LE NOZZI DI FIGARO / AS BODAS DE FIGARO METropolitan Opera, Fevereiro / February 2020

 (review in English below)

As Bodas de Fígaro de Mozart na produção da da METropolitan Opera de Nova Iorque tem encenação de Richard Eyre.

A acção passa-se em Sevilha e foi trazida para os anos 1930, mas a encenação é convencional e desinteressante. A distinção entre os nobres e os criados só é evidente no guarda roupa e esgota-se por aí. O palco é rotativo e vêem-se várias partes do palácio, incluindo o salão, o quarto da condessa, o quarto do Fígaro e os jardins. As paredes têm uma decoração mourisca e são muito altas, minimizando por vezes o que se passa no palco.

Logo na abertura é dado o mote, aparecendo uma mulher nua da cintura para cima a vestir-se apressadamente e, depois, o conde em robe vermelho e com ar satisfeito, enquanto a condessa dorme sozinha no seu quarto. Tudo o resto se passa no mesmo cenário que, apesar da rotação do palco, não tem grande interesse.

O maestro Cornelius Meister não fez um bom trabalho. Alguns desencontros, sobretudo no início e a orquestra sempre morna. Nem parecia Mozart.

Adam Plachetka foi um Figaro apagado vocalmente, com emissão irregular e sem grande vivacidade no palco.

Hanna-Elisabeth Müller esteve bem como Susanna, tanto no canto como na representação cénica.

Maurizio Muraro foi de longe o melhor como Dr. Bartolo, com uma voz grave poderosa e afinada.

Etienne Dupuis fez um Conde desinteressante, estático e que se deixou afogar pela orquestra várias vezes.

Amanda Woodbury foi uma Condessa de voz bonita e afinada. Contudo, em palco cumpriu sem encantar.

MaryAnn McCormick foi uma Marcellina banal, Marianne Crebassa um óptimo Cherubino, 

e Maureen McKay uma Barbarina apagada.

Esperava melhor destas Bodas.

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LE NOZZI DI FIGARO, METropolitan Opera, February 2020

Mozart's Marriage of Figaro in the staging of New York's METropolitan Opera was produced by Richard Eyre.

The action takes place in Seville and was brought to the 1930s, but the staging is conventional and uninteresting. The distinction between nobles and servants is only evident in the clothes and ends there. The stage is rotating and one can see several parts of the palace, including the hall, the countess's room, Figaro's room and the gardens. The walls have a Moorish decor and are very tall, sometimes minimizing what goes on the stage.

Right at the opening the motto is given, a naked woman appears from the waist up, hurriedly dressing, and then the count in a red robe and looking satisfied, while the countess sleeps alone in her room. Everything else takes place in the same scenario that, despite the rotation of the stage, has little interest.

Conductor Cornelius Meister did not do a good job. Some failures, especially at the beginning and the orchestra was always lukewarm. It didn't even sound like Mozart.

Adam Plachetka was a Figaro vocally erased, with irregular emission and without great vividness on the stage. Hanna-Elisabeth Müller was just well as Susanna, both in singing and performing. Maurizio Muraro was by far the best as Dr. Bartolo, with a powerful and tuned bass voice. Etienne Dupuis made an uninteresting, static Count who was drowned by the orchestra several times. Amanda Woodbury was a Countess with a beautiful and tuned voice. However, on stage she fulfilled without enchantment. MaryAnn McCormick was a banal Marcellina, Marianne Crebassa a great Cherubino, and Maureen McKay a trivial Barbarian.

I expected better from this marriage.

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ROMÉO ET JULIETTE de Hector Berlioz — FCG, 9.05.2013

A Sinfonia dramática Roméo et Juliette, op. 17, H.79 de Hector Berlioz (1803-1869) foi apresentada, pela primeira vez, em Novembro de 1839 em Paris sob direcção do próprio compositor. O libreto de Émile Deschamps é baseado no drama homónimo de William Shakespeare.

Trata-se de um dos mais originais e brilhantes trabalhos do compositor que ficou extasiado após assistir a uma versão teatral de Romeu e Julieta em Paris em 1827. A sua composição foi patrocinada com 20.000 francos por Niccoló Paganini, a quem Berlioz dedicaria a obra. Para grande pesar de Berlioz, Paganini viria a falecer em Nice antes de ler a partitura final daquela que, para o francês, era “se me perguntarem qual a minha obra preferida, a minha resposta será a de que partilho a visão da maioria dos artistas: eu prefiro o Adagio (cena de morte) no Roméo et Juliette”. De facto, este Adagio é de uma extrema beleza e altamente imagético: pode ler-se um guião no diálogo entre o clarinete (Julieta) e os violoncelos (Romeu) na cena da morte. A obra serviu, aliás, de inspiração a Richard Wagner para o seu Tristan und Isolde que assistiu à primeira representação, sendo que o próprio Wagner enviou a Berlioz uma cópia da sua ópera com a inscrição “Para o meu caro e grande autor de Roméo et Juliette, do grato autor de Tristão e Isolda”.

A Orquestra Gulbenkian e Coro Gulbenkian apresentaram-se em muito bom nível e notoriamente bem preparados para a interpretação desta longa e difícil obra, muito bem dirigida pelo maestro titular cessante Lawrence Foster. Berlioz disse “que esta obra é extremamente difícil de executar” e acrescentava que só com longos ensaios e artistas de primeira qualidade e com a dedicação que merece uma ópera se atingiria uma boa récita. Creio, pois, ter-se atingido esse nível.

O mezzo-soprano francês Marianne Crebassa foi Juliette. O seu timbre não é especialmente belo ou escuro, mas a sua potência e capacidade de projecção são assinaláveis, e é bastante expressiva. Teve uma prestação de muito bom nível.

O tenor português Carlos Cardoso foi Roméo. A sua voz tem um timbre bonito, mas faltou-lhe alguma potência para se fazer ouvir sobre a orquestra, revelando algumas dificuldades na projecção. Ainda assim, a sua prestação foi de qualidade.

O papel mais interessante e longo da obra é para Frei Laurêncio que foi interpretado pelo baixo-barítono polaco Daniel Kotlinski. O texto que lhe cabe é extenso e de enorme qualidade com uma mensagem forte e exige uma boa capacidade interpretativa. Kotlinski conseguiu-o muito bem com uma voz bem projectada, apesar de algumas dificuldades menores nos graves, mas com agudos fáceis e que se conseguiam ouvir por cima de uma orquestra e coro de grandes dimensões. A interpretação foi, pois, de muito boa qualidade, tendo sido o solista em destaque da noite.

Assistiu-se, assim e uma vez mais, a um excelente espectáculo na FCG, com uma obra pouco interpretada. Uma vez mais o Coro Gulbenkian mostrou a sua qualidade internacional e a Gulbenkian, com a sala com o fundo aberto para o jardim, exibiu um dos mais belos locais para se ouvir música a nível mundial.