LA CENERENTOLA, Wiener Staatsoper, Novembro / November 2016

(review in English below)

La Cenerentola, de G. Rossini, esteve em cena na Ópera Estatal de Viena em Novembro de 2016, numa produção de Sven-Eric Bechtolf.

A encenação é vistosa e colorida. A acção foi trazida para meados da década passada, para um país imaginário mas próximo da Itália. A bandeira tem as cores italianas mas também uma foice e um escorpião. O início passa-se na casa de Don Magnifico e suas 3 filhas, que mais parece um cabeleireiro da época. Don Ramiro aparece como o motorista do Dandini, um cantor pop. A acção passa depois para um stand de automóveis de luxo da época, com o escritório no primeiro andar, onde está uma fotografia do defunto rei. Tudo decorre entre estes dois cenários e, no final, quando Don Ramiro casa com Angelina, a fotografia de ambos é colocada em substituição da outra. Não sendo uma encenação particularmente cómica, vê-se com agrado.

A direcção musical, sem grande espectacularidade, foi da maestrina  Speranza Scappucci. A Orquestra e Coro da ópera de Viena estiveram ao mais alto nível.

Don Ramiro foi interpretado pelo tenor russo Maxim Mironov. Tem um timbre bonito mas a voz é pequena e, por vezes, foi abafada pela orquestra. O cantor é novo, alto, magro e muito ágil, o que ajudou a sua prestação cénica.

Elena Maximova, mezzo russo, fez uma Angelina de voz muito escura, potente, e sempre bem colocada. Na coloratura poderia ter sido melhor mas ainda assim esteve muito bem, ajudada pela sua figura jovem, ágil e muito elegante.

Don Magnifico foi muito bem interpretado pelo barítono italiano Renato Girolami.

Também outro barítono italiano, Alessio Arduini, esteve em grande forma na interpretação do Dandini. O cantor é jovem, tem uma voz bonita e bem audível e em cena esteve sempre bem.

A melhor interpretação vocal da noite foi, para mim, do baixo italiano Michele Pertusi, como Alidoro. Alia um belo timbre a uma potência e afinação irrepreensíveis, o que tornou todas as suas intervenções excelentes.

Também bem estiveram os sopranos Eri Nakamura como Clorinda  e Catherine Trottmann como Tisbe.

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LA CENERENTOLA, Wiener Staatsoper, November 2016

La Cenerentola by G. Rossini was on stage at the Vienna State Opera in November 2016 in a production by Sven-Eric Bechtolf.

The staging is colorful and pleasant. The action was brought into the middle of the last century, to an imaginary country close to Italy. The flag has the Italian colors but also a scythe and a scorpion. The beginning happens in the house of Don Magnifico and his 3 daughters, that more looks like a hairdresser of the time. Don Ramiro appears as the driver of Dandini, a pop singer. The action then moves to a luxury car booth, with the office on the first floor, where is a photograph of the deceased king. Everything happens between these two scenarios and, at the end, when Don Ramiro marries Angelina, the photograph of both is placed instead of the other. Not being a particularly comic staging, it was pleasant.

The musical direction, without being spectacular, was of Speranza Scappucci. The Vienna Opera Orchestra and Choir were at the highest level.

Don Ramiro was sung by the Russian tenor Maxim Mironov. He has a nice timbre but the voice is small and sometimes it was muffled by the orchestra. The singer is young, tall, slim and very agile, which helped his scenic performance.

Elena Maximova, Russian mezzo, was an Angelina of very dark, powerful, and always well tuned voice. In the coloratura she could have been better but still she was very well, helped by her young, agile and very elegant figure.

Don Magnifico was very well interpreted by the Italian baritone Renato Girolami.

Also another Italian baritone, Alessio Arduini, offered a great interpretation of Dandini. The singer is young, has a beautiful voice and is well audible and on stage was always good.

The best vocal interpretation of the night was, for me, Italian bass Michele Pertusi, as Alidoro. He combines a beautiful tone with impeccable power and tuning, which made all his interventions excellent.

Also well were Sopranos Eri Nakamura as Clorinda and Catherine Trottmann as Tisbe.

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DIE FRAU OHNE SCHATTEN (A MULHER SEM SOMBRA), Bayerische Staatsoper, Munique, Junho 2014/ Munich, June 2014.

(Capa do Programa : Divã do Dr. Sigmund Freud, Museu Freud, Londres)

( English version below)

Autor: De Moura MC, Lisboa

Assisti a Die Frau ohne Schatten na Bayerische Staatsoper, integrada no Festival de Ópera de Munique, 29 de Junho de 2014.

Esta ópera de Richard  Strauss foi escolhida para a reabertura do Teatro Nacional em 1963 depois da sua reconstrução na sequência do bombardeamento de 1943. Regressa em 21 Novembro de  2013, 50 anos da data histórica,  produção do realizador  Krzysztof Warlikowski e apresentação do novo director musical Kirill Petrenko. Ópera em 3 actos, com libreto de Hugo von Hofmannsthal,  foi estreada em Viena, 1919. A versão escolhida por Petrenko é a partitura completa, diferente do hábito corrente de usar versões com cortes.

O enredo situa-se num passado mítico e desenrola-se em três níveis de existência. A filha do Rei dos Espíritos (Keikobad) foi conquistada pelo Imperador; ela não é espírito nem humano. Não tem sombra (o que significa que é infértil). Uma grande ameaça paira sobre ambos: se não se tornar humana, o Imperador transformar-se-á em pedra. A Imperatriz pede ajuda à enfermeira que a acompanha e descem ao mundo dos humanos. Procuram uma mulher infeliz que recusa o marido (Barak, o tintureiro) e pensa vender a sua sombra. A ideia não agrada à Imperatriz que acaba por recusar. Esta recusa torna a Imperatriz humana. O imperador regressa à vida e ela adquire uma sombra. Os dois casais reúnem-se, e ouvem-se as vozes das crianças que esperam nascer num futuro distante.

O elenco de cantores é do melhor que se consegue actualmente. Adrianne Pieczonka (Imperatriz) , excelente soprano canadiana tem uma voz de belo timbre, enorme flexibilidade vocal, e constrói uma emocionante “Kaiserin”. A cena com Keikobad (julgamento ?) no  Acto 3 em que pronuncia as palavras fatídicas “ Ich will nicht “ é de antologia.

 Um caso á parte, a soprano dramática russa Elena Pankratova (Mulher de Barak), que teve uma interpretação superlativa, de incrível domínio vocal e cénico. Grande impacto na expressão de descontentamento e nas cenas de sedução do Acto 2 ,  ternura e desespero na extraordinária ária de arrependimento do  Acto 3. A beleza do canto distingue toda sua prestação.

 Johan Botha (Imperador), heldentenor reconhecido, a voz de timbre bonito é imponente em todos os registos. Certa rigidez cénica que empresta a um personagem que vai petrificar.

 John Lundgren (Barak), barítono sueco, foi notável. O timbre de um cantor de Lied, tem a presença e a simpatia do personagem humano (é a única figura da opera com um nome real). A mezzo americana Deborah Polaski (Enfermeira) é reputada em Strauss e Wagner. A sua voz revela já alguma fragilidade, mas manteve a tessitura adequada. Grande actriz, foi excelente a composição cénica da personagem ambígua, sensacional na loucura do fim. Os outros papeis estiveram muito bem, Sebastian Holecek, poderoso Mensageiro dos Espíritos, Eri Nakamura, bela Voz do Falcão, Okka von der Damerau, serena Voz do Além e Hanna-Elisabeth Müller, seguro  Guardião do Limiar do Templo. A actriz Renate Jett, represnta Keikobad (papel não falado).

 (Photo Wilfried Hösl, Bayerische Staatsoper)

Bayerischen Staatsorchester (BSO), Coro da BSO e Coro Infantil da BSO interpretações brilhantes. Com Strauss no seu ADN, os músicos foram os primeiros heróis da noite, revelando toda a grandeza e requinte musical desta partitura maior e complexa. Sebastian Weigle, maestro alemão, recebeu a orquestra preparada por Petrenko (ausente em Bayreuth para o “Anel” de Wagner) mas teve o mérito da direcção transparente e dinâmica que conferiu coerência ao todo. Revelou elegância e inteligência na condução dos cantores. Foi esmerado nos detalhes, como o monólogo do Imperador no Acto 2, e o solo do primeiro violino no Acto 3.

 A orquestra teve grandes momentos, como a explosão dramática do final cataclísmico do Acto 2 e nos tutti que encerram o conto. 

A régie superior do grande realizador polaco merece nota máxima. Inspirado no filme de Alain Resnais, “L´Année Dernière à Marienbad“(1961), são projectadas várias sequências, desse labirinto surreal de sonhos e memórias, antes de se ouvir o motivo de Keikobad que inicia a opera. A soberba cenografia da grande decoradora Malgorzata Szczesniak modula um espaço poético e onírico, de espectacular beleza plástica. Warlikowski consegue a integração dos cantores no seu conceito de “teatro completo“.

(Photo Wilfried Hösl, Bayerische Staatsoper)

 Vídeos e trabalho de animação notáveis, de Denis Guéguin e Kamil Polak, projectados nas paredes de tijolo branco de um sanatório  (ou hospital ?). Clareza na definição dos espaços: divã da Imperatriz num ambiente confortável face à simples cama e máquina de lavar roupa dos Barak. Um elevador faz a ligação entre os dois mundos: o cunho pessoal de Warlikowski. As sequências alucinantes de vídeos da Floresta e Debaixo de Agua (deflagração de uma guerra?) introduzem a magia inesperada nesta ópera fantástica. Na cena do Imperador no pavilhão dos Falcões no Acto 2 as crianças usando grandes máscaras de Falcão evocam o mundo dos sonhos e do subconsciente que a musica potente de Strauss e o texto de Hofmannstahl sugerem. A menina loira que acompanha a Imperatriz pela mão (a Kaiserin na infância) lembra o mundo onírico em que a Imperatriz parece viver. Keikobad, um velho muito curvado faz aparições regulares, apoiado numa bengala.

(Photo Wilfried Hösl, Bayerische Staatsoper)

Na grande cena final é interessante a dicotomia: ao fundo um muro azul onde se projectam as sombras e o movimento das crianças que esperam nascer, de grande beleza. No proscénio ocorre o brinde de champagne dos pares reencontrados, a acidez da realidade burguesa. Para Warlikowski o trajecto dos casais que se tornaram finalmente humanos é complexo e provavelmente não tem  “happy ending“. Partilho a sua visão. O final que se segue ao reencontro dos dois casais pode ser um grande ponto de interrogação. Na mesa onde está o quatuor jubilatório, três têm uma criança ao colo, a Imperatriz não?

 (Photo Wilfried Hösl, Bayerische Staatsoper)

Warlikoski mantem-se fiel à história original, deixa intacta a grande obra dramática. A qualidade e a seriedade da encenação, a sua concentração no essencial conferem unidade e força dramática a esta grande noite de ópera. Na utopia do Acto 3 o uso superior dos vídeos e a sua beleza poética, criam simplicidade e inteligência inesquecíveis. “Chapeau”!

Die Frau Ohne Schatten”, encenação extraordinária que salienta a complexidade intelectual e a sumptuosidade musical e vocal. Indiscutível triunfo de uma obra única de Strauss e certamente um dos maiores espectáculos do aniversário dos 150 anos.

THE WOMAN WITHOUT A SHADOW, Bayerische Staatsoper, Munich, June 2014.

I saw the performance of the DIE FRAU OHNE SCHATTEN  at the Munich Opera Festival,  29^th June 2014.  This opera from Richard Strauss was chosen for the reopening of the National Theatre in 1963, after his reconstruction after the II World War. Celebrating  50 years of the historic date, a new production by Krzysztof Warlikowski and the presentation of Kirill Petrenko as the brand new musikdirector. Opera in three Acts, to a libretto by Hugo von Hofmannsthal, first performed in Vienna, 1919. Petrenko selected the complete uncut score, against the current trend of using shortened versions.

Set in the mythical past the plot takes place in three levels of existence. The daughter of the King of the Spirits (Keikobad) has been floating in an in-between state since the human Emperor conquered her: She is neither a spirit nor a human. A woman without a shadow – which means a woman who is infertile.  A threat hangs over the Empress and Emperor : If she does not become fully human, he will turn to stone.  The Empress asks help from the nurse that accompanies her to search for a shadow. They descend to the human world, and the nurse takes the Empress to an unhappy woman who refuses her husband's (Barak, the Dyer) advances.  She is prepared to sell her shadow. However, the prospect of the transaction does not make the Empress happy. She declares her wish to belong to the humans. With this renunciation, Keikobad´s spell is broken: the Emperor comes back to life , she herself casts a shadow. The couples reunite and the voices of unborn children  can be heard, a possibility for a distant future

The singers cast is one of the best that could be assembled today. Adrianne Pieczonka (The Empress), excellent Canadian soprano, has a voice with a beautiful timbre, great vocal flexibility and offered us  a very moving Kaiserin. The scene with Keikobad (a judgment ?), Act 3 , in which she pronounces  the terrible words “Ich will nicht“ is truly impressive. But the outstanding performance  was Elena Pankratova (the Dyer’s Wife). 

The Russian dramatic soprano sang with a thrilling radiance,  incredible vocal and scenic qualities. She can shade her voice to express many nuances of the role, and never seemed to have to push very hard. A compelling performer she had great impact on the expression of her naggishness and the seduction  scenes in Act 2, specially riveting in her Act 3 aria of repentance. It was the beauty of her singing that marks an unique performance. 

Johan Botha (The Emperor), a well known heldentenor, beautiful singing , vocally impressive, effortless power. His scenic rigidity seems appropriate as the figure will turn into stone. 

John Lundgren, a Swedish baritone, was a notable Barak. The voice of a Lieder singer, he has the presence and the sympathy of this figure humanity (only character  with a real name). American mezzo Deborah Polaski (The Nurse),  an experienced Straussian and Wagnerian singer, throws everything at her performance. Her dramatic voice is certainly frailer than it was, but she kept her  tessitura adequate. Great actress, she was excellent in portraying this ambiguous personage, sensational in the final madness. The other parts were well taken, notably so Sebastian Holecek as the powerful Spirit Messenger, Eri Nakamura sang the Voice of the Falcon, Okka von der  Damerau delivered a serene Voice from the Above and Hanna-Elisabeth Müller was a secure Guardian of the Threshold. Renate Jett, Austrian actress, represents a mute  Keikobad.

Bayerischen Staatsorchester BSO,  Choir of BSO e Children Choir da BSO were brilliant. Sebastian Weigle took over from Kirill Petrenko (in Bayreuth for the Wagner´s Ring). Weigle led a solid, well-paced and superior performance, and the BSO (on its finest form) responded beautifully. He had his own merit in the transparency and dynamic direction that gave coherence to all the massive ensemble. Weigle´s handling of everything from the magical, intimate textures to the visceral exciting climaxes was masterful.  With elegance and intelligence he gave ideal support to the singers. Especially notable were the Emperor´s monologue and the solo violin of Act 3. Great moments were the dramatic explosion of the cataclysmic final of the Act 2 and the tutti that end the opera.

The superior new staging of the Polish director deserves the highest mark. Inspired in Alain Resnais ´s movie “L´Année Dernière à Marienbad “(1961), several clips were projected “ohne musik”, a surreal labyrinth  of dreams and remembrances,  before the strong Keikobad motif with which Strauss called the audience to attention. The superb scenario of the great decorator Malgorzata Szczesniak modulates a dreamlike and poetic space. 

Visual spectacular and plastic beauty and the integration of the singers into Warlikowski “ total theatre “ concept, which included spell-binding video and animation work- by Denis Guéguin and Kamil Polak – projected onto the white-tiled walls of a sanatorium (or hospital ?) set. Clear definition of the spaces : the Empress´s couch in a comfortable décor face to the simple bed and washing-machines of the dyers’ home. An elevator makes the connection between the two worlds,  with a personal touch of the director.  The Forest and Underwater video sequences brought breath-taking magic to this fantasy opera. 

In the big scene in Act 2 with the Emperor at the “Falkenhaus”, with child actors wearing huge falcon masks, evoked the word of dreams and the unconscious as potently as Strauss´s music and Hofmannsthal’s text do. The blonde little girl that accompanies by the hand the Empress (the Kaiserin in infancy?) recalls the dreamlike world in which the Empress seems to live.

Keikobad, an old man very curved made regular appearances propped up on a walking stick. The final scene is dominated by a large number of children whose playful actions are shown as shadows on the back blue wall, great beauty , on the proscenium the reunited couples toast champagne, the acid reality of the bourgeoisie.

For Warlikowski the journey of the couples that have assumed humanity is complex and mostly probably does not have a happy ending. I agree with his artistic vision. What happens after the final encounter of the beautiful two couples can be a great question mark. In the round table where the jubilatory quatuor feasts, three have a child seated on the lap, but the Empress has not?

Warlikovski  keeps his fidelity to the original plot, and leaves intact the great dramaturgic work. The quality and seriousness of the staging, his focus on the essential, give unity and strength to this great opera evening. In the utopia of Act 3 the superior use of videos and the poetic beauty, create simplicity and intelligence.” Chapeau”! 

Die Frau ohne Schatten , an extraordinary staging that enhances the intellectual complexity and the musical and vocal sumptuosity. Great triumph of Richard Strauss most complex and enigmatic opera, this will certainly be one of the major achievements of the Strauss anniversary year.

Turandot de Giacomo Puccini, Royal Opera House Live Cinema

Em nome dos "Fanáticos da Ópera" o nosso renovado agradecimento a . Lucas Andrade de Florianópolis (https://www.facebook.com/lucasandradesilva) por mais um texto que enriquece este espaço.

Retornando pela décima quinta vez em quase trinta anos, a montagem de Andrei Serbin para a Turandot de Puccini no Royal Opera House é uma das favoritas do público da casa e tem em sua versão 2013-14 um casal principal digno de nota!

A história da fria princesa que busca refúgio de seus pretendentes através de três difíceis enigmas que decidirão o destino do desafiante não foi completada por Puccini, pois faleceu antes de escrever as páginas finais. Alguns consideram-na a última grande peça do repertório operístico mundial e tem como destaques a ambienção oriental tão cara ao compositor, os dificílimos papéis principais e a orquestração rica e colorida.

(Fotografias de Tristan Kenton)

A montagem apresentada coloca o conceito de uma peça dentro de outra, onde os eventos são acompanhados pelo coro/público. Os figurinos coloridos contrastam com as ambientações escuras e se não têm a opulência e riqueza de detalhes das famosas montagens do Met, casam muito bem com a proposta teatral oferecida.

No aspecto vocal, Raymond Aceto foi um Timur envolvido e vocalmente correto. Sendo o baixo titular da casa, nunca foi um de meus favoritos. Não compromete, mas ainda carece de brilho na maioria dos papéis. Nesta produção, entretanto, foi acima de seu próprio padrão, o timbre caiu bem ao personagem e sua presença como ator foi bem sentida.

Eri Nakamura, soprano japonesa, foi uma Liu delicada e de grande qualidade vocal. Felizmente, não foi a estrela da noite como usualmente acontece em tantas Turandots.

A estrela foi, como deveria sempre ser, a princesa Turandot. A soprano americana Lisa Lindstrom, cantando o papel pela exata centésima vez na noite de transmissão do evento, conquistou o público no primeiro instante em que abriu a boca. Potente, determinada, com a frieza que a personagem exige, foi precisa em todas as notas e venceu a orquestra em todos os fortíssimos exigidos. Provou ser a dona deste papel na atualidade.

Seu parceiro, Calaf, foi interpretado pelo italiano Marco Berti. Dono de uma voz muito potente e agudos muito naturais, chegou a lembrar Pavarotti nestes quesitos, além do timbre. Nas notas graves perdeu brilho algumas vezes, e cenicamente foi completamente estático! Contudo, sempre somos tolerantes com este papel que tanto exige do tenor. Queremos um Calaf que nos impressione vocalmente e isto Berti conseguiu com extrema facilidade. Não se ouve um duelo na cena dos enigmas com tanta segurança entre os protagonistas hoje em dia!

Ping, Pang e Pong estiveram bem integrados em suas coreografias e partes vocais. Poderiam ter sido até um pouco mais soltos no palco, já que são o escape emocional da obra. Foram simpáticos, sem dúvida, entretanto gostaria de uma pitada a mais de humor que sempre cai bem em meio ao clima sombrio da ópera.

A orquestra do Royal Opera House foi espetacular sob a regência do húngaro Henrik Nanasi. Alguns tempos um pouco lentos no primeiro ato tiraram parte da selvageria da orquestração, mas o jovem maestro soube explorar a riqueza dos timbres, ritmos e dissonâncias da partitura mais rica de Puccini. É um nome a se acompanhar.

I CAPULETI E I MONTECCHI – Bayerische Staatsoper, Munique, Abril de 2011

(review in English below) 

 I Capuleti e i Montecchi é uma ópera de Vicenzo Bellini com libreto de Felice Romani. A história baseia-se no amor trágico de Romeu e Julieta.

 O resumo da história pode ler-se aqui.

 Vicent Boussard foi o encenador. A Munique também já chegou a moda de as personagens serem vestidas por costureiros famosos, no presente caso Christian Lacriox.. As senhoras estavam, de facto, com fatos vistosos. Julieta tinha um exuberante vestido claro creme e azul e, apesar de ter andado sempre descalça durante todo o espectáculo, estavam-lhe destinados uns sapatos verdes, que nunca calçou. As mulheres do coro tinham vestidos compridos muito coloridos, tropeçavam frequentemente neles pois o cenário tinha nessas partes uma grande escadaria. Pareciam prostitutas vitorianas, mas enfim…

 A encenação, embora com notável impacto visual, foi bizarra. Na primeira cena há múltiplas celas de cavalos penduradas no tecto e os homens cantam vestidos de fato e cartola. Não há mais nada no palco. A primeira aparição de Julieta é no quarto e tem como únicos adereços uma pequena estátua suspensa no cimo e um lavatório. Ela empoleira-se nesse lavatório e aí, em equilíbrio precário, passa grande parte da cena, cantando nessa posição a belíssima ária Oh! Quante volte. Aparece Romeu e, sempre que ambos estão presentes, ao longo da ópera, Julieta parece evitá-lo a todo o custo. As restantes cenas passam-se com o palco envolvido numa moldura gigante, num efeito muito semelhante ao que vi aqui 

 A cena final, no túmulo, também é bizarra. Romeu entra e encontra Julieta “morta”, deitada no chão com o vestido de sempre. Em dado momento, ainda antes do acordar, Romeu puxa-a por um braço e ela fica em pé, imóvel, como que petrificada. Ao puxá-la o Romeu deu uma valente queda para trás, mas foi um pequeno acidente hilariante da noite. Depois de se envenenarem ambos e morrerem, avançam a passo lento para a boca de cena e cai o pano.

Foi, de facto, uma encenação diferente, mas vistosa.

(algumas fotografias são da Bayerische Staatsoper)

 O maestro Yves Abel dirigiu de forma assinalável e a Orquestra da Bayerische Staatsoper correspondeu com elevada qualidade. Foram notáveis os solos de harpa, violoncelo, flauta e oboé que tanto enriquecem a beleza melódica da partitura. No final, durante os agradecimentos, Yves Abel teve a delicadeza de fazer levantar cada um destes instrumentistas, o que lhe ficou muito bem.

 Romeu foi interpretado pelo jovem mezzo-soprano irlandês Tara Erraught, que substituiu Vesselina Kasarova, doente. Não conhecia esta cantora e deixou-me uma boa impressão. A voz é firme e bem audível. No registo mais grave é segura e muito agradável mas nos agudos perde um pouco a qualidade melódica. Evita gritar, apesar de cantar em esforço. Cenicamente não impressionou, mas o papel também não ajuda (apesar de tudo é uma mulher) e a encenação ainda menos.

 Julieta foi cantada pelo soprano japonês Eri Nakamura. Esta foi a grande surpresa da noite. Já a havia ouvido aqui, onde não me impressionou.

 Desta vez foi bem diferente. Teve uma interpretação fabulosa. A voz é de uma potência impressionante e de uma beleza ímpar. Mantém a qualidade em todos os registos, nomeadamente quando sobe para as notas mais agudas. O legato é também de grande qualidade e, nos duetos com Romeu, foi melhor, embora as duas vozes se conjugassem bem. Em cena foi quase uma artista de circo pois teve que cantar em posições de equilíbrio pouco estável por diversas vezes, quer em pé no lavatório do quarto no 1º acto, quer em cima da moldura no 2º acto. Ao que os encenadores obrigam os cantores!

 Lembro-me que, há cerca de 2 anos, me desloquei a Londres para ver I Capuleti e i Montecchi com Anna Netrebko e Elina Garanca. Na récita anterior à que assisti a Netrebko havia cancelado (tinha sido mãe há poucos meses) e fora substituída por Eri Nakamura, na altura estudante do programa Jette Parker para jovens artistas da Royal Opera House. Suspirei de alívio quando o espectáculo começou e tive a certeza que era a Netrebko que ia cantar. Essa foi uma récita daquelas que nunca esquecerei, mas hoje verifiquei que a Nakamura também está à altura do papel.

Tebaldo foi interpretado pelo tenor americano Dimitri Pittas Foi o elo mais fraco da noite. Apesar de ter cantado de forma decente, a voz perdia qualidade e potência quando cantava notas mais agudas e era notório o esforço do cantor para as manter audíveis.

 O baixo americano Steven Humes teve também uma boa prestação tanto cénica como vocal. Ofereceu-nos uma voz redonda, forte, expressiva e muito agradável.

 Como já referi neste blogue, sou um grande apreciador de belcanto e Bellini é, neste campo, o compositor que mais aprecio. Foi, por isso, com muita satisfação que voltei a ouvir esta ópera, apesar de encenada de uma forma totalmente inesperada.

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I Capuleti ei Montecchi - Bayerische Staatsoper, Munich, April 2011

I Capuleti e i Montecchi is an opera by Vincenzo Bellini with libretto by Felice Romani. The story is based on the tragic love of Romeo and Juliet.

The summary of the story can be read here

Vincent Boussard was the director. The “fashion” of the singers to be dressed by famous fashion designers has also arrived to Munich. In this case, the designer was Christian Lacriox.  The ladies were, in fact, with flashy dresses. Juliet had an exuberant light cream and blue dress and, despite having always walked barefoot throughout the performance, there were there green shoes for her, although she never put them on. Women's choir dresses were very colourful, the choir singers often stumbled on them because the scenery in these parts had a big staircase. They looked like Victorian prostitutes, but anyway ...

The staging, though with remarkable visual impact, was bizarre. In the first scene there are multiple cells of horses hanging from the ceiling and the men sing dressed in suit and tall hat. There's nothing else on stage. The first appearance of Juliet is in her bedroom and on the stage there are only a small statue ornament suspended from the top and a sink. She perches on the sink and there, in precarious balance, spends much of the scene, singing the beautiful aria Oh! Quante volte. in that position. Romeo appears and whenever both are present, throughout the opera, Juliet seems to avoid him at all costs. Most of the remaining scenes are with the stage surrounded by a giant frame, an effect very similar to that seen recently here. 

The final scene in the tomb is also bizarre. Romeo enters and finds Juliet "dead," lying on the floor. At one point, before she wakes up, Romeo pulls her by the arm and she stands, motionless, as if petrified. To pull her, Romeo gave a mighty fall backwards, but this was a minor hilarious accident of the night. After both have poisoned themselves and die, they walk at a slow pace for the proscenium arch and the curtain falls.
It was indeed a different staging.

Conductor Yves Abel was remarkable and the Orchestra of the Bayerische Staatsoper corresponded with high quality. Harp, cello, flute and oboe solos were noticeable, enriching the melodic beauty of the score. In the end, during curtain calls, Yves Abel had the courtesy to make stand up each of these instrument soloists, which was nice to see.

Romeo was played by the young Irish mezzo-soprano Tara Erraught, who replaced Vesselina Kasarova. I did not know this singer before and she left me a good impression. The voice is firm and very audible. In the low register it is firm and very nice but it looses melodic quality in the high register. She avoids shouting, despite singing in effort. Artistically she was unimpressive, but the character does not help (after all she is a woman) and the staging even less.

Juliet was sung by Japanese soprano Eri Nakamura. She was the big surprise of the night. I had already heard her here, and she did not impress me. This time was different. She had a fabulous interpretation. The voice is of impressive power and beauty. She maintains quality in all registers, especially when she sings top notes. The legato is also of great quality and, in duets with Romeo, she was better, though the two voices were in perfect harmony.

On stage she was almost a circus performer because she had to sing in unstable equilibrium positions several times, either standing on the sink of her bedroom in the first act, either on top of the frame in Act 2.

About two years ago, I went to London to see I Capuleti ei Montecchi with Anna Netrebko and Elina Garanca  In the performance prior to that I had attended Netrebko canceled (she had been mother a few months before) and had been replaced by Eri Nakamura, at the time a student of the Jette Parker Young Artists program of the Royal Opera House. I was relieved when the performance began and I confirmed I was going to have Netrebko on stage. This was one of those performances I will never forget, but today I consider that Nakamura is also a good interpreter of the role.

Tebaldo was played by American tenor Dimitri Pittas. He was the weakest of the night. Despite having sung in a decent manner, the voice lost quality and power when he sang high notes and the singer's effort to keep them audible was notorious.

American bass Steven Humes also had a good performance both artistic and vocal. He offered us a round strong, expressive and very nice voice.

As I mentioned in this blog, I'm a big fan of belcanto and Bellini is the composer who I most appreciate. It was therefore with great satisfaction that I had the chance to see this opera again, though staged in totally unexpected manner.

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UM REQUIEM ALEMÃO / EIN DEUTSCHES REQUIEM, Frauenkirche, Munique, Abril de 2011

(review in English below)

Tive a sorte de estar em Munique no dia em que foi realizado um concerto de solidariedade para com o povo japonês, na sequência do devastador terramoto (e tsunami) de há poucas semanas.

Foi fácil obter o bilhete pela Internet, através do site da Bayerische Staatsoper, responsável pela organização, apesar de os lugares terem esgotado muito rapidamente.

O local do concerto foi a belíssima Catedral da Nossa Senhora, Frauenkirche.

A Orquestra e Coro da Bayerische Staatsoper, os coros da Catedral e juvenil de Windsbacher e os solistas Michael Volle (barítono) e Soile Isokoski (soprano) interpretaram o Requiem Alemão de Johannes Brahms, sob a direcção do maestro Kent Nagano.

Logo no início, o Arcebispo e o Governador do estado da Baviera disseram umas brevíssimas palavras sobre a solenidade do momento (cinco minutos os dois) e o soprano japonês Eri Nakamura interpretou duas canções infantis japonesas.

Assistir a este Requiem foi um acontecimento que jamais esquecerei. Já há muito que conheço e aprecio a beleza da peça mas ouvi-la assim cantada (coros e solistas superlativos) com a sonoridade só conseguida numa catedral como esta foi uma experiência arrepiante que, durante aquela breve hora, nos transportou para uma dimensão etérea. Não há palavras para o descrever.

Mais uma vez, o civismo do povo alemão foi notável. Os bancos corridos da catedral estavam numerados no topo (para os portadores de bilhete “sentado”) e, mesmo quando havia muito espaço vazio e largas dezenas de pessoas em pé (os com bilhete “em pé” que eram a maioria), ninguém se sentou indevidamente.

No final do concerto houve um período de silêncio absoluto de cerca de cinco minutos. Depois, todos saíram tranquilamente, sem um aplauso sequer, mas várias pessoas ainda com lágrimas nos olhos.

Confesso que tenho grande admiração pela Alemanha e, neste dia, ter-me-ia sentido muito orgulhoso se fosse alemão. Quão pequeninos e humildes somos na grandiosidade espiritual e humana de um momento sublime como este!




EIN DEUTSCHES REQUIEM, Frauenkirche, Munich, April 2011

I was lucky to be in Munich on the day that a concert for the people of Japan was performed, following the devastating earthquake (and tsunami) a few weeks before.

It was easy to get a ticket on the Internet, through the website of the Bayerische Staatsoper that organized the concert, although the seats were sold out (free of charge) very quickly.

The venue was the beautiful Cathedral of Our Lady, the Frauenkirche.

The Orchestra and Chorus of the Bayerische Staatsoper the choir of the Cathedral and the children’s choir Windsbach and soloists Michael Volle (baritone) and Soile Isokoski (soprano) interpreted the German Requiem (Ein Deutsches Requiem) directed by Kent Nagano.

Before the concert, the archbishop and the governor of Bavaria said some few words about the solemnity of the moment (five minutes both) and Eri Nakamura, Japanese soprano, sang two Japanese children's songs.

This concert was an experience I will never forget. I know and appreciate the beauty of the musical piece from long ago, but the chance to hear it in a cathedral, with the sonority that can be heard only in this setting, played and sung as it was (orchestra, choirs and soloists were excellent) was a unique experience that, during that brief hour, transported us to an ethereal dimension. There are no words to describe it.

Again, the behaviour of the German people was remarkable. The benches of the cathedral were numbered (some people had numbered tickets) and even when there were several sitting places available and many dozens of people standing (those without numbered tickets), no one sat down without the correct ticket.

At the end of the concert there was a period of absolute silence for about five minutes. After that, everyone left quietly, without any applause, but many people were still in tears.

I confess that I admire Germany. This day, I would have felt very proud to be German. How small and humble we are, towards the sublime spiritual greatness of a moment like this!