BILLY BUDD, Royal Opera House, Londres / London, Maio / May 2019

(review in English below)

A Royal Opera House apresentou a ópera Billy Budd de Benjamin Britten com libretto de E.M. Foster e Eric Crozier numa encenação de Deborah Warner, cenários de Michael Levine, luzes de Jean Kalman, guarda roupa de Chloé Obolensky.

A encenação é muito interessante. Tudo se passa no navio Indomitable e só há homens a bordo. O palco, encimado por velas enroladas nos mastros, tem muitas cordas e escadas, e um soalho de madeira sugerindo o convés do navio. Este eleva-se por vezes, mostrando ora os aposentos do capitão, ora a camarata onde os marinheiros dormem, tudo sugerindo um navio do final do Séc. XVIII, como previsto no libretto. O guarda-roupa também é sugestivo, embora as fardas dos oficiais sejam de tempos mais modernos. Há muitos marinheiros em palco (coro e outros) com movimentações interessantes que ajudam muito ao espectáculo.

(Fotografia / Photo Catherine Ashmore, ROH)

Billy Budd é admitido no navio que se desloca para combater os franceses, rapidamente conquista a simpatia dos companheiros e do capitão pela sua postura de homem bom, mas também o ódio do mestre de armas Claggart que, contudo, finge gostar dele (o que, no seu íntimo, acontece). Depois de uma tentativa de ataque forjada a um navio francês, Claggart denuncia Billy Budd ao capitão Vere por tentativa de motim. Vere não acredita e confronta-os. Billy Budd, devido a um problema de expressão verbal, não consegue responder às acusações de Claggart e ataca-o fisicamente, matando-o. É julgado pelos oficiais que o condenam à morte. O capitão tem dúvidas sobre a sua culpa, mas acaba por aceitar a sentença por enforcamento, apesar dos remorsos. Billy Budd é enforcado e os marinheiros são contidos à força pelos superiores na expressão da sua revolta, tudo voltando à rotina do navio. No final o capitão Vere, já velho, lamenta não ter poupado a vida de Billy Budd.

O maestro Ivor Bolton foi excelente na direcção da orquestra e coro, e deixou sempre que os cantores se ouvissem na perfeição. O Coro foi fantástico. Os solistas principais foram todos de topo.

O tenor Toby Spence foi o capitão Edward Fairfax Vere. Cantou de forma admirável, tem um timbre bonito e claro, foi excelente no final, tanto na interpretação cénica como vocal, ao transmitir a sua dúvida e remorso no julgamento e condenação à morte do Billy Budd. Mas a figura não é adequada à do capitão Vere, foi distante e pouco assertivo no comando do navio e é um cantor com muito jovem e timbre muito leve para a personagem, não lhe dando credibilidade, sobretudo no início e no fim. Poderia ser também um excelente Billy Budd.

(Fotografia / Photo Catherine Ashmore, ROH)

O barítono Jaques Imbrailo foi um Billy Budd sensacional! Em cena é difícil ver melhor, muito credível na interpretação, jovem, boa figura e de grande agilidade. Subiu cordas e escadas, sempre a cantar, muito expressivo e emotivo. A voz é de invulgar beleza e manteve a qualidade interpretativa ao longo de toda a récita. O monólogo final foi de uma emotividade tocante. Encarna na perfeição a personagem boa e idealista que não se deixa subornar mas, devido ao seu defeito de linguagem, acaba por agredir mortalmente o Claggart e, por isso, ser injustamente condenado à morte e enforcado.

(Fotografia / Photo Catherine Ashmore, ROH)

O baixo Brindley Sherratt foi insuperável como John Claggart. Tem uma voz escura magnífica, poderosíssima e sempre afinada. Em palco foi óptimo, sinistro, cínico e malévolo, qual Iago personificando o mal, com o único objectivo de destruir o Billy Budd por quem, tal como o capitão Vere, também sente atracção.

(Fotografia / Photo Catherine Ashmore, ROH)

Nos papéis secundários tiveram boas intervenções Clive Bayley (Dansker), Duncan Rock (Donald), Sam Furness (noviço) e o trio de oficiais David Soar (Mr. Flint), Thomas Oliemans (Mr. Redburn) e Peter Kellner (Lieutenant Ratcliffe), os últimos notáveis no incómodo da cena do julgamento e condenação do Billy Budd, em que o capitão Vere, se recusou a defendê-lo.

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BILLY BUDD, Royal Opera House,London, May 2019

The Royal Opera House presented Benjamin Britten's opera Billy Budd with libretto by E.M. Foster and Eric Crozier in a production by Deborah Warner, staging by Michael Levine, lights by Jean Kalman, costumes by Chloé Obolensky.

The staging is very interesting. Everything happens on the ship Indomitable and there are only men on board. The stage, surmounted by sails rolled in the masts, has many ropes and ladders, and a wooden floor suggesting the deck of the ship. The latter rises sometimes, either showing the captain's quarters, or the place where the sailors sleep, all suggesting a ship of the end of the 18th century, as stated in the libretto. The costumes are also suggestive, although the uniforms of the officers are of more modern times. There are many sailors on stage (chorus and others) with interesting moves that greatly help the show.

Billy Budd is admitted to the ship that moves to fight the French, quickly wins the sympathy of the comrades and the captain for his posture of good man, but also the hatred of the master of arms Claggart who, however, pretends to like him (which happens in his hidden feelings). After an attempt of forged attack to a French ship, Claggart denounces Billy Budd to the captain Vere accusing him of mutiny. Vere does not believe and confronts them. Billy Budd, due to a problem of verbal expression, can not respond to Claggart's accusations and attacks him physically, killing him. Billy Budd is tried by the officers who condemn him to death. The captain has doubts about his guilt, but ends up accepting the sentence by hanging, despite the remorse. Billy Budd is hanged and the sailors are restrained by force by the superiors in the expression of their revolt, all returning to the routine of the ship. In the end Captain Vere, already old, regrets not having spared the life of Billy Budd.

Conductor Ivor Bolton excelled at the Orchestra and Choir and always let the singers be perfectly heard. The Choir was fantastic. The main soloists were all top quality.

Toby Spence was captain Edward Fairfax Vere. He sang admirably, has a beautiful and clear timbre, was excellent at the end, both in scenic and vocal performance, in conveying his doubt and remorse in Billy Budd's trial and death sentence. But his figure is not suited to that of Captain Vere, he was distant and unassertive in command of the ship, and looks very young and has a very light tone for the character, not giving credibility, especially at the beginning and at the end. He could also be a great Billy Budd.

Baritone Jaques Imbrailo was a sensational Billy Budd! On stage is difficult to see better, very credible in the interpretation, young, good figure and great agility. He climbed ropes and ladders, always singing, very expressive and emotional. The voice is of uncommon beauty and has maintained the quality throughout the whole performance. The final monologue was of touching emotion. He incarnates perfectly the good and idealistic person who does not allow himself to be bribed but, due to his defect in speaking, ends up attacking mortally Claggart and, therefore, being unjustly condemned to death and hanged.

Bass Brindley Sherratt was unsurpassed as John Claggart. He has a magnificent dark powerful voice, always in tune. On stage was great, sinister, cynical and malevolent, impersonating evil like Iago, with the sole aim of destroying Billy Budd by whom, (as Captain Vere) also feels attraction.

In the supporting roles Clive Bayley (Dansker), Duncan Rock (Donald), Sam Furness (novice) and the trio of officers David Soar (Mr. Flint), Thomas Oliemans (Mr. Redburn) and Peter Kellner (Lieutenant Ratcliffe), the last three notable in the unpleasant scene of the trial and conviction of Billy Budd, in which Captain Vere, refused to defend him.

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DIE ZAUBERFLOTE / A FLAUTA MÁGICA METropolitan Opera, Outubro de 2014 / October 2014

(review in english below)

A Flauta Mágica de W A Mozart esteve em cena no início da presente temporada na METropolitan Opera de Nova Iorque.

A encenação de Julie Taymor é de grande impacto visual. Está recheada de símbolos maçónicos e não inclui elementos egípcios, como muitas vezes se vê. Mas há uma enorme diversidade de criaturas fantásticas ao longo do espectáculo. As três Damas ao serviço da Rainha da Noite aparecem cada uma com uma grande máscara na mão, o que permite um efeito espectacular sempre que estão em cena. O Papageno (e a Papagena) surge vestido convencionalmente, como apanhador de pássaros. O Tamino e a Pamina também aparecem em trajos vistosos mas os mais espectaculares são o Sarastro, a Rainha da Noite e o Monostatos, como poderão ver nas fotografias. Os cenários mudam frequentemente, são eficazes e o ambiente místico mantém-se em toda a ópera.

Dirigiu a excelente Orquestra do Met o maestro húngaro Adam Fischer. O Coro foi também impressionante.

Toby Spence, tenor inglês, foi um Tamino de grande qualidade vocal, sempre bem audível e afinado. A personagem estava excessivamente estilizada, o que não beneficiou a actuação cénica.

Também óptimo vocalmente e muito bem em cena esteve o Papageno do barítono austríaco Markus Werba. A voz não é muito grande mas fez-se sempre ouvir e foi muito expressivo na interpretação.

O baixo René Pape impôs-se como Sarastro, a melhor interpretação masculina. Voz grande, grave, afinada e intensa, melhor será difícil.

Nas solistas a Pamina do soprano Sul Africano Pretty Yende foi excelente. Tem uma voz lindíssima, muito melodiosa, clara e com um timbre muito agradável. E teve uma excelente presença em palco.

Já o soprano macedónio Ana Durlovski não foi uma Rainha da Noite marcante. A coloratura não foi perfeita e a intensidade vocal foi inconstante. Mas, no geral, cumpriu, sem deslumbrar.

Dos restantes cantores merecem destaque, pelas óptimas interpretações, a Papagena de Ashley Emerson, as três Damas, Amy Shoremount-Obra, Renée Tatum e Margaret Lattimore e, sobretudo, a espectacular interpretação, vocal e cénica, de Mark Schowalter como Monostatos.

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Die Zauberflöte / The Magic Flute Metropolitan Opera, October 2014

The Magic Flute by WA Mozart was onstage at the beginning of this season at the Metropolitan Opera in New York.

The staging by Julie Taymor is fantastic and of great visual impact. It is full of masonic symbols and does not include egyptian elements, as is often seen. But there is a huge range of fantastic creatures throughout the opera. The three ladies in the service of the Queen of the Night appear each with a large mask in hand, which allows for a spectacular effect whenever they are on the stage. Papageno (and Papagena) dress conventionally as bird catchers. Tamino and Pamina also appear in showy costumes but the most spectacular are Sarastro, the Queen of the Night and Monostados, as you can see in the photographs. The scenarios change frequently, are effective, and the mystical ambience is kept throughout the opera.

Directed the great Met Orchestra Hungarian conductor Adam Fischer. The Choir was also impressive.

Toby Spence, English tenor, was a Tamino with great vocal quality, always audible and well tuned. The character was overly stylized, which did not benefit the stage action.

Also great vocally and very well onstage was Papageno by Austrian baritone Markus Werba. The voice is not very big but could always be heard and he had a very expressive interpretation.

Bass René Pape as Sarastro imposed as the best male performance. Fabulous low register always in tune, great voice. Better would be difficult.

South African soprano Pretty Yende was an excellent Pamina. She has a very melodious, clear voice, with a very nice beautiful timbre. And had a great stage presence.

Macedonian soprano Ana Durlovski was not a remarkable Queen of Night. The coloratura was not perfect and vocal intensity was not constant. But, in general, she was ok.

Of the remaining singers are noteworthy, the very good performances of Ashley Emerson as Papagena, the three ladies, Amy Shoremount Manpower, Renée Tatum and Margaret Lattimore, and above all, the spectacular interpretation, vocal and on stage of Mark Schowalter as Monostatos.

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The Tempest de Thomas Adès — 10 de Novembro, Met Live in HD, FCG

(Review in English below)

Assistimos na Fundação Gulbenkian à terceira transmissão em directo integrada no ciclo "The Metropolitan Opera HD". Em cena esteve a ópera "The Tempest", escrita pelo compositor inglês Thomas Adès (hoje com 41 anos), a partir do libreto de Meredith Oakes, que se baseou na peça homónima de William Shakespeare, que tem inspirado inúmeras produções artísticas, entre as quais o poema sinfónico, op. 18, “A Tempestade”, composto em 1873 por Pyotr Ilyich Tchaikovsky.

Estreada com grande sucesso em 10 de Fevereiro de 2004 na Royal Opera House, em Londres, esta ópera tem merecido grande aceitação no panorama internacional, tendo sido estreada em Copenhaga logo em 2005 e nos Estados Unidos em 2006, e estreando-se no Metropolitan de Nova Iorque na presente temporada de 2012/2013 com uma espectacular produção do encenador canadiano Robert Lepage, recentemente recordado a propósito da sua espantosa produção do Ciclo do Anel de Richard Wagner, igualmente no Metropolitan.

A ópera desenvolve-se em 3 actos. A história, apesar de não manter a fraseologia de Shakespeare, mantém todos os ingredientes da peça original e foi excelentemente concebido pela libretista Oakes. Poderão ler uma sinopse, por exemplo, no programa de sala da FCG.

A encenação a cargo de Robert Lepage é — indubitavelmente — de uma qualidade excepcional. Começa, aludindo à guerra de poder da cidade-estado Milão, por nos transportar ao Teatro la Scala como pano de fundo.

A cena da tempestade é conseguida de forma brilhante com Ariel a rodopiar no candeeiro que faz o mar revolto e tempestuoso. Aliás, como espírito que é, Ariel é caracterizada de um modo quase sem forma e que nunca toca o solo, antes o sobrevoa. A caracterização das personagens é também excelente, aludindo aos poderes mágicos de personagens como Próspero e Ariel e à negritude das profundezas da terra de Caliban. Em suma, é uma encenação com enorme impacto visual, que cumpre inteiramente com o encadeamento da história e que a desenvolve. Robert Lepage é um dos melhores encenadores da actualidade!

O papel de Própero foi escrito por Adès para o barítono Simon Keenlyside. É um papel de muita intensidade dramática e quase omnipresente na ópera. Musicalmente é de uma enorme dificuldade pois exige mudanças de registo vocal e interpretativo quase constantes. O próprio, quando questionado acerca do seu primeiro contacto com a partitura, refere que a sua reacção foi “panic!”. Keenlyside foi perfeito! Tem um timbre muito bonito, uma presença excelente e impositiva (para o que também contribuiu uma caracterização muito vistosa cheia de tatuagens que representavam os seus feitiços), desempenhando o “seu” Próspero de forma imaculada.

Miranda foi o mezzo-soprano americano de ascendência argentina Isabel Leonard. Faz parte do par romântico da ópera, tem uma presença física muito adequada ao papel e interpreta cenicamente muito bem. Vocalmente tem um timbre claro e melodioso, fraseou com uma boa dicção o seu difícil papel.

Ferdinand foi o tenor Alek Shrader. Fazia o par romântico com Miranda, apresentando uma presença física e expressividade muito adequada a um jovem apaixonado. Apresentou-se vocalmente em bom plano, destacando-se — como o próprio papel exige — no segundo acto.

Audrey Luna foi o soprano coloratura que desempenhou o papel do espírito Ariel. O seu papel é de uma dificuldade extrema, uma vez que Adès lhe exige o seu registo agudo máximo quase constantemente. A sua interpretação foi excelente: tem um agudo muito bonito, que lhe sai com aparente facilidade e sem o gritar. Por exemplo, a sua primeira entrada na ópera é com uns agudos arrepiantes a levar quase à agonia. Cenicamente foi-lhe atribuído um papel muito envolvente e fisicamente difícil de desempenhar, mas fê-lo optimamente.

O negro Caliban foi o tenor Alan Oke. A sua caracterização era absolutamente condizente com a personagem. Tem um timbre adequado e cumpriu muito bem sob todos os pontos de vista.

O baixo-barítono Kevin Burdette foi Stefano, enquanto o contratenor Iestyn Davies foi Trinculo. Ambos cumpriram bem com as demandas cénicas que lhes foram exigidas e estiveram vocalmente em bom plano.

Antonio, o irmão de Próspero, foi interpretado pelo tenor Toby Spence. Sebastian, o irmão do Rei de Nápoles, foi o barítono Christopher Feigum. Apresentaram-se ambos em bom plano, cumprindo bem o seu pouco extenso papel.

Gonzalo foi o baixo John del Carlo que esteve muito bem. Tem um grave forte e desempenhou a sua personagem de forma muito convincente.

O tenor William Burden foi o Rei de Nápoles. Tem um dos papéis mais melodiosos desta ópera e é uma personagem desesperada pelo sentimento de perda do seu filho e herdeiro Ferdinand que julga morto após o naufrágio inicial. Gostei muito do seu timbre vocal e considero que fez uma excelente interpretação do ponto de vista dramático: expressivo vocal e corporalmente.

A interpretação da obra esteve a cargo do próprio compositor — Thomas Adès — que dirigiu, uma vez mais, um coro e orquestra do MET perfeitos. A sua música soou sublimemente.

Quero deixar uma nota de particular agrado relativamente a esta The Tempest. A música foi excelentemente concebida: é dramática, intensa, é capaz de nos levar da agonia à harmonia romântica, releva a personalidade individual das personagens permitindo a sua evolução cénica, expõe os sentimentos humanos e não é exibicionista. Adès prova — e deixa-o claro! — que a música contemporânea tem óptimos valores e que a ópera é um género vivo! Foi uma das óperas que mais prazer me deu assistir nos últimos tempos. Um grande Bravo a Thomas Adès!

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(Review in English)

We have witnessed the third live transmission integrated in the cycle "The Metropolitan Opera HD" at Gulbenkian Foundation. On stage was the opera "The Tempest," written by English composer Thomas Adès (now 41 years old), from the librett by Meredith Oakes, which was based on the homonymous play by William Shakespeare, which has inspired numerous artistic productions, among which are, for example, the Symphonic poem, op. 18, The Tempest, composed in 1873 by Pyotr Ilyich Tchaikovsky.

Premiered with great success on February 10, 2004 at the Royal Opera House in London, this opera has received wide acceptance in the international scene, having been premiered in Copenhagen in 2005 and soon in the United States in 2006, and it was premiered at the Metropolitan New York this season of 2012/2013 with a spectacular production of Canadian director Robert Lepage, recently recalled the purpose of his astonishing production of Wagner’s Ring Cycle, also at the Metropolitan.

The opera unfolds in three acts. The story, though not keep the phraseology of Shakespeare, has all the ingredients of the original piece and was excellently designed by librettist Oakes. You can read a synopsis, for example, in the room program of the FCG.

The staging was of Robert Lepage and it was - undoubtedly - of exceptional quality. Begins, alluding to the war by power of the city-state Milan, carrying us to Teatro la Scala as a backdrop. The storm scene is brilliantly achieved with Ariel in a spinning lamp that makes sea be rough and stormy. Incidentally, Ariel, who is a spirit, is characterized in a way that almost has any body form and never touches the ground — Ariel flies above the ground every time. The characterization of the characters is also excellent, alluding to the magical powers of characters such as Prospero and Ariel and Caliban, as black as the depths of the earth. In short, it is a stage with enormous visual impact, which complies fully with the thread of the story and develops it. Robert Lepage is one of the best directors of our time!

Adès wrote Prospero character to the baritone Simon Keenlyside. It is a role of great dramatic intensity and almost ubiquitous in opera. Musically it is of huge difficulty because it requires a change of vocal and interpretive registers almost constant. Keenlyside, when asked about his first contact impact with the score, notes that his reaction was "panic." But Keenlyside was perfect! He has a beautiful timbre, an excellent and compelling presence (to which also contributed a very eye-catching characterization full of tattoos that represent his spells), playing "his" Prospero unblemished.

Miranda was the American mezzo-soprano Isabel Leonard. She is part of the romantic duo of this opera, and she has a very appropriate physical presence to the role and interprets scenically very well. Vocally she has a clear and melodious timbre, phrasing with good diction her difficult role.

Audrey Luna was a coloratura soprano who played the role of the spirit Ariel. Her role is of extreme difficulty, since Adès requires her higher register almost constantly. Her performance was excellent: she has a pretty acute, which is of apparent ease and without screaming. For example, the first entry in the opera is disturbing with high-pitched notes that almost bring us agony. Scenically she was given a very engaging role, physically difficult to play, but she did it optimally.

The black Caliban was the tenor Alan Oke. His characterization was absolutely consistent with the character. He has a proper timbre and served very well from all points of view.

Ferdinand was tenor Alek Shrader. He formed the romantic couple with Miranda, presenting a physical presence and expressiveness well suited to a young man in love. He introduced himself vocally in good plan, especially - as the role requires - in the second act.

Antonio, Prospero's brother, was interpreted by tenor Toby Spence. Sebastian, the King of Naples’s brother, was the baritone Christopher Feigum. They both showed themselves in good plan, well fulfilling their roles not too demanding.

Gonzalo was the bass John del Carlo that was fine. He has a strong bass tone and played his character very convincingly.

Tenor William Burden was the King of Naples. He has one of the most melodic roles of this opera and is a desperate character filled with the sense of loss of his son and heir Ferdinand who he judges dead after the initial wreck. I really enjoyed his vocal timbre and I think he did an excellent interpretation of the dramatic point of view: expressive vocal and bodily.

The bass-baritone Kevin Burdette was Stefano and countertenor Iestyn Davies was Trinculo. They both complied well with the scenic demands scenic they were required and were vocally in good plan.

It was the composer himself - Thomas Adès - who directed, once again, a perfect MET chorus and orchestra. His music sounded sublimely.

I want to leave a note on this The Tempest. The music was excellently conceived: it's dramatic, intense, it is able to lead us from the agony to romantic harmony, reveals the personality of the individual characters allowing their scenic evolution, exposes human feelings and is not flamboyant. Adès proof - and makes it clear! - that contemporary music has great values and that opera is a genre that is alive! It was one of the operas that gave me more pleasure to watch lately. A big Bravo to Thomas Adès!