AS BODAS DE FÍGARO, Theatro Municipal do Rio de Janeiro, Novembro de 2015

(in English below)

No Theatro Municipal do Rio de Janeiro está em cena a ópera As Bodas de Fígaro de W.A. Mozart. Para um excelente texto sobre a obra, consulte aqui.

A encenação de Livia Sabag é simples, convencional, eficaz e muito agradável. Tudo é claro e bem perceptível, apenas a separação entre nobres e servos não é muito marcada, mas esse pormenor não perturba. E os momentos de maior comicidade são muito bem conseguidos.

A direcção musical da Orquestra Sinfónica do Theatro Municipal esteve a cargo do maestro Tobias Volkmann, que fez um bom trabalho. Apesar de alguns desencontros entre instrumentistas, e entre estes e os cantores, foi uma boa interpretação orquestral. O Coro teve uma prestação aceitável.

Tivemos duas Susanas, Chiara Santoro nos primeiros 2 actos, depois lesionou-se num joelho e foi substituída por Carla Cottini. A primeira tinha uma boa presença em palco e uma voz leve, embora de fraca potência que, frequentemente, não se ouvia quando a orquestra soava mais alto. Carla Cottini esteve melhor, voz mais clara e melodiosa, sem descuidar a interpretação cénica.

O barítono Felipe Oliveira foi um Fígaro credível, com voz bonita, sempre audível e bem colocada. Muito bom actor, conseguindo imprimir grande comicidade a várias das suas intervenções. Nos confrontos com o Conde tratou-o de igual para igual, o único aspecto da produção que, como referi, me pareceu mais desadequado.

O Conde de Almaviva foi interpretado pelo barítono Manuel Alvarez. Foi a melhor interpretação masculina da noite. O cantor tem uma voz forte, usou-a na perfeição e o timbre é muito agradável. Dirigiu-se de igual forma aos servos como aos nobres, o que poderia ter sido melhor.

Marina Considera foi a melhor da noite, na Condessa de Almaviva. Conseguiu transmitir toda a melancolia e tristeza da personagem que desempenha e esteve particularmente bem na aria Dove sono i bei momenti. Tem uma voz extensa, muito bonita e bem projectada.

Também o Cherubino interpretado por Malena Dayen esteve muito bem, sempre ágil e expressivo. A voz é fresca, alegre, e muito agradável.

Nos papéis secundários, Savio Sperandio foi um Don Bartolo expressivo e agradável, Beatriz Pampolha cumpriu como Marcelina, Cleyton Pulzi foi um Don Basilio que mal se ouviu, Luiza Lima foi uma Barbarina correcta, Guilherme Moreira não destoou como Don Curzio e, a um nível superior, esteve Frederico de Oliveira que foi um Antonio memorável.

Neste imponente teatro, uma última palavra para o público, que ocupava metade dos lugares disponíveis na sala. Alguns chegaram já depois do início do espectáculo e entraram, outros conversavam durante a récita e, fatalmente, estavam perto de mim pessoas a desembrulhar ruidosamente guloseimas para comer! Infelizmente, um público de ópera parecido com aquele que se comporta mal na Europa. Só faltaram as tosses!

Mas, graças aos artistas em palco, ouviu-se Mozart!

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The Marriage of Figaro, Theatro Municipal do Rio de Janeiro, November 2015

At the Theatro Municipal of Rio de Janeiro, Brazil it is on the stage the opera The Marriage of Figaro by WA Mozart. For an excelent text on the opera see here.

The staging of Livia Sabag is simple, conventional, efficient and very pleasant. Everything is clear and well understandable, only the separation between nobles and servants is not very marked, but this is a minor detail. And the moments of humor are very well achieved.

The musical director of the Symphony Orchestra of the Municipal Theater was maestro Tobias Volkmann, who did a good job. Despite some disagreements between musicians, and between musicians and the singers, it was a good interpretation. The choir had an acceptable performance.

The soloists were very homogeneous and with good level of interpretation.

We had two Susanas, Chiara Santoro in the first two acts, then she injured a knee and was replaced by Carla Cottini. The first had a good stage presence and a light voice, though underpowered that often was not heard when the orchestra sounded louder. Carla Cottini was better, with a clearer and melodious voice, without neglecting the staging interpretation.

Baritone Felipe Oliveira was a credible Figaro, with beautiful, always audible voice. Very good actor, achieving great comic print in a number of its interventions. In confront with the Count he treated him as an equal, the only aspect of the staging that, as I mentioned, it sounded more inadequate.

The Count Almaviva was played by baritone Manuel Alvarez. He was the best male interpretation of the night. The singer has a great voice, used it perfectly, and the tone is very nice. He addressed equally servants and nobles, which could have been better.

Marina Considera was the Countess Almaviva, the best of the night. She managed to convey all the gloom and sadness of the character she plays and she was particularly well in the aria Dove sono i bei momenti. she has an extensive, very beautiful and well placed voice.

Also Cherubino played by Malena Dayen did very well, always agile and expressive. The voice is fresh, lively, and very nice.

In supporting roles, Savio Sperandio was an expressive and pleasant Don Bartolo, Beatriz Pampolha was a correct Marcellina, Cleyton Pulzi was a Don Basilio that was barely audible, Luiza Lima was a correct Barbarina, Guilherme Moreira was OK as Don Curzio and, at a level top, Frederico de Oliveira was a memorable Antonio.

In this imposing theater, a final word about the audience, which occupied half the seats available in the room. Some entered in the room after the beginning of the performance, others were talking during the performance and, inevitably, I was close to people noisily unwrapping goodies to eat! Unfortunately, an opera audience like the one that misbehaves in Europe. Only coughs missed!

But thanks to the artists on stage, we heard Mozart!

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A INGÊNUA E DESESPERADA MADAMA BUTTERFLY NO TEATRO MUNICIPAL DO RIO DE JANEIRO

CRÍTICA DE ALI HASSAN AYACHE NO BLOG DE ÓPERA E BALLET

O suntuoso Theatro Municipal do Rio de Janeiro impressiona pela grandiosidade, conhecê-lo é viajar no tempo onde desfilavam senhoras mais preocupadas em se exibir e cavaleiros mostrando orgulho e grandeza do capital conquistado. O tempo passa e a sociedade muda com ele, hoje qualquer cidadão pode ter acesso a suas frisas. Parte do público ainda vai para mostrar as roupas de grife e bolsas compradas na Europa, embora a maioria esteja lá para apreciar o evento.

   

O título escolhido pela direção para fechar o ano é Madama Butterfly de Puccini, o Teatro Municipal do Rio de Janeiro usa uma produção de acervo, apresentada em anos anteriores inclusive em São Paulo. Nunca entendi por que poucos teatros no Brasil fazem isso. 

(fotografia de Scheila Guimarães)

Carla Camurati assina a direção cênica, consegue dinâmica a um enredo caracterizado pela lentidão em um libreto não muito inspirado de Luigi Illica e Giuseppe Giacosa. Não cai na armadilha e no modismo da transposição temporal e mantém a personagem no Japão imperial. Sua versão é quase sempre limpa com ação rápida e acertos cênicos. A projeção no intermezzo mostra-se correta e unida com o desenho de luz de Carina Stassen e cenários de Renato Theobaldo deixa tudo harmônico. Os figurinos caminham lado a lado com os cenários embora pequem em alguns detalhes, essa é a primeira Butterfly que usa chinelo de dedo.

A regência de Issac Karabtghevsky esteve em bom nível para uma ópera, sonoridade coerente e volume correto foram a constante do espetáculo. Tirou dramaticidade e lirismo  em momentos onde era necessário da Orquestra Sinfônica do Teatro Municipal do Rio de Janeiro. 

(fotografia de Sheila Guimarães)

Dizem que Puccini não gostava de japonesas para cantar sua ópera, ele tinha suas razões e eu concordo com ele. O soprano Hiromi Omura mostrou um timbre cristalino e uma técnica correta cantando a protagonista. Pecou na dicção, no fraseado e no sotaque. Sua voz esteve afinada mostrando diversas nuances e cores. Constante do início ao fim, faltando a leveza no início para uma personagem de 15 anos. Cenicamente manteve um bom nível de atuação, ingênua no início e desesperada no terceiro ato. 

   

O tenor Fernando Portari apresentou a qualidade de sempre, timbre agradável e potente com agudos de sobra em uma interpretação cênica convincente. Denise de Freitas cantou uma Suzuki com correção e excelência vocal. Quem não esteve a altura da turma foi Rodolfo Giugliani, frio e apático em diversas passagens. 

   

(fotografia de Sheila Guimarães)

Os cariocas lotaram seu teatro, pena que a temporada não tenha sido das mais expressivas. Poucos títulos apresentados é a principal reclamação dos colegas do Rio de Janeiro. Interesse em ópera existe, basta apresentar mais que o público comparece, tanto é que o teatro esteve lotado na estreia do dia 30 e a palestra Falando de Ópera apresentada no deslumbrante Salão Assyrio por Silvio Viegas teve grande presença.

(fotografia de Sheila Guimarães)

Ali Hassan Ayache

A VALQUÍRIA /Die Walküre, Theatro Municipal do Rio de Janeiro, Julho 2013

Luis Fernando Neumann, de Niteroi, teve a gentileza de nos enviar há poucos dias uma apreciação da Valquíria do Theatro Municipal do Rio de Janeiro. Muito obrigado pelo texto que, agora, fica acessível a todos os leitores deste espaço. Aqui o publicamos na íntegra:

 Todas imagens obtidas na página do facebook do Theatro Municipal do Rio de Janeiro

Estive na Valquíria do Theatro Municipal do Rio de Janeiro no último 17 de julho. Casa cheia mas não lotada em contradição com a faixa “lotação esgotada” pregada no cartaz à frente do Municipal... Ao que parece, os cambistas também gostam de ópera!

Essa foi minha segunda Valquíria, mesma montagem mas músicos e orquestra diferentes da primeira, A Valquíria do Municipal de São Paulo, dois anos atrás.

As impressões de agora, são mais críticas e menos moldadas pela emoção do primeiro Wagner ao vivo.

De antemão, posso dizer que gosto dessa proposta desse “Anel Brasileiro” entretanto parece faltar um fio condutor que realmente una Valquíria e Crepúsculo dos Deuses. A conferir no próximo Ouro do Reno.

Assisti essa etapa do Anel no anel superior do Municipal com visão simultânea do palco e do fosso da orquestra. Entendi a razão de Wagner “esconder” a orquestra em Bayreuth. As luzes que iluminam os estandes das partituras dos músicos são como cantos de sereia e atraem o olhar e competem com o palco. Ponto ruim. Existe, claro, outro lado. É sempre gratificante acompanhar determinada passagem orquestral olhando para a orquestra, ver que o tema está nos cellos e contrabaixos...

A abertura da peça continua impactante. As oscilações dos cellos e baixos são acompanhadas por chamas oscilantes daqueles que caçam Siegmund.

Siegmund entra com a cara pintada como um palhaço de circo, uma sugestão,  demasiadamente direta talvez, dele ser um joguete dos deuses. Com a evolução do ato e o crescimento do seu personagem, a maquiagem é removida aos poucos. Entretanto, tal recurso cênico contaminou o cantante. Em momento algum, por expressão facial e/ou gestual corporal, Zvetan Michailov transformou-se no herói. Permaneceu um palhaço ou ainda um caixeiro viajante (roupa e barriguinha...) que bateu na casa errada nesse ato, foi escorraçado e quase mija nas calças no segundo ato. Um contraste imenso com a imensa presença cênica de Sávio Sperandio que vocal, gestual e facialmente foi um esplêndido Hunding. Eiko Senda proporcionou uma muito satisfatória Sieglinde. O gestual e voz transmitiram perfeitamente as oscilações de humor da personagem.

O primeiro ato é o menos brasileiro desse “Anel Brasileiro”. Digo isso por ignorância, desconhecimento de algum elemento cultural brasileiro que se compare com a simbologia nórdica que está no palco. No centro do palco está Yggdrasil (quase YggBrasil...) a árvore (ou o freixo ou ainda o teixo) do mundo. Aqui, parece ter havido uma correção em relação à encenação do Municipal de São Paulo, onde a ação do primeiro ato se passava em frente às raízes de Yggdrasil. Suas raízes (o reino dos Nibelungos) e topo (Asgard e/ou Valhall, reino dos deuses) não pouco visíveis, uma mera sugestão. Vê-se apenas o centro da árvore (Midgard, lugar dos homens, nosso lugar). Em algum lugar desse tronco central, está cravada uma espada, infelizmente pouco visível mesmo quando o drama exige que a espada passe a ser o ponto focal da ação. À esquerda, o elemento brasileiro, uma mesa com tampo de vidro, como a que tenho em minha casa...

Na imagem, Sávio Sperandio e Zvetan Michailov.

Na imagem, Eiko Senda e Zvetan Michailov.

 

 O segundo ato sim, é inspiradoramente brasileiro. Uma sala de ex-votos onde são depositados os pagamentos das promessas feitas a Nossa Senhora, ao menino Jesus ou a algum santo. Retratos, braço, pernas e rosto de plásticos espalhados. Começa com Wotan e 8 das suas filhas unidas por laços de fita. Entretanto, ao invés de enrolar as fitas no mastro (ou em Wotan) são as Valquírias que se enrolam nas fitas, em um agradável e muito funcional alegoria do comando que Wotan tem sobre suas filhas menos Brünnhilde, o que pode ser signo da sua relativa independência. Wotan aqui está caracterizado como o próprio Wagner, uma homenagem ou cópia do Wotan de Chéreau. Lício Bruno caracterizou muito bem Wotan. Aliás, é chover no molhado elogiar a presença cênica de Lício Bruno. Os dois momentos centrais da Tetralogia foram bem resolvidos. Quando Denise de Freitas entrou como Fricka, eu pensei: Lá vem Dona Hermínia (e isso é outra história, talvez o Anel de Niterói...). Ela entra armada para brigar e dobrar Wotan. O faz com galhardia. Wotan é desmascarado. Segue o seu grande monólogo e, para mim, razão que levou cenicamente à sala dos ex-votos.

Na imagem Eliane Coelho e Licio Bruno

 No seu lamento a Brünnhilde (Eliane Coelho), Wotan conta como tentou moldar seu herói e representação cênica deixa bem claro como falhou. Ele pega pernas e braços e uma cabeça pendurados e os coloca no chão. São disformes. O deus não tem o poder, e não pode moldar um herói que não fique contaminado pelo deus. Surge outro elemento cênico que pode ter sido inspirado pelo Anel de Chéreau. Lá a mortalha que envolve Siegmund, aqui um véu branco que passa de Sieglinde para Brünnhilde. O véu envolve (cega? protege?) Sieglinde no seu desesperado lamento antes da morte de Siegmund. O ato termina dramaticamente bem. Hunding morre enforcado pelo laço de Wotan, ou outro que foi enredado pelos planos dentro de planos do deus. O Geh’ hin, knecht – vai escravo funcionou muito bem.

O terceiro ato começa como uma cavalgada, uma folia de reis, ecos do nosso passado ibérico, mouros e cristãos. A mais brasileira da cavalgada das valquírias. Belas valquírias, belas vozes, talvez faltasse um pouco de força para a orquestra, metais principalmente. As valquírias sobraram. Verushka Mainhard, Daniela Carvalho, Magda Belotti, Carolina Faria, Maira Lautert, Flávia Fernandes, Marina Considera e Daniela Mesquita, belas vozes, bela presença de palco, bela presença feminina. Eu esperava mais do Leb wohl du kühnes herrliches Kind. A orquestra abafou Licio Bruno que já mostrava cansaço. E, certamente, excesso de expectativa, culpa das facilidades atuais de you tube (George London) e/ou DVD, Donald McIntyre... Entretanto, no anúncio do herói mais livre que o deus, o papel se inverteu. Licio Bruno soberbo na passagem e falta de pegada heroica da orquestra no tema de Siegfried.

Quanto à orquestra do municipal, conduzida por Luiz Fernando Malheiros foi bem. Eu não tenho ouvido e tampouco experiência para julgar criteriosamente mas até o final do segundo ato, eu julgava ter ouvido uma ou outra escorregada da orquestra. No intervalo, uma senhora ao meu lado que, de tempos em tempos, regia a orquestra em algumas passagens, falou-me, desalentada, dos metais: “falta ensaio, falta ensaio... Ah esses metais, desafinaram”. De minha parte, sem ter como criticar de ouvido, critico de sentimento. Faltou pegada heroica em alguns momentos.

Todas as vozes femininas surraram as vozes masculinas, impiedosamente. Suas vozes encheram o Municipal, não foram abafadas pela orquestra e transmitiram corretamente as indicações mentais dos personagens.

Das vozes masculinas, salvou-se Sávio Sperandio, soberbo como Hunding. Impostação, volume e adequação ao momento que o papel exigia. Corretíssimo.

Lício Bruno, mesmo baixinho para Wotan (com o perdão da linha do politicamente correto) compensou cenicamente a inadequação da sua voz (volume, timbre) para o papel de Wotan.

Já o tenor... Ah, o tenor Zvetan Michailov . Foi um pecado terem escalado um tenor ligeiro (minha descrição) para um papel que exige um heldentenor. Não posso falar de desafinação dele. Não tenho ouvido ou formação para tanto. Todavia, repito o que disse acima. Em momento algum se viu em cena um heroi. Viu-se um Verkäufertenor, um tenor caixeiro viajante. Faltou postura tanto facial como corporal para nos momentos onde Siegfried mostra-se o herói que fora e ainda poderia ser.

Tudo somado, continuo maravilhado com Wagner e com esse Anel Brasileiro.

Nabuco - Theatro Municipal do Rio de Janeiro - 27/07/2011

Aqui está o primeiro texto neste blogue sobre uma ópera no Brasil. É mais uma excelente contribuição de Eduardo Vieira ( Visite o seu blogue: http://pitacosdoeduardo.blogspot.com/). Espero que, em particular, os muitos leitores brasileiros do blogue se sintam tão orgulhosos com ele quanto nós.
Muito obrigado, Eduardo, em nome dos Fanáticos da Ópera / Opera Fanatics.

Já tinha escrito a maior parte da crítica sobre esta montagem quando soube que esse seria o primeiro texto do blog sobre uma montagem brasileira.

Sendo assim, decidi incluir um preâmbulo sobre o nosso mais tradicional Teatro Lírico, suas origens e sua recente restauração (que terminou ano passado).

Na segunda metade do século XIX, havia na cidade, que era a capital do Império Brasileiro, intensa atividade lírica. O Imperador Pedro II era um verdadeiro fanático por ópera. Para se ter uma ideia, ele esteve presente a inauguração de Bayreuth, alem de ter convidado Wagner para produzir uma ópera no Brasil (pelo que li, o compositor chegou a ficar tentado pela vasta soma, mas amarelou de encarar a "selva").

Existiam diversos teatros onde se levavam óperas e saraus, sendo os dois principais o Theatro Lírico e o São Pedro, mas todos eram muito criticados seja pelas instalações, seja pela qualidade das companhias que se apresentavam.

De 1894 até 1909 (quando foi inaugurado), houveram muitas polêmicas em torno da construção de um Teatro Lírico nos moldes da Comédie Francaise. O projeto acabou sendo a junção de dois finalistas de um concurso. De sua construção participaram diversos artistas famosos da época, como Eliseu Visconti.

 Possuindo 4 andares (platéia, balcão nobre, balcão simples e galeria), o Theatro acomoda hoje 2361 lugares.

 O TMRJ teve grandes momentos na segunda metade do século XX, quando chegou a ter uma montagem de La Traviata onde Calas e Tebaldi se revezaram no papel principal.

Pessoalmente, é difícil avalia-lo. É onde assisti minha primeira ópera (Rigoletto, em 1989, na última cadeira da galeria!!). Tenho uma ligação emocional com o lugar. Fico muito chateado com a pouca quantidade de récitas que temos anualmente, mas é o meu teatro preferido. Não tem pontos cegos, tem excelente acústica e é lindo (espero que as fotos ajudem). Já passou por diversas reformas, sendo a mais importante a que começou em 2008 e terminou em 2010, da qual apresento o video comemorativo a vocês. (eu assisti dentro do Theatro, na sua reinauguração, quando foi levada uma montagem de Il Trovatore. A montagem foi razoável mas o vídeo foi o ponto alto da noite. Vale a pena ver!

http://www.youtube.com/watch?v=gU7gq8v7bFc

Dito isso, vamos a ópera:

Nabuco é a terceira ópera de Verdi e é o seu primeiro sucesso estrondoso. Eu conhecia a história, já tinha ouvido o coral (quem não ouviu?), mas alem disso, pouco conhecia sobre a mesma. Acreditava até ser um trabalho menor, que teria tido mais sucesso pelo seu oportunismo do que pelos seus méritos musicais em si.

Junte-se a isso o fato de que as últimas produções do TMRJ deixaram a desejar e de termos apenas cantores brasileiros, não esperava muita coisa.

Me enganei redondamente. Nabuco é uma grande ópera. E, na minha opinião, foi levada de forma bastante digna aqui no Theatro Municipal, a despeito de críticas que li (principalmente a do senhor Vicente Depércia, de quem nunca tinha ouvido falar até procurar material para escrever esse texto (http://blogdepercia.blogspot.com/2011/07/opera-nabuco-de-verdi-um-fracasso.html)) e que vou discutir ao final.

Eu gostei da concepção de André Heller de dar um caráter atemporal a história, misturando trajes modernos a símbulos assírios. O próprio texto da ópera é atemporal (se referencia a "filhos de David" e a Moisés quando os eventos dessa ópera aconteceram antes disso). A ópera foi escrita ANTES do holocausto, e até hoje existe preconceito. Para mim faz todo sentido.

Se no conceito as coisas estavam certas, não quer dizer que a execução tenha sido sem mácula. Os figurinos, assinados por Marcelo Marques, só funcionaram onde eram óbvios (judeus de terno, judias de véu, branco predominando na hora da morte). Onde eram mais elaborados, realmente ficaram confusos e eu diria até mal-feitos (máscara de papelão nos soldados assírios? Quem teve essa idéia foi pago para isso?).

Do cenário, assinado por Renato Theobaldo, eu gostei. Diversos painéis feitos com tubos geravam a cada cena efeitos diversos, a decoração assíria e ajudaram a narrativa. A iluminação (Fábio Retti), a meu ver, foi funcional, sem grandes pirotecnias. O efeito especial principal (o cair na cabeça de Nabuco) não funcionou.

Vamos aos cantores: a soprano Eliane Coelho fez bom papel com Abigaille. Não tenho como comparar com outras performances, pois não as conheço, mas mesmo que não esteja no auge de sua forma e que esse não seja o seu papel ideal, funcionou muito bem.

A mezzo Denise Freitas tem uma voz muito bonita, um tom mais escuro, que eu gostei muito e achei adequado para a essa ópera, fazendo um bom contraste com a soprano. É interessante ver a "mocinha" sendo a mezzo, enquanto a "vilã" é a soprano. O papel não dá as mesmas chances que tem Abigaille, mas entendo que foi bem defendido.

O baixo Sávio Esperândio, no papel de Zaccaria, foi o melhor da noite. Seu timbre é excelente e sua postura no palco é altamente convincente. Parecia realmente um profeta fanático pregando, com os olhos arregalados, uma coisa!

O tenor Marcos Paulo, no papel de Ismaele, foi a performance mais fraca entre os principais (embora supere, em muito, o tenor que vi fazendo Tosca em Paris). Entrou frio e não chegou em algumas notas no início. Depois melhorou e não comprometeu.

O barítono Rodrigo Esteves, como Nabuco, tambem aparece discreto no início, mas cresce no fim do segundo ato e canta muito bem a sua ária de arrependimento no 4o. ato.

Os papéis menores não me chamaram atenção.

Quanto ao Coro do Theatro Municipal, acho que teve uma excelente participação, numa ópera onde eles são praticamente um personagem e que possuem o principal momento da noite, que teve que ser bisado dados os efusivos aplausos.

Aliás, todas as eventuais falhas de concepção dessa montagem são perdoadas por esse momento sublime onde vemos, os presos, a espera da morte, se regozijarem com a única coisa que nunca nos podem tirar, nossos pensamentos e nossas lembranças. Se você sabe italiano ou lê as legendas, é impossível não ficar embargado. E a montagem cênica ajuda, com alguns coristas subindo nas grades na hora que a musica cresce, como se a música os levasse junto. Vocês podem me dizer que é piegas, que é obvio, o que for, mas funciona. E muito bem.

Retomo a eterna dúvida da condessa de Capriccio (as palavras ou a música?). Nenhum dos dois, a ópera tem que ser, sempre, as duas coisas juntas. Aquele libreto, declamado, seria bonito, mas não seria o que é. A música, sem o contexto, como aparece na abertura, é bonita, mas não traz nenhum efeito maior. Na peça, no contexto, com o coro cantando é algo totalmente diferente. E o pianíssimo do final é a chave de ouro.

Vejo nessa ópera algumas coisas que o Verdi retomaria em outras obras. O final do primeiro ato me lembrou bastante o fim segundo ato de Aída. E o final da ópera é muito bem feito, com a morte da Abigaille e a profecia de Zaccaria.

Enfim, o que dizer das críticas altamente negativas que li (tirando essa que citei, o principal jornal da cidade (O Globo), viu a parte cênica mais ou menos da mesma forma que eu, mas foi crítico em relação aos cantores)? Não sei. Ambos escreveram sobre a estreia, eu já assisti a terceira récita, o que pode fazer alguma diferença. Eu provavelmente sou um melômano menos exigente e não tão erudito. Mas, na verdade, o que eu enxergo nessas críticas é muita soberba.

A opera foi bastante aplaudida, não há como classifica-la como um "um fracasso anunciado" como o senhor Depércia fez. Se ela não atende aos altos requisitos desse senhor, eu vos digo, a maior parte das apresentações comuns (não estou falando das de gala, com cantores do primeiríssimo time) da Ópera de Paris também não. E o ingresso lá é cinco vezes mais caro!

O nosso Theatro precisa é de mais produções, não de menos. Críticas destrutivas só levam as autoridades a cada vez colocar menos dinheiro na ópera. Isso não quer dizer que tenhamos que aplaudir qualquer porcaria que nos entreguem, mas é preciso ser construtivo. Essa montagem agradou ao público que estava lá, e que pagaria para ver novos espetáculos como o de ontem. O que vai nos levar a perfeição é a prática. Mais montagens nos levarão aos poucos a melhores montagens. Mas aparentemente as pessoas preferem ficar em casa assistindo aos seus DVDs.

Texto de Eduardo Vieira