica de sorriso fácil.

O segundo acto começa com 3 prostitutas de baixo nível com um aspecto (perdoem a expressão) badalhoco enroladas com Scarpia. Essa cena de mau gosto tem o seu expoente máximo no minuto em que uma delas está de rabo espetado com uma lingerie curta à espera de levar uma mais do que previsível palmada na região glútea... Creio que a personagem de Scarpia não precisava delas para ser vil e odiável…

O terceiro acto é aquele em que a encenação menos compromete: os cenários são pobres, frios e feios, mas cumprem com o que se espera. Em suma, é uma encenação que nada acrescenta de novo em termos interpretativos, que limita de alguma maneira o verdadeiro carácter das personagens e que não tem o peso majestático que a tragédia impõe. O Metropolitan pede e pode mais e melhor do ponto de vista estético.

Quanto às interpretações, penso que a Orquestra do MET dirigida por Riccardo Frizza esteve uns furos abaixo no que respeita à intensidade, energia e brilho que esta música exige, além de que, na minha opinião, adoptou um ritmo demasiado rápido. Esteve bem, mas não deslumbrou.

George Gagnidze tem uma voz muito adequada ao papel de Scarpia e esteve bem do ponto de vista do desempenho vocal. Mas não me cativou interpretativamente, quer vocal, quer cenicamente. Não me conseguiu criar o asco que intrinsecamente a personagem provoca, talvez um pouco pela própria encenação, mas, sobretudo, por adoptar uma postura que em tudo pareceu forçada. Não é definitivamente um Scarpia e nem vibrei com o seu Tre sbirri, una carroza.

Já Roberto Alagna, apesar de já ter sido mais vibrante do ponto de vista vocal, foi um Cavaradossi muito convincente. Tem um timbre muito seu, agudos fácies e uma boa projecção. O seu E luceven le stelle foi de muito elevada qualidade.

A melhor da récita foi Patricia Racette como Tosca. A sua voz tem um timbre muito bonito e agradável, mas o seu ponto forte são mesmo as interpretações vocal e cénica. Foi extremamente convincente: uma mulher ciumenta, insegura, mas destemida e, acima de tudo, emotiva. O seu Vissi d’arte foi muito bom e cresceu do primeiro ao último acto: na sua cena final, o seu Presto su! Mario! foi arrepiante.

Os restantes intérpretes Richard Bernstein (Angelotti), John del Carlo (Sacristão), Eduardo Valdes (Spoletta) e James Courtney (Sciarrone) cumpriram bem os seus pequenos papéis, sem que, todavia, algum tenha estado em evidência. Uma palavra para o soprano Seth Ewing-Crystal que foi o Pastor que cantou Io de’ sospiri: a interpretação foi boa, embora não tenha gostado especialmente do timbre ou da dicção do italiano.

Não posso dizer que tenha saído encantado desta récita, muito por culpa da encenação pobre de gosto discutível e das múltiplas gravações disponíveis de absoluta referência desta que é uma das mais belas, trágicas e tocantes óperas e uma das minhas preferidas.

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(Review in English)

Giacomo Puccini (1858-1924) first presented the opera Tosca in Rome on January 14, 1900. This very famous opera in 3 acts with libretto by Giuseppe Giacosa and Luigi Illica is fondest of the world of opera and have arias as Recondita armonia, Tre sbirri , una carroza , Vissi d'arte and E le luceven stelle.

The opera plays out around the trio formed by beautiful and jealous soprano Floria Tosca, the rebel painter Mario Cavaradossi and the abominable police chief Scarpia. It is a political story set in the Napoleonic occupation of Rome in 1800. And that Rome of fear and crime, love and betrayal, torture and tragedy that triggers one of the most popular dramas of Italian opera. The libretto is exceptional in how chains the scenes and the music is the most vibrant and beautiful of opera history, as result of a most inspired work of the Italian maestro Puccini. You can read a synopsis here.

The Luc Bondy staging is disappointing. The first act takes place in a church that looks more like a poorly arranged and in construction atelier than a Roman church: it is dirty, has no religious symbols and has not the required weight of a Catholic church in Rome. Additionally, it has numerous clear flaws that not meet the very precise scenic indications given in the socre. For example, the key that would be found under the sink is perched on a cold and clumsy iron stairs. And what about the tone of comedy of the first act, always looking to provoke laughter in the audience? This opera is always tragic and serious! The attitude he attribute to Tosca is also not the most appropriate: Tosca is jealous and really angry with her lover. She is not a hysterical and easy smile woman. The second act begins with 3 prostitutes with bad aspect enrolled with Scarpia. This scene distasteful has its pinnacle with an entire minute one of them has her bum with a short lingerie waiting to take a more than likely slap on the buttock... I think the character of Scarpia did not need them to be vile and hateful... The third act is one in which the staging fewer compromises: the scenarios are poor, cold and ugly, but comply with what is expected. In short, it is a scenario that adds anything new in terms of interpretation, which limits somewhat the true nature of the characters and does not have the majestic weight that this tragedy requires. The Metropolitan may ask for more and better on aesthetic point of view.

As for interpretations, I think the MET Orchestra conducted by Riccardo Frizza has been few holes below regarding the intensity, energy and brilliance that this music demands and, beyond that, in my opinion, director adopted a too fast pace. It was good, but not dazzling.

George Gagnidze has a voice well suited to the role of Scarpia and did well in terms of vocal performance. But he do not captivated me interpretively, whether vocal or scenically. He could not create the disgust that inherently the character causes, maybe a little by the staging itself, but, above all, by he posture he adopted that seemed always forced in everything. He is not definitely a Scarpia and he even not touched me with his Tre sbirri, una carroza.

Roberto Alagna, despite he had in the past a more vibrant voice, was a very convincing Cavaradossi. He has a very own timbre, good and easy sharp tone and excellent projection . His E le luceven stelle was of very high quality.

The best of the interpreters was by far Patricia Racette as Tosca. Her voice has a very beautiful and pleasant timbre, but her strength are the vocal and scenic interpretation performances. She was extremely convincing: a jealous woman, insecure, but fearless, and above all, emotional. Her Vissi d'arte was very good and she grew from the first to the last act: in her final scene, her Presto su! Mario! was creepy .

The remaining interpreters Richard Bernstein (Angelotti), John del Carlo (Sexton), Eduardo Valdes (Spoletta) and James Courtney (Sciarrone) fulfilled well their small roles, without, however, some have been in evidence. A word to the soprano Seth Ewing-Crystal who was the Pastor who sang Io de' sospiri: the interpretation was good, though I did not especially like his timbre or the Italian diction.

I can not say that has left this recitation enchanted, much by fault of the poor staging of questionable taste and the multiple recordings available of absolute reference of this opera that is one of the most beautiful, tragic and heartbreaking operas and one of my favorites.

ARMIDA – METropolitan OPERA, Nova Iorque, Março de 2011

(review im English below)

Foi com grande satisfação que tive oportunidade de voltar ao Met, onde pude assistir a três espectáculos de ópera (Roméo et Juliette, Lucia di Lammermoor e Armida) em três dias consecutivos.

Das três darei opinião neste espaço. Começo pela Armida, que o Alberto Velez Grilo também viu e sobre a qual escreveu uma excelente crítica no seu blogue Outras Escritas. Guardarei o texto sobre a Lucia di Lammermoor para depois da apresentação da ópera na Gulbenkian (Met Live no próximo Sábado) pois estou com curiosidade em comparar as duas formas tão distintas de assistir ao espectáculo.

Armida é uma ópera de G. Rossini com libretto de Giovanni Schmidt, baseada no poema épico Gerusalemme Liberata de Torquato Tasso. Conta a história de uma princesa árabe de Damasco, Armida, que se apaixona por um cruzado cristão, Rinaldo, que tenta seduzir através dos seus poderes mágicos e, assim, neutralizar os cruzados. Mas, depois de o seduzir num mundo ilusório de prazer, é por ele abandonada, destruindo o palácio do prazer e desaparecendo.

A encenação, de Mary Zimmerman, tem partes interessantes, como o início num oásis perto de Jerusalém onde o palco é rodeado por muros de pedra e, por detrás deles, se vê um templo. Mas outras são algo bizarras, sobretudo o palácio do prazer de Armida no 2º acto em que aparecem, entre outras, criaturas masculinas vestidas de diabos com cornos, rabo comprido e tutus. Não percebi se a intenção da encenadora era ridicularizar a situação ou tentar colocá-la num mundo de magia com algumas originalidades de gosto discutível. Este acto é dominado por um bailado que dura quase meia hora e não acrescenta nada de significativo ao espectáculo, mas aqui a culpa não é da encenadora. O início do 3º acto, no jardim encantado de Armida, com um campo de papoilas de belo efeito cénico, também não se revelou tão interessante quanto a primeira impressão sugeria.

O maestro Riccardo Frizza, especialista em Rossini, foi eficaz mas não encantou. A orquestra do Met esteve, como sempre, em grande nível e o Coro também merece uma palavra de grande apreço, dada a sua excelente interpretação.

O difícil papel de Armida, personagem principal da ópera, é um verdadeiro tour de force para a intérprete que, ao longo da récita, passa por períodos de felicidade, sedução, paixão, ódio e desespero. Foi interpretado pelo soprano americano Renée Fleming. É uma cantora por quem tenho enorme respeito, pois já me proporcionou momentos interpretativos inesquecíveis. Tem um timbre único e uma voz cremosa de grande beleza (o termo não é meu mas parece-me muito bem aplicado). Contudo, não é uma cantora “rossiniana” e isso foi muito evidente na récita. A coloratura, essencial em Rossini, não existiu e, como já havia referido há tempos quando a ouvi na Traviata, acho que iniciou a fase de declínio vocal. A ária mais famosa da ópera, D’amore al dolce impero, no 2º acto, não foi interpretada como um trecho de belcanto. Achei que a voz, mantendo a beleza, foi pequena, teve pouca agilidade (essencial em Rossini) e revelou falta de força. Artisticamente, contudo, continua a ter uma boa presença em palco.

Lawrence Brownlee, tenor americano de timbre claro, foi Rinaldo, o melhor cantor da récita. A voz lírica é de uma beleza notável e, este sim, capaz de uma coloratura adequada a Rossini, aparentemente alcançada sem esforço e recheada de notas agudas de grande qualidade. Vocalmente transmitiu as diferentes emoções da personagem, embora lhe faltasse a força em algumas passagens. Artisticamente, não teve um bom desempenho. Mas a sua ária de remorso, a solo no 3º acto, foi o momento alto da noite.

Em papeis menores (de cruzados) mas significativos ouviram-se mais quatro tenores:
Goffredo, um comandante das forças cristãs interpretado pelo americano John Osborn. Esteve bem, sem encantar. A voz é de timbre claro e os agudos fáceis e quase sempre audíveis.

Gernando que só canta no 1º acto, foi o italiano Antonino Siragusa, que mal se ouviu.

Carlo, que canta só no 3º acto, foi o inglês Barry Banks. Fez-se ouvir bem e mostrou uma voz de qualidade, sobretudo no registo mais agudo.

Ubaldo, que também só canta no 3º acto, foi interpretado pelo Sul Africano Kobie van Resenburg, outro cantor que mal se ouviu.

Um espectáculo interessante mas que ficou aquém das minhas expectativas.

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Armida - Metropolitan Opera, New York, March 2011

It was with great satisfaction that I had the opportunity to return to the Met, where I could watch three opera performances (Roméo et Juliette, Lucia di Lammermoor and Armida) on three consecutive days.

I will review the three in this blog. I start with Armida, that was also seen by Alberto Velez Grilo and about which he wrote an excellent review on his blog Outras Escritas. I will keep the review of Lucia di Lammermoor for after the presentation of the opera at Gulbenkian (Met Live next Saturday) because I'm curious to compare the two distinct forms to see the performance.

Armida is an opera by G. Rossini with libretto by Giovanni Schmidt, based on the epic poem Gerusalemme Liberata by Torquato Tasso. It tells the story of an Arab princess of Damascus, Armida, who falls in love for a christian crusader, Rinaldo. She tries to seduce him through her magical powers and thus neutralize the crusaders. But after seducing him in an illusory world of pleasure, she is abandoned by him, destroying the pleasure palace and flying away in a rage.

The production by Mary Zimmerman has interesting parts, such as the first scene on an oasis near Jerusalem where the stage is surrounded by stone walls and behind them a temple can be seen. But other parts are somewhat bizarre, particularly Armida's pleasure palace in Act 2 in which appear, among others, male creatures dressed as devils with horns, long tails and tutus. I did not realize if the stage director's intention was to ridicule the situation or try to put it in a world of magic with some questionable options. This act is dominated by a ballet that lasts almost half an hour and adds nothing relevant to the show, but here the fault is not of the stage director. The beginning of the 3rd act, the enchanted garden of Armida, with a field of poppies has a beautiful scenic effect, but afterword it has not proved to be as interesting as the first impression would suggest.

Maestro Riccardo Frizza, a Rossini specialist, was effective but he did not thrilled the audience. The Met Orchestra was, as always, at a high level of performance and the Choir also deserves a word of great consideration, given their excellent interpretation.

The difficult role of Armida, opera's main role, is a tour de force for the singer who, along the performance, lives through periods of happiness, seduction, passion, hatred and despair. It was interpreted by American soprano Renée Fleming. She is a singer for whom I have enormous respect, as she gave me unforgettable moments of marvellous interpretations in the past. She has a unique timbre and a creamy voice of great beauty (the term is not mine but it seems very well chosen). However, she is not a "rossinian" singer and that was very evident throughout the performance. The coloratura, essentially on Rossini, did not exist. As I have already mentioned when I heard her in La Traviata, I think she is in the beginning of the decline of her great vocal capacities. The most famous aria from the opera D’amore al dolce impero, in Act 2, was not interpreted as a belcanto text. I found the voice small, although keeping the beauty, with little flexibility (essential in Rossini) and lacking power. Artistically, however, she continues to be very good.

Lawrence Brownlee, American tenor with a light timbre interpreted Rinaldo. He was the best singer of the performance. His lyric voice is beautiful and is able for the appropriate Rossini coloratura, apparently achieved without effort and full of top notes of great quality. Vocally he was able to convey the different emotions of the character, although it lacked power in some parts. However, artistically, he was poor. But his aria of remorse, the solo in the 3rd act, was the highlight of the evening.

In smaller but significant roles (knight crusades) we have heard four other tenors:
Goffredo, a Christian army commander played by the American John Osborn had a good performance. The timbre was clear and top notes appeared easily and he was almost always audible.

Gernando who only sings in the 1st act, was the Italian Antonino Siragusa. He was barely heard.

Carlo, who sings only in the 3rd act, was the English Barry Banks. He was well heard and proved to have a voice of quality, especially in the upper register.

Ubaldo, who also sings only in the 3rd act was interpreted by the South African Kobie van Resenburg, another singer who was almost not audible.

An interesting show but below my expectations.
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