XVII FESTIVAL DE ÓPERA DO THEATRO DA PAZ ATINGE A EXCELÊNCIA COM A ÓPERA "UM BAILE DE MÁSCARAS"

Cena da ópera Um Baile de Máscaras, Theatro da Paz, Belém

Crítica de Ali Hassan Ayache no Blog de Ópera & Ballet

   O Festival de Ópera do Theatro da Paz de Belém do Pará chega a sua décima sétima edição, uma raridade no mundo da ópera nacional. Atravessou diversos governos e se mantém de pé, sempre com uma programação equilibrada e interessante. Esperamos que os novos gestores a serem eleitos no Estado mantenham o festival, já que o mesmo criou um público cativo, formou plateias ao longo dos anos e incentivou o turismo. 

   

   Nesses dezessete anos as mais variadas óperas foram apresentadas, quem teve a oportunidade acompanhar o festival viu um panorama completo da história de ópera com diversos períodos contemplados. Esse ano um título exótico como "A Vida Breve" de Manuel de Falla e o clássico "Un Ballo in Maschera" ou "Um Baile de Máscaras" para os brasileiros. 

   

   A grande sacada da direção do festival é não inventar moda, não seguir as tendências do minimalismo, das transposições de época e dos conceitos abstratos. Em teatros com temporadas de mais de 20 ou 30 títulos isso pode ser feito em um ou dois. Em um festival curto seria um desastre eminente. 

   

   "Um Baile de Máscaras" apresentado no último dia 08 de Setembro entregou uma montagem clássica, bonita e correta. A direção de Mauro Wrona deixa o libreto fácil para os menos entendidos. Conta a ação de forma clara com movimentação correta dos solistas e demais participantes. A cena final é um primor de qualidade. 

   

   Os cenários de Duda Aruk são simples e funcionais, transmitem a temporalidade da época e se encaixam com as ideais da direção. Os figurinos assinados por Helio Alvarez seguem a mesma linha. A luz de Rubens Almeida é um destaque pela qualidade: foca na dinâmica, dá sentido ao enredo, dialoga com as cenas e enriquece o conjunto da obra.

 Rodolfo Giugliani em cena, barítono pensativo

   

   A escolha dos solistas foi um acerto na mosca, uma seleção de agraciados como os melhores por este Blog. É a milésima prova que temos excelentes cantores no Brasil. A começar pela paraense Adriane Queiroz, soprano de carreira consolidada no Brasil e na Europa, consegue com a personagem Amelia voz de técnica exuberante, agudos ricos e brilhantes unidos a uma atuação cênica apaixonada. 

   

   Rodolfo Giuliani, Melhor Cantor Solista de 2016 tem um vozeirão de barítono, não aquela voz pequena e aguda que mais lembra um tenor em moda nos barítonos atuais e sim uma voz portentosa, forte, máscula e grande. Voz que chega chegando e enche o teatro com graves explosivos. Seu Renato é pura fidelidade e raiva ao Conde. Fernando Portari deu vida a Riccardo, o Conde e governador de Boston. Entregou voz de timbre lírico, onde os médios se sobressaem sobre os agudos. Atuação cênica brilhante, demonstra uma ingenuidade ao não acreditar nos conspiradores que querem sua cabeça. 

   Ulrica, a eterna bruxa e vidente é uma armadilha para mezzos soprano. A distância entre uma grande atuação cênica e o ridículo atroz é pequena. Denise de Freitas não cai do piegas, faz uma bruxa assustadora na medida certa. Agraciada como Destaque Lírico Feminino de 2011 por este Blog mais uma vez atuou e cantou de maneira brilhante. Imprimiu mistério na voz colocando graves profundos que enchem a sala. 

Fernando Portari e Adriane Queiroz fazem o casal apaixonado

   

   Kézia Andrade, o que falar dessa jovem soprano paraense, já foi agraciada como Revelação Lírica Feminina de 2017 pela personagem Donna Elvira da ópera "Don Giovanni" de Mozart. Como Oscar, o pajem de Ricardo esbanjou talento vocal e cênico. O timbre da voz é lírico, leve e realçado com pureza cristalina. Apesar da juventude mostra segurança de uma veterana com atuação cênica e vocal de grande estilo. Um alerta aos teatros brasileiros, contratem o soprano antes que alguém do estrangeiro a descubra. Daqui a alguns anos os colegas da revista Concerto vão indicá-la a algum de seus prêmios, como sempre atrasados. Andrey Mira é baixo que começa a se destacar, voz com volume sólido pronta para enfrentar trabalhos maiores. 

Kézia Andrade, esbanjando talento no palco do Theatro da Paz

   

    A Orquestra Sinfônica do Theatro da Paz vem amadurecendo a cada ano, o regente Miguel Campos Neto extraiu dela sonoridade operística de qualidade portentosa. Linear e homogenia nos naipes teve o regente sempre marcando as entradas dos solistas e coro. As cordas expressavam emoções com energia e as madeiras sempre precisas deram o tom da alta qualidade. A harpa, um dos mais antigos instrumentos de corda dedilhada, foi um destaque á parte. Diana Todorova tirou notas que viajam com delicadeza, harmonia e romantismo.

   

   O Coro Lírico do Festival de Ópera do Theatro da Paz regido pelo sempre competente Vanildo Monteiro segue em alto padrão de qualidade vocal. Lembrando que não é um coro estável, os membros participam apenas do festival e geralmente tem outras profissões.  

   

   "Um Baile de Máscaras" foi apresentado no Theatro Municipal do Rio de Janeiro nos princípios do ano corrente. A opção de uma montagem de concepção moderna, importada, cara e recheada de projeções se mostrou desastrosa para a crítica e público. O custo dela exauriu os cofres do teatro, depois disso só se apresenta concertos por lá. Seria mais lógico e econômico que a produção do Theatro da Paz fosse apresentada depois no Rio de Janeiro. Isso já aconteceu com a ópera "Don Giovanni" apresentada em Belém e depois no Theatro São Pedro/SP. Afirmo aqui que a montagem do Theatro da Paz é infinitamente superior a carioca. Por que não economizar?

Ali Hassan Ayache viajou a Belém do Pará a convite da produção do XVII Festival de Ópera do Theatro da Paz. 

A INGÊNUA E DESESPERADA MADAMA BUTTERFLY NO TEATRO MUNICIPAL DO RIO DE JANEIRO

CRÍTICA DE ALI HASSAN AYACHE NO BLOG DE ÓPERA E BALLET

O suntuoso Theatro Municipal do Rio de Janeiro impressiona pela grandiosidade, conhecê-lo é viajar no tempo onde desfilavam senhoras mais preocupadas em se exibir e cavaleiros mostrando orgulho e grandeza do capital conquistado. O tempo passa e a sociedade muda com ele, hoje qualquer cidadão pode ter acesso a suas frisas. Parte do público ainda vai para mostrar as roupas de grife e bolsas compradas na Europa, embora a maioria esteja lá para apreciar o evento.

   

O título escolhido pela direção para fechar o ano é Madama Butterfly de Puccini, o Teatro Municipal do Rio de Janeiro usa uma produção de acervo, apresentada em anos anteriores inclusive em São Paulo. Nunca entendi por que poucos teatros no Brasil fazem isso. 

(fotografia de Scheila Guimarães)

Carla Camurati assina a direção cênica, consegue dinâmica a um enredo caracterizado pela lentidão em um libreto não muito inspirado de Luigi Illica e Giuseppe Giacosa. Não cai na armadilha e no modismo da transposição temporal e mantém a personagem no Japão imperial. Sua versão é quase sempre limpa com ação rápida e acertos cênicos. A projeção no intermezzo mostra-se correta e unida com o desenho de luz de Carina Stassen e cenários de Renato Theobaldo deixa tudo harmônico. Os figurinos caminham lado a lado com os cenários embora pequem em alguns detalhes, essa é a primeira Butterfly que usa chinelo de dedo.

A regência de Issac Karabtghevsky esteve em bom nível para uma ópera, sonoridade coerente e volume correto foram a constante do espetáculo. Tirou dramaticidade e lirismo  em momentos onde era necessário da Orquestra Sinfônica do Teatro Municipal do Rio de Janeiro. 

(fotografia de Sheila Guimarães)

Dizem que Puccini não gostava de japonesas para cantar sua ópera, ele tinha suas razões e eu concordo com ele. O soprano Hiromi Omura mostrou um timbre cristalino e uma técnica correta cantando a protagonista. Pecou na dicção, no fraseado e no sotaque. Sua voz esteve afinada mostrando diversas nuances e cores. Constante do início ao fim, faltando a leveza no início para uma personagem de 15 anos. Cenicamente manteve um bom nível de atuação, ingênua no início e desesperada no terceiro ato. 

   

O tenor Fernando Portari apresentou a qualidade de sempre, timbre agradável e potente com agudos de sobra em uma interpretação cênica convincente. Denise de Freitas cantou uma Suzuki com correção e excelência vocal. Quem não esteve a altura da turma foi Rodolfo Giugliani, frio e apático em diversas passagens. 

   

(fotografia de Sheila Guimarães)

Os cariocas lotaram seu teatro, pena que a temporada não tenha sido das mais expressivas. Poucos títulos apresentados é a principal reclamação dos colegas do Rio de Janeiro. Interesse em ópera existe, basta apresentar mais que o público comparece, tanto é que o teatro esteve lotado na estreia do dia 30 e a palestra Falando de Ópera apresentada no deslumbrante Salão Assyrio por Silvio Viegas teve grande presença.

(fotografia de Sheila Guimarães)

Ali Hassan Ayache

O Ouro do Reno / Das Rheingold - Theatro Municipal de São Paulo

PÃO COM MORTADELA NO THEATRO MUNICIPAL DE SÃO PAULO. ÓPERA "O OURO DO RENO" DE RICHARD WAGNER. CRÍTICA DE ALI HASSAN AYACHE NO BLOG DE ÓPERA E BALLET.

Depois de umas trezentas polêmicas no Theatro Municipal de São Paulo tivemos a apresentação, em forma de concerto, da ópera O Ouro de Reno de Richard Wagner. A ideia de produzir O Anel do Nibelungo brasileiro começou estranha e uma bagunça completa. A administração anterior optou por começar pela segunda parte da tetralogia (A Valquíria) e depois pulou para a última parte (O Crepúsculo dos Deuses). A atual administração anunciou fazer a primeira parte (O Ouro do Reno) e se "esqueceu" de programar para o ano de 2014 a última parte restante (Siegfried).

Polêmicas a parte (a atual direção parece adorar uma) tivemos no dia 09 de Novembro O Ouro do Reno em forma de concerto. A Orquestra Sinfônica Municipal de São Paulo regida pelo competente e um dos maiores entendidos das óperas de Richard Wagner no Brasil Luiz Fernando Malheiro conseguiu sonoridade razoável. Diversas passagens soaram sem conexão entre os naipes, de modo geral esses pequenos erros foram superados pelas belas harmonias da música wagneriana. Os metais se mostraram o ponto fraco do elo orquestral, seus volumes elevados destoaram das características da música wagneriana.

Os solistas tentaram dar dinâmica a uma ópera feita em concerto, fizeram de tudo para atuar e mostrar os desejos e o caráter de seus personagens. Suas vozes foram beneficiadas por estarem na ponta do palco, isso facilita a projeção. Quase todos estiveram a contento com bom nível vocal: Denise de Freitas (Fricka) mais uma vez desfilou seu talento cênico e vocal, Gabriella Pace (Freia) apresentou agudos brilhantes e um timbre homogêneo que impressiona pela beleza. Destaco a bela voz de Angela Diel (Erda), técnica segura e um timbre quente nos graves fizeram ela mostrar seu talento ao público paulistano e a sempre competente Laura Aimbiré.

Gabriella Pace, foto Internet.

Michel Kupfer trouxe um Wotam com voz possante e graves majestosos. O Donner de Fabrizio Claussen foi mais um que mostrou segurança na voz. O grande destaque fica com o tenor Stefan Margita, como Loge o rapaz arrebentou na interpretação e na voz. Agudos possantes com uma técnica vocal rara fez esse personagem se tornar no mínimo inesquecível. Sávio Sperandio colocou credibilidade nos graves do gigante Fafner, uma voz marcante que impressiona pelo tamanho e volume.

Anunciar ópera com cenários e figurinos e fazê-la em forma de concerto é o mesmo que prometer um belo salmão defumado e oferecer pão com mortadela dormido. Quem não conhece a fundo a tetralogia composta por Richard Wagner fica perdido e só tem o programa (esse de ótima qualidade) para se virar. Pena que não teremos a continuação (Siegfried), nem em forma de concerto e muito menos encenada. O sonho do Anel do Nibelungo brasileiro completo ficará para tempos futuros.

Em uma rede social o Diretor artístico do Teatro Municipal nos informa:" Lançaremos no dia 23 de Novembro as assinaturas para a temporada 2014. Seis títulos na temporada oficial, grandes elencos, brasileiros e estrangeiros, grandes encenadores, igualmente daqui e de fora, interpretes de qualidade à frente de nossa OSM". O Diretor do Teatro ao anunciar a temporada de 2014, com toda a pompa e circunstância, em Julho desse ano relatou a presença de nove títulos, por agora viraram seis? Um passarinho me contou que Cosi fan Tutte de Mozart é uma das canceladas.

A VALQUÍRIA /Die Walküre, Theatro Municipal do Rio de Janeiro, Julho 2013

Luis Fernando Neumann, de Niteroi, teve a gentileza de nos enviar há poucos dias uma apreciação da Valquíria do Theatro Municipal do Rio de Janeiro. Muito obrigado pelo texto que, agora, fica acessível a todos os leitores deste espaço. Aqui o publicamos na íntegra:

 Todas imagens obtidas na página do facebook do Theatro Municipal do Rio de Janeiro

Estive na Valquíria do Theatro Municipal do Rio de Janeiro no último 17 de julho. Casa cheia mas não lotada em contradição com a faixa “lotação esgotada” pregada no cartaz à frente do Municipal... Ao que parece, os cambistas também gostam de ópera!

Essa foi minha segunda Valquíria, mesma montagem mas músicos e orquestra diferentes da primeira, A Valquíria do Municipal de São Paulo, dois anos atrás.

As impressões de agora, são mais críticas e menos moldadas pela emoção do primeiro Wagner ao vivo.

De antemão, posso dizer que gosto dessa proposta desse “Anel Brasileiro” entretanto parece faltar um fio condutor que realmente una Valquíria e Crepúsculo dos Deuses. A conferir no próximo Ouro do Reno.

Assisti essa etapa do Anel no anel superior do Municipal com visão simultânea do palco e do fosso da orquestra. Entendi a razão de Wagner “esconder” a orquestra em Bayreuth. As luzes que iluminam os estandes das partituras dos músicos são como cantos de sereia e atraem o olhar e competem com o palco. Ponto ruim. Existe, claro, outro lado. É sempre gratificante acompanhar determinada passagem orquestral olhando para a orquestra, ver que o tema está nos cellos e contrabaixos...

A abertura da peça continua impactante. As oscilações dos cellos e baixos são acompanhadas por chamas oscilantes daqueles que caçam Siegmund.

Siegmund entra com a cara pintada como um palhaço de circo, uma sugestão,  demasiadamente direta talvez, dele ser um joguete dos deuses. Com a evolução do ato e o crescimento do seu personagem, a maquiagem é removida aos poucos. Entretanto, tal recurso cênico contaminou o cantante. Em momento algum, por expressão facial e/ou gestual corporal, Zvetan Michailov transformou-se no herói. Permaneceu um palhaço ou ainda um caixeiro viajante (roupa e barriguinha...) que bateu na casa errada nesse ato, foi escorraçado e quase mija nas calças no segundo ato. Um contraste imenso com a imensa presença cênica de Sávio Sperandio que vocal, gestual e facialmente foi um esplêndido Hunding. Eiko Senda proporcionou uma muito satisfatória Sieglinde. O gestual e voz transmitiram perfeitamente as oscilações de humor da personagem.

O primeiro ato é o menos brasileiro desse “Anel Brasileiro”. Digo isso por ignorância, desconhecimento de algum elemento cultural brasileiro que se compare com a simbologia nórdica que está no palco. No centro do palco está Yggdrasil (quase YggBrasil...) a árvore (ou o freixo ou ainda o teixo) do mundo. Aqui, parece ter havido uma correção em relação à encenação do Municipal de São Paulo, onde a ação do primeiro ato se passava em frente às raízes de Yggdrasil. Suas raízes (o reino dos Nibelungos) e topo (Asgard e/ou Valhall, reino dos deuses) não pouco visíveis, uma mera sugestão. Vê-se apenas o centro da árvore (Midgard, lugar dos homens, nosso lugar). Em algum lugar desse tronco central, está cravada uma espada, infelizmente pouco visível mesmo quando o drama exige que a espada passe a ser o ponto focal da ação. À esquerda, o elemento brasileiro, uma mesa com tampo de vidro, como a que tenho em minha casa...

Na imagem, Sávio Sperandio e Zvetan Michailov.

Na imagem, Eiko Senda e Zvetan Michailov.

 

 O segundo ato sim, é inspiradoramente brasileiro. Uma sala de ex-votos onde são depositados os pagamentos das promessas feitas a Nossa Senhora, ao menino Jesus ou a algum santo. Retratos, braço, pernas e rosto de plásticos espalhados. Começa com Wotan e 8 das suas filhas unidas por laços de fita. Entretanto, ao invés de enrolar as fitas no mastro (ou em Wotan) são as Valquírias que se enrolam nas fitas, em um agradável e muito funcional alegoria do comando que Wotan tem sobre suas filhas menos Brünnhilde, o que pode ser signo da sua relativa independência. Wotan aqui está caracterizado como o próprio Wagner, uma homenagem ou cópia do Wotan de Chéreau. Lício Bruno caracterizou muito bem Wotan. Aliás, é chover no molhado elogiar a presença cênica de Lício Bruno. Os dois momentos centrais da Tetralogia foram bem resolvidos. Quando Denise de Freitas entrou como Fricka, eu pensei: Lá vem Dona Hermínia (e isso é outra história, talvez o Anel de Niterói...). Ela entra armada para brigar e dobrar Wotan. O faz com galhardia. Wotan é desmascarado. Segue o seu grande monólogo e, para mim, razão que levou cenicamente à sala dos ex-votos.

Na imagem Eliane Coelho e Licio Bruno

 No seu lamento a Brünnhilde (Eliane Coelho), Wotan conta como tentou moldar seu herói e representação cênica deixa bem claro como falhou. Ele pega pernas e braços e uma cabeça pendurados e os coloca no chão. São disformes. O deus não tem o poder, e não pode moldar um herói que não fique contaminado pelo deus. Surge outro elemento cênico que pode ter sido inspirado pelo Anel de Chéreau. Lá a mortalha que envolve Siegmund, aqui um véu branco que passa de Sieglinde para Brünnhilde. O véu envolve (cega? protege?) Sieglinde no seu desesperado lamento antes da morte de Siegmund. O ato termina dramaticamente bem. Hunding morre enforcado pelo laço de Wotan, ou outro que foi enredado pelos planos dentro de planos do deus. O Geh’ hin, knecht – vai escravo funcionou muito bem.

O terceiro ato começa como uma cavalgada, uma folia de reis, ecos do nosso passado ibérico, mouros e cristãos. A mais brasileira da cavalgada das valquírias. Belas valquírias, belas vozes, talvez faltasse um pouco de força para a orquestra, metais principalmente. As valquírias sobraram. Verushka Mainhard, Daniela Carvalho, Magda Belotti, Carolina Faria, Maira Lautert, Flávia Fernandes, Marina Considera e Daniela Mesquita, belas vozes, bela presença de palco, bela presença feminina. Eu esperava mais do Leb wohl du kühnes herrliches Kind. A orquestra abafou Licio Bruno que já mostrava cansaço. E, certamente, excesso de expectativa, culpa das facilidades atuais de you tube (George London) e/ou DVD, Donald McIntyre... Entretanto, no anúncio do herói mais livre que o deus, o papel se inverteu. Licio Bruno soberbo na passagem e falta de pegada heroica da orquestra no tema de Siegfried.

Quanto à orquestra do municipal, conduzida por Luiz Fernando Malheiros foi bem. Eu não tenho ouvido e tampouco experiência para julgar criteriosamente mas até o final do segundo ato, eu julgava ter ouvido uma ou outra escorregada da orquestra. No intervalo, uma senhora ao meu lado que, de tempos em tempos, regia a orquestra em algumas passagens, falou-me, desalentada, dos metais: “falta ensaio, falta ensaio... Ah esses metais, desafinaram”. De minha parte, sem ter como criticar de ouvido, critico de sentimento. Faltou pegada heroica em alguns momentos.

Todas as vozes femininas surraram as vozes masculinas, impiedosamente. Suas vozes encheram o Municipal, não foram abafadas pela orquestra e transmitiram corretamente as indicações mentais dos personagens.

Das vozes masculinas, salvou-se Sávio Sperandio, soberbo como Hunding. Impostação, volume e adequação ao momento que o papel exigia. Corretíssimo.

Lício Bruno, mesmo baixinho para Wotan (com o perdão da linha do politicamente correto) compensou cenicamente a inadequação da sua voz (volume, timbre) para o papel de Wotan.

Já o tenor... Ah, o tenor Zvetan Michailov . Foi um pecado terem escalado um tenor ligeiro (minha descrição) para um papel que exige um heldentenor. Não posso falar de desafinação dele. Não tenho ouvido ou formação para tanto. Todavia, repito o que disse acima. Em momento algum se viu em cena um heroi. Viu-se um Verkäufertenor, um tenor caixeiro viajante. Faltou postura tanto facial como corporal para nos momentos onde Siegfried mostra-se o herói que fora e ainda poderia ser.

Tudo somado, continuo maravilhado com Wagner e com esse Anel Brasileiro.

GÖTTERDÄMMERUNG / O CREPÚSCULO DOS DEUSES, Theatro Municipal de São Paulo, Brasil

WAGNER DE NÍVEL INTERNACIONAL: O CREPÚSCULO DOS DEUSES NO THEATRO MUNICIPAL DE SÃO PAULO. CRÍTICA DE ALI HASSAN AYACHE NO BLOG DE ÓPERA E BALLET.

Cena de O Crepúsculo dos Deuses-Foto Internet

Assistir a ópera O Crepúsculo dos Deuses de Richard Wagner é uma verdadeira maratona, você tem que ficar seis horas no teatro. Em tempos de internet e redes sociais isso é uma eternidade, a surpresa foi o público, não arredou o pé até o fim da récita. Outra encrenca nessa ópera é o público entendê-la. Sabemos que é a quarta parte de uma tetralogia e os genais dirigentes do teatro resolveram fazer a tetralogia fora de ordem, começaram por A Valquíria (segunda parte) e agora montam a quarta. Destaque para um casal, ele interessadíssimo na ópera e a loira com cara de poucos amigos. A moça descobriu que ópera dá um sono danado, tirou uma pestana em todo o segundo e terceiro ato, será que a cor do cabelo influencia em algo?

Mais uma vez os dirigentes do teatro erraram na conta, faltaram programas para muitos espectadores, eu fiquei sem o meu. Já aconteceu na ópera A Valquíria e aconteceu de novo nesse Götterdämmerung. Felizmente o grande teatro paulistano acertou mais que errou, ninguém lembrou a falta do programa quando subiu a cortina.

Cena de O Crepúsculo dos Deuses-Foto Internet

A Orquestra Sinfônica Municipal, nas mãos do maestro Luiz Fernando Malheiro começou arrastada, lenta. Nesse ritmo a ópera duraria umas sete horas, após a primeira cena o maestro acertou a mão. Mostrou um Wagner potente nas partes sinfônicas e diminuiu o volume nas partes cantadas. Uma regência correta, cheia de belas harmonias e com o brilho da música wagneriana. O maestro mostra mais uma vez que conhece Wagner a fundo.

O elenco esteve equilibrado, nivelado para cima, muitas vezes soberbo. Eliane Coelho mostrou uma voz de timbre escuro e encorpado. Sua Brünnhilde é voz e pura interpretação, vestiu a camisa da personagem e empolgou. Sua participação final é deveras inesquecível, mostrou força na voz dando credibilidade a personagem e ainda sustentou as notas no limite. Grande soprano.

O Siegfried de John Dazsak tem agudos interessantes, carece de médios e graves. Fez um Sigfried correto, falta o timbre e a pegada que todo o tenor wagneriano deve ter. Sua voz não tem a potência, a emissão e a maturidade que a ópera de Wagner exige, é uniforme, estática e algumas vezes metálica. Denise de Freitas mais uma vez arrasou, como Waltraute foi soberba, mostra que está em plena forma vocal. Sua voz mostra diversas nuances da personagem e coloridos que só se ouvem ao vivo. CDs e DVDs nem chegam perto.

Cena de O Crepúsculo dos Deuses-Foto Internet

Outra que está em grande forma é Claudia Riccittelli, interpretação magistral de Gutrune. Sua voz tem belo timbre, matizada, de ouro. Mostrou paixão e ódio quando necessário e exibiu força nos agudos. Soprano correta em todas as suas participações e com qualidade vocal em todos os registros. Claudia Riccittelli jura de pé junto que não lê o que os críticos escrevem sobre ela, é uma pena, vai ficar sem ler as belas e poéticas palavras que escrevi sobre ela. Quem sabe o maridão Martin de o recado.

O Gunther de Leonardo Neiva mostra força nos graves, com timbre maduro e estável. Uma voz que evolui a cada apresentação e em boa forma vocal. Interpreta um Gunther mais que interesseiro e com grandes atributos cênicos. Gregory Reinhart mostra graves de baixo puro como Hagen, voz cavernosa e marcante.

Cena de O Crepúsculo dos Deuses-Foto Internet

A direção cênica comandada pelo experiente André Heller-Lopes acerta na concepção. Impossível descrever em palavras as idéias originais do diretor. A primeira cena é um primor, jogo de luz e cores combinam e se harmonizam. Soluções atemporais unidas a cenários sóbrios e figurinos corretos. Luz que participa e faz parte da ação, projeção de imagens que leva a reflexão. Diversos pontos da concepção fazem um elo de ligação com a ópera A Valquíria dirigida pelo mesmo diretor em 2011.

Sua leitura de Wagner coloca o amor em primeiro plano, leva o espectador a pensar e consegue agilidade em uma obra que é estática por natureza. Sua cena final resume a vitória do amor sobre tudo. Todos se beijam , temos homens com mulheres, mulheres com mulheres e homens com homens. O amor vence tudo, até o preconceito.

Cena de O Crepúsculo dos Deuses-Foto Internet

Ali Hassan Ayache

Nabuco - Theatro Municipal do Rio de Janeiro - 27/07/2011

Aqui está o primeiro texto neste blogue sobre uma ópera no Brasil. É mais uma excelente contribuição de Eduardo Vieira ( Visite o seu blogue: http://pitacosdoeduardo.blogspot.com/). Espero que, em particular, os muitos leitores brasileiros do blogue se sintam tão orgulhosos com ele quanto nós.
Muito obrigado, Eduardo, em nome dos Fanáticos da Ópera / Opera Fanatics.

Já tinha escrito a maior parte da crítica sobre esta montagem quando soube que esse seria o primeiro texto do blog sobre uma montagem brasileira.

Sendo assim, decidi incluir um preâmbulo sobre o nosso mais tradicional Teatro Lírico, suas origens e sua recente restauração (que terminou ano passado).

Na segunda metade do século XIX, havia na cidade, que era a capital do Império Brasileiro, intensa atividade lírica. O Imperador Pedro II era um verdadeiro fanático por ópera. Para se ter uma ideia, ele esteve presente a inauguração de Bayreuth, alem de ter convidado Wagner para produzir uma ópera no Brasil (pelo que li, o compositor chegou a ficar tentado pela vasta soma, mas amarelou de encarar a "selva").

Existiam diversos teatros onde se levavam óperas e saraus, sendo os dois principais o Theatro Lírico e o São Pedro, mas todos eram muito criticados seja pelas instalações, seja pela qualidade das companhias que se apresentavam.

De 1894 até 1909 (quando foi inaugurado), houveram muitas polêmicas em torno da construção de um Teatro Lírico nos moldes da Comédie Francaise. O projeto acabou sendo a junção de dois finalistas de um concurso. De sua construção participaram diversos artistas famosos da época, como Eliseu Visconti.

 Possuindo 4 andares (platéia, balcão nobre, balcão simples e galeria), o Theatro acomoda hoje 2361 lugares.

 O TMRJ teve grandes momentos na segunda metade do século XX, quando chegou a ter uma montagem de La Traviata onde Calas e Tebaldi se revezaram no papel principal.

Pessoalmente, é difícil avalia-lo. É onde assisti minha primeira ópera (Rigoletto, em 1989, na última cadeira da galeria!!). Tenho uma ligação emocional com o lugar. Fico muito chateado com a pouca quantidade de récitas que temos anualmente, mas é o meu teatro preferido. Não tem pontos cegos, tem excelente acústica e é lindo (espero que as fotos ajudem). Já passou por diversas reformas, sendo a mais importante a que começou em 2008 e terminou em 2010, da qual apresento o video comemorativo a vocês. (eu assisti dentro do Theatro, na sua reinauguração, quando foi levada uma montagem de Il Trovatore. A montagem foi razoável mas o vídeo foi o ponto alto da noite. Vale a pena ver!

http://www.youtube.com/watch?v=gU7gq8v7bFc

Dito isso, vamos a ópera:

Nabuco é a terceira ópera de Verdi e é o seu primeiro sucesso estrondoso. Eu conhecia a história, já tinha ouvido o coral (quem não ouviu?), mas alem disso, pouco conhecia sobre a mesma. Acreditava até ser um trabalho menor, que teria tido mais sucesso pelo seu oportunismo do que pelos seus méritos musicais em si.

Junte-se a isso o fato de que as últimas produções do TMRJ deixaram a desejar e de termos apenas cantores brasileiros, não esperava muita coisa.

Me enganei redondamente. Nabuco é uma grande ópera. E, na minha opinião, foi levada de forma bastante digna aqui no Theatro Municipal, a despeito de críticas que li (principalmente a do senhor Vicente Depércia, de quem nunca tinha ouvido falar até procurar material para escrever esse texto (http://blogdepercia.blogspot.com/2011/07/opera-nabuco-de-verdi-um-fracasso.html)) e que vou discutir ao final.

Eu gostei da concepção de André Heller de dar um caráter atemporal a história, misturando trajes modernos a símbulos assírios. O próprio texto da ópera é atemporal (se referencia a "filhos de David" e a Moisés quando os eventos dessa ópera aconteceram antes disso). A ópera foi escrita ANTES do holocausto, e até hoje existe preconceito. Para mim faz todo sentido.

Se no conceito as coisas estavam certas, não quer dizer que a execução tenha sido sem mácula. Os figurinos, assinados por Marcelo Marques, só funcionaram onde eram óbvios (judeus de terno, judias de véu, branco predominando na hora da morte). Onde eram mais elaborados, realmente ficaram confusos e eu diria até mal-feitos (máscara de papelão nos soldados assírios? Quem teve essa idéia foi pago para isso?).

Do cenário, assinado por Renato Theobaldo, eu gostei. Diversos painéis feitos com tubos geravam a cada cena efeitos diversos, a decoração assíria e ajudaram a narrativa. A iluminação (Fábio Retti), a meu ver, foi funcional, sem grandes pirotecnias. O efeito especial principal (o cair na cabeça de Nabuco) não funcionou.

Vamos aos cantores: a soprano Eliane Coelho fez bom papel com Abigaille. Não tenho como comparar com outras performances, pois não as conheço, mas mesmo que não esteja no auge de sua forma e que esse não seja o seu papel ideal, funcionou muito bem.

A mezzo Denise Freitas tem uma voz muito bonita, um tom mais escuro, que eu gostei muito e achei adequado para a essa ópera, fazendo um bom contraste com a soprano. É interessante ver a "mocinha" sendo a mezzo, enquanto a "vilã" é a soprano. O papel não dá as mesmas chances que tem Abigaille, mas entendo que foi bem defendido.

O baixo Sávio Esperândio, no papel de Zaccaria, foi o melhor da noite. Seu timbre é excelente e sua postura no palco é altamente convincente. Parecia realmente um profeta fanático pregando, com os olhos arregalados, uma coisa!

O tenor Marcos Paulo, no papel de Ismaele, foi a performance mais fraca entre os principais (embora supere, em muito, o tenor que vi fazendo Tosca em Paris). Entrou frio e não chegou em algumas notas no início. Depois melhorou e não comprometeu.

O barítono Rodrigo Esteves, como Nabuco, tambem aparece discreto no início, mas cresce no fim do segundo ato e canta muito bem a sua ária de arrependimento no 4o. ato.

Os papéis menores não me chamaram atenção.

Quanto ao Coro do Theatro Municipal, acho que teve uma excelente participação, numa ópera onde eles são praticamente um personagem e que possuem o principal momento da noite, que teve que ser bisado dados os efusivos aplausos.

Aliás, todas as eventuais falhas de concepção dessa montagem são perdoadas por esse momento sublime onde vemos, os presos, a espera da morte, se regozijarem com a única coisa que nunca nos podem tirar, nossos pensamentos e nossas lembranças. Se você sabe italiano ou lê as legendas, é impossível não ficar embargado. E a montagem cênica ajuda, com alguns coristas subindo nas grades na hora que a musica cresce, como se a música os levasse junto. Vocês podem me dizer que é piegas, que é obvio, o que for, mas funciona. E muito bem.

Retomo a eterna dúvida da condessa de Capriccio (as palavras ou a música?). Nenhum dos dois, a ópera tem que ser, sempre, as duas coisas juntas. Aquele libreto, declamado, seria bonito, mas não seria o que é. A música, sem o contexto, como aparece na abertura, é bonita, mas não traz nenhum efeito maior. Na peça, no contexto, com o coro cantando é algo totalmente diferente. E o pianíssimo do final é a chave de ouro.

Vejo nessa ópera algumas coisas que o Verdi retomaria em outras obras. O final do primeiro ato me lembrou bastante o fim segundo ato de Aída. E o final da ópera é muito bem feito, com a morte da Abigaille e a profecia de Zaccaria.

Enfim, o que dizer das críticas altamente negativas que li (tirando essa que citei, o principal jornal da cidade (O Globo), viu a parte cênica mais ou menos da mesma forma que eu, mas foi crítico em relação aos cantores)? Não sei. Ambos escreveram sobre a estreia, eu já assisti a terceira récita, o que pode fazer alguma diferença. Eu provavelmente sou um melômano menos exigente e não tão erudito. Mas, na verdade, o que eu enxergo nessas críticas é muita soberba.

A opera foi bastante aplaudida, não há como classifica-la como um "um fracasso anunciado" como o senhor Depércia fez. Se ela não atende aos altos requisitos desse senhor, eu vos digo, a maior parte das apresentações comuns (não estou falando das de gala, com cantores do primeiríssimo time) da Ópera de Paris também não. E o ingresso lá é cinco vezes mais caro!

O nosso Theatro precisa é de mais produções, não de menos. Críticas destrutivas só levam as autoridades a cada vez colocar menos dinheiro na ópera. Isso não quer dizer que tenhamos que aplaudir qualquer porcaria que nos entreguem, mas é preciso ser construtivo. Essa montagem agradou ao público que estava lá, e que pagaria para ver novos espetáculos como o de ontem. O que vai nos levar a perfeição é a prática. Mais montagens nos levarão aos poucos a melhores montagens. Mas aparentemente as pessoas preferem ficar em casa assistindo aos seus DVDs.

Texto de Eduardo Vieira