MARIA STUARDA, Teatro Nacional de São Carlos, Lisboa / Lisbon, Janeiro / January 2020

(review in English below)

Uma Maria Stuarda de luxo no Teatro de São Carlos!

Maria Stuarda, de G Donizetti com libreto de Giuseppe Bardari é baseada na peça Maria Stuart de F. Schiller. O enredo passa-se no período histórico dos Tudor em Inglaterra e é uma das três óperas (Anna Bolena, Maria Stuarda e Roberto Devereux) habitualmente designadas como “as rainhas de Donizetti” pelos papéis primordiais por estas assumidas. A presente é dominada pelo confronto entre as duas rainhas, Elisabetta (Isabel I) e Maria Stuarda, culminando com a decapitação da última.

É uma ópera romântica, onde o compositor caracteriza musicalmente as personagens e seus dramas. (A primeira grande ópera romântica de Donizetti, Anna Bolena, fora escrita 4 anos antes, em 1830). É musicalmente de uma beleza inegável, fruto da expressão de todos os conflitos entre as principais personagens. Foi censurada pela forma como representava as rainhas, nomeadamente pela expressão ultrajante como Maria Stuarda acusa Elisabetta (Figlia impura di Bolena parli tu di disonore? Meretrice indigna, oscena, in te cade il mio rossone. Profanato è il soglio inglese, vil bastarda, das tui piè!) no confronto directo das duas (que na vida real nunca aconteceu), uma das componentes de maior impacto da ópera.

(programa de sala da récita de 1985 no Teatro de São Carlos)

Para os apreciadores do estilo, como é o meu caso, é um pitéu musical. Exige pelo menos três cantores de grande qualidade e foi o que aconteceu.

Mas comecemos pela encenação de Andrea de Rosa, com cenografia de Sergio Tramonti, figurinos lindíssimos de Ursula Patzak e magnífico desenho de luz de Pasquale Mari. É uma produção do Teatro dell’Opera de Roma.

É muito clássica, minimalista, muito bonita, com um excelente guarda roupa, boa iluminação, a direcção de atores a privilegiar o canto e a colocar os cantores sempre em palco. Sem exorbitâncias. Simples, direta, eficaz e muito agradável. Como devia ser sempre. Várias partes são notáveis, nomeadamente o parque do castelo de Fotheringay onde Maria Stuarda está presa e o final da ópera com o carrasco em fundo. É a demonstração que, com muito poucos adereços, se conseguem fazer encenações de grande qualidade.

O Coro do Teatro Nacional de São Carlos e a Orquestra Sinfónica Portuguesa estiveram muito bem. A direcção musical esteve a cargo do maestro Fabrizio Maria Carminati.

Em relação aos cantores, uma maravilha! Todos excelentes, jovens, vozes fantásticas e actores exímios.

A mezzo italiana Alessandra Volpe foi uma Elisabetta impressionante, sempre com bom volume e projeção, timbre bonito, boa presença, numa interpretação por vezes contida mas muito eficaz. Foram marcantes os duetos com o Leicester e a confrontação com a Stuart.

Leonardo Cortellazzi foi um óptimo Leicester tanto na interpretação vocal como cénica. É um tenor italiano excelente, com presença forte, tem um timbre muito bonito e a voz sempre com volume e afinada. Fantástico. O dueto no 1º acto com a Elisabetta Era d'amor l'immagine  foi um dos momentos mais marcantes da interpretação, mas esteve sempre ao mais alto nível.

A Maria Stuarda da soprano russa Ekaterina Bakanova foi fabulosa. A cantora tem uma figura óptima, magra e alta, algo frágil, mas uma voz impressionante. Timbre magnífico, projecção imponente, sem estridências, registo agudo notável e interpretação muito emotiva. Foi suave e muito lírica na abertura quando recorda a sua liberdade e felicidade em França (Ah! nebe che lieve per l’aria aggiri), comovente quando pede ao Talbot para a ouvir em confissão  (Quando di luce rosea)  e arrasadora quer na famosa aria Deh! Tu di un umile preghiera, quer no final Di un cor che more. Um luxo!

Nos papeis secundários a qualidade do canto e da interpretação não destoou, foram também óptimos os barítonos Luís Rodrigues (Talbot)

e Christian Luján (Cecil),

 e a soprano Rita Marques (Anna Kennedy).

Um magnífico espectáculo de ópera, para mim o melhor em muitos anos no Teatro de São Carlos.

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MARIA STUARDA, Teatro de São Carlos, Lisbon, January 2020

A luxurious Maria Stuarda at the Teatro São Carlos!

Maria Stuarda, by G Donizetti with libretto by Giuseppe Bardari is based on the play Maria Stuart by F. Schiller. The plot takes place in the historic period of the Tudor dynasty in England and is one of the three operas (Anna Bolena, Maria Stuarda and Roberto Devereux) usually referred to as “the queens of Donizetti” for their primordial roles. The present is dominated by the confrontation between the two queens, Elisabetta and Maria Stuarda, culminating in the beheading of the latter.

Maria Stuarda is a romantic opera, where the composer musically characterizes the members of the plot and their dramas. (The composer's first great romantic opera, Anna Bolena, was written 4 years earlier, in 1830). It is musically undeniably beautiful, the result of the expression of all the conflicts between the main characters. It was censored for the way it represented the queens, namely for the outrageous expression as Maria Stuarda accuses Elisabetta (Figlia impura di Bolena parli tu di disonore? Unworthy, oscena meretrice, in te cade il mio rossone. Profanato is the soglio inglese, vil bastarda, das tui piè!) in the direct confrontation of the two queens (which never happened in real life), one of the most impactful components of opera.

For lovers of style, as is my case, it is a musical delight. It requires three singers of great quality and that's what happened.

But let's start with the direction by Andrea de Rosa, with scenography by Sergio Tramonti, beautiful costumes by Ursula Patzak and magnificent lights by Pasquale Mari. It is a production of the Teatro dell'Opera in Rome.

It is very classic, minimalist, very beautiful, with excellent costumes, good lights, the direction of the actors to privilege the singing and to always put the singers on stage. No exorbitances. Simple, direct, effective and very pleasant. As it should always be. Several parts are notable, namely the Fotheringay castle’s park where Maria Stuarda is imprisoned and the end of the opera with the executioner in the background. It is the proof that, with very few props, it is possible to make high quality productions.

The Choir of the Teatro National de São Carlos and the Portuguese Symphony Orchestra were very good. The musical direction was in charge of the maestro Fabrizio Maria Carminati.

Regarding the singers, a marvel! All excellent, young, fantastic voices and excellent actors.

Italian mezzo Alessandra Volpe was an impressive Elisabetta, always with good volume and projection, beautiful timbre, good presence, in an interpretation sometimes contained but very effective. The duets with Leicester and the confrontation with Stuart were remarkable.

Leonardo Cortellazzi was a great Leicester in both vocal and scenic interpretation. He is an excellent Italian tenor, with a strong presence, has a very beautiful timbre and his voice is always with good volume and in tune. Fantastic. The duet in 1st act with Elisabetta Era d'amor l'immagine was one of the most striking moments of the interpretation, but he was always at the highest level.

Maria Stuarda by Russian soprano Ekaterina Bakanova was fabulous. The singer has an excellent figure, thin and tall, somewhat fragile, but an impressive voice. Magnificent timbre, imposing projection, without stridency, remarkable top register and very emotional interpretation. She was soft and very lyrical in the opening when she recalls her freedom and happiness in France (Ah! Nebe che lieve per l'aria aggiri), moving when she asks Talbot to hear her in confession (Quando di luce rosea) and smaching in the famous aria Deh! Tu di um umile preghiera, and in the end Di un cor che more. A luxury!

In supproting roles, the quality of singing and stage performance did not clash, baritones Luís Rodrigues (Talbot) and Christian Luján (Cecil) were also great, as well as soprano Rita Marques (Anna Kennedy).

A magnificent opera performance, for me the best in many years at Teatro de São Carlos.

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ALCESTE, Teatro Nacional de São Carlos, Lisboa, Janeiro 2019

(review in English below)

Uma nova produção da ópera Alceste, em versão francesa, de Christoph Willibald Gluck com libreto de Leblanc du Roullet esteve em cena no Teatro de São Carlos. O enredo está resumido no site do teatro: Alceste sacrifica a vida em trocada de seu esposo Admète, rei de Tessália. Porem, uma vez morta, Hércules desce aos Infernos e intercede junto de Apolo para que o casal possa novamente reunir-se no seu amor.

É sabido que a cultura em geral e a ópera em particular são coisas menores para os governantes dos últimos anos. Também por isso, à partida, não são de esperar grandes produções operáticas. Logo quando entrei na sala temi o pior sobre a encenação de Graham Vick (Cenografia e Figurinos de Conor Murphy, Desenho de Luz Giuseppe di Iorio) quando vi o palco aberto, totalmente despido, apenas com 4 cadeiras, uma mesa e dois painéis verticais de luzes. E os meus receios vieram a confirmar-se, a encenação foi uma palhaçada. Até admito que se tente algo despojado, mas assim não. E opções metafóricas ridículas transpostas para a actualidade também não.

(1º acto)

(2º acto)

Todos os cantores e bailarinos estiveram vestidos informalmente e sempre descalços durante o espectáculo. A acção passou-se no palco despido, para o qual eram trazidas e levadas cadeiras pelos cantores. E houve um pouco de tudo, ataques convulsivos violentos em vários intervenientes e por várias vezes, uma mulher a parir uma camisa de noite encarnada (que foi posteriormente vestida pelo Oráculo), balões amarelos, o rei a soro mas todo enérgico e sempre em posição erecta, o Hércules vestido de Super-homem, o Apolo como um cristo em cuecas com coroa de espinhos,... até o whiskey com que se embebedaram o Hércules e o rei era de marca rasca. Enfim, um belo exemplo do que é expressivamente designado por eurotrash!

(3º acto)

Já em relação à música e sua interpretação, algo de muito diferente se passou.

A Orquestra Sinfónica Portuguesa foi dirigida pelo maestro Graeme Jenkins que fez um bom trabalho, foi muito agradável ao ouvido e houve atenção aos cantores.  

O Coro tem muitas intervenções e, para além de um desencontro aqui e outro acolá, esteve bem. Em palco estiveram 8 bailarinos muito bons, apesar de a coreografia (de Ron Howell) ser deplorável.

Os cantores solistas eram jovens, ágeis e todos de um nível acima do que é habitual ver-se em São Carlos.

A soprano Ana Quintans fez uma Alceste fabulosa! O papel é muito longo, de grande dificuldade e ela cantou-o de forma assombrosa. Tem uma voz poderosa, o registo médio é imponente e o agudo também assinalável. E em palco é muito expressiva, uma actriz que canta, e fá-lo com igual qualidade em pé, sentada ou deitada! Fantástica, ao nível das grandes sopranos que enchem as principais catedrais da ópera actuais.

O rei Admète foi interpretado pelo tenor Leonardo Cortellazzi, um bom parceiro de Ana Quintãs. Também com uma óptima figura em palco, cantou de forma firme e bem audível, timbre muito agradável, mantendo a qualidade ao longo de todo o espectáculo.

Outros dois grandes intérpretes foram os barítonos Alexandre Duhamel (Sumo Sacerdote e Hércules) e Christian Luján (Oráculo, Deus dos Infernos). Vozes bonitas, encorpadas e também muito bons desempenhos cénicos. Duhamel foi notável na interpretação vocal do Sumo Sacerdote no 1º acto.

Em papéis menores Fernando Guimarães (Évandre) foi mais contido, mas João Fernandes (Apolo) também esteve muito bem. 

Merecem ainda uma nota de apreço os cantores do coro dos corifeus, Raquel Alão, Ana Ferro, João Cipriano e Nuno Dias.

Apesar da encenação indigente (obrigado Mário), começou bem a minha temporada em São Carlos. As estrelas vão todas para os músicos e bailarinos e, sobretudo, para a fabulosa Ana Quintans.

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ALCESTE, Teatro Nacional de São Carlos, Lisbon, January 2019

A new production of Christoph Willibald Gluck's opera Alceste with French libretto by Leblanc du Roullet was staged at the Teatro de São Carlos. The plot is summarized on the site of the theater: Alceste sacrifices her life in exchange of her husband’s life Admète, king of Thessaly. However, once dead, Hercules descends into Hell and intercedes with Apollo so that the couple can meet again in their love.

It is well known that culture in general and opera in particular are minor things for the governments of recent years. Also for that reason, great operatic productions are not to be expected. As soon as I entered the theatre I feared the worst of the staging by Graham Vick (Scenography and Costumes by Conor Murphy, Drawing of Light Giuseppe di Iorio) when I saw the stage open, totally naked, with only 4 chairs, a table and two vertical panels of lights. And my fears came to be confirmed, the staging was a clownery. I even admit to trying something austere, but not like that. And ridiculous metaphorical options transposed to the the present days also do not.

All the singers and dancers were dressed informally and always barefoot throughout the performance. The action took place on the empty stage, to which were brought and taken chairs by the singers. And there was a bit of everything, violent convulsive attacks on various actors and several times, a woman giving birth to a red nightgown (which was later dressed by the Oracle), yellow balloons, the king with intravenous medication but energetic and always in position erect, the Hercules dressed as Superman, the Apollo like a Christ in underwear with a thorn-crowned, ... even the whiskey with which Hercules and the king got drunk was of poor quality. In short, a fine example of what is expressively called eurotrash!

However, with the music and singing, something very different happened.
The Portuguese Symphony Orchestra was directed by maestro Graeme Jenkins who did a good job, was very pleasant to the ear, with attention to the singers.

The Choir has many interventions and, apart from small mismatches here and there, was good. The 8 dancers were very good, although the choreography (by Ron Howell) was deplorable.

The soloist singers were young, agile and all of a level above what is usual to hear at São Carlos.

Soprano Ana Quintans was a fabulous Alceste! The role is very long and difficult, and she sang it in an astonishing way. She has a powerful voice, the medium register is imposing and the high register is also remarkable. And on stage is very expressive, an actress who sings, and does it with equal quality in standing, sitting or lying down! Fantastic, at the level of the great sopranos that sing at the main opera cathedrals of our times.

King Admète was played by tenor Leonardo Cortellazzi, a good partner of Ana Quintans. Also with a good figure on stage, he sang in a firm and well audible way, a very pleasant tone, maintaining the quality throughout the whole performance.

Two other great singers were baritones Alexandre Duhamel (High Priest and Hercules) and Christian Luján (Oracle, God of Hell). Beautiful voices, powerful and also very good scenic performances. Duhamel was notable in the vocal interpretation of the High Priest in the 1st act.

In smaller roles Fernando Guimarães (Évandre) was more restrained, but João Fernandes (Apolo) was also very well. Also worthy of note are the singers from the corifeus choir, Raquel Alão, Ana Ferro, João Cipriano and Nuno Dias.

Despite the indigent staging (thanks Mário), my season started well at São Carlos. The stars all go to the musicians and dancers and, above all, to the fabulous Ana Quintans.

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I CAPULETI E I MONTECCHI, Teatro de São Carlos, Lisboa, Abril 2018

(review in English below)

O famoso amor trágico de Romeu e Julieta é retratado nesta opera de belcanto, I Capuleti e i Montecchi, com música do jovem Vicenzo Bellini e libretto de Felice Romani inspirado numa história da Renascença. É uma obra de profundo lirismo e grande intensidade dramática, marcada pela história de um amor trágico e atravessada pela tristeza e pela morte. Um deleite para os apreciadores do belcanto, é uma ópera repleta de árias e duetos dos dois amantes, de uma beleza melódica assinalável.

A encenação de Arnaud Bernard (cenografia de Alessandro Camera e figurinos de Carla Ricotti), originalmente concebida para o Teatro La Fenice e para a Arena de Verona é sóbria, clássica e vistosa. Num museu / galeria de arte, as personagens dos quadros ganham vida. É uma abordagem frequente dos encenadores, que nada tem de original, mas visualmente é agradável e serve os propósitos da ópera. Foi bem melhor do que a muito badalada encenação que vi em Munique, como relatei aqui.

Logo no início da ópera, os Capuleti ganham vida a partir de um quadro guardado numa arrecadação do museu. O pessoal do museu muda alguns dos quadros de local, faz arranjos e limpezas, mas mantém-se a estratégia do encenador. A cena da morte de Romeu e Julieta decorre numa mesa, mas funciona e o quadro final da ópera é de uma beleza plástica assinalável.

Se a encenação foi um dos pontos fortes do espectáculo, houve um pouco de tudo, desde o muito mau ao muito bom.

A Orquestra Sinfónica Portuguesa, dirigida por Giampaolo Bisanti, não esteve bem, com excepção do belíssimo desempenho de Carmen Cardeal na harpa. O coro do Teatro Nacional de São Carlos esteve muito mal, com desencontros e desafinações constantes, fatais numa obra de belcanto.

Nos solistas principais, a mezzo Alessandra Volpe fez um Romeu vocalmente bom, o timbre é interessante e a cantora fez-se ouvir sempre sobre a orquestra. A Julieta da soprano Mihaela Marcu também foi decente, embora a cantora tivesse alguma tendência para a estridência e lhe faltasse a doçura que o papel exige.

O Tebaldo do tenor Davide Giusti foi muito mau, quase sempre desafinado, voz feia e sem cor. Um dos piores tenores que se ouviu recentemente em São Carlos.

Os melhores da noite foram os barítonos Luís Rodrigues como Capellio e Christian Luján como Lorenzo, que se destacou tanto na interpretação vocal como cénica.

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I CAPULETI E I MONTECCHI, Teatro de São Carlos, Lisbon, April 2018

The famous tragic love of Romeo and Juliet is portrayed in this belcanto opera, I Capuleti e i Montecchi, with music by the young Vicenzo Bellini and libretto by Felice Romani inspired by a Renaissance story. It is a work of profound lyricism and great dramatic intensity, marked by the history of a tragic love and crossed by sadness and death. A delight for lovers of belcanto, it is an opera full of arias and duets of the two lovers, with remarkable melodic beauty.

The staging of Arnaud Bernard (set design by Alessandro Camera and costumes by Carla Ricotti) originally conceived for the La Fenice Theater and for the Verona Arena is sober, classic and pleasant. In a museum / art gallery, the characters in the pictures come to life. It is a frequent approach of the directors, which has nothing original, but is visually pleasant and serves the purposes of opera. It was much better than the much-hyped staging I saw in Munich, as I have reported here.

At the beginning of the opera, the Capuleti come to life from a painting in a museum collection. The museum staff changes some of the paintings, makes arrangements and cleanups, but the director's strategy remains. The final scene of the death of Romeo and Juliet takes place at a table in the museum, but it works and the final picture of the opera is of remarkable plastic beauty.

If the staging was one of the performance's strengths, there was a bit of everything from the very bad to the very good.

The Portuguese Symphony Orchestra, directed by Giampaolo Bisanti, was not well, except for the beautiful performance of Carmen Cardinal in the harp. The Chorus of the National Theater of São Carlos was very bad, with dissonances and constant mistakes, fatal in a belcanto opera.

Considering the main soloists, mezzo Alessandra Volpe was a vocally good Romeo, the timbre is interesting and the singer always made herself heard over the orchestra. Juliet of soprano Mihaela Marcu was also decent, although the singer had a tendency to stridency and lacked the sweetness that the role demands.

Tenor Davide Giusti was very bad as Tebaldo, almost always out of tune, with an ugly, colorless voice. One of the worst tenors recently heard in São Carlos Theater.

The best of the night were baritones Luís Rodrigues as Capellio and Christian Luján as Lorenzo, who excelled in both vocal and scenic performance.

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