DON GIOVANNI O DISSOLUTO, Fundação Gulbenkian, Lisboa, Novembro 2022

(review in English below)

Na Fundação Gulbenkian foi apresentada uma obra que resulta da adaptação de um texto de José Saramago inspirado na ópera Don Giovanni de Mozart, em que este não seria condenado pelo seu comportamento e não morreria no final. 

A encenação de Jean Paul Bucchieri foi interessante, com a orquestra um nível abaixo do palco, o cenário com cadeiras de ambos os lados, uma mesa ao centro e uma grande estátua do comendador, interpretado por um cantor e por um actor (Pedro Lacerda). Houve projecções de vídeo e presença de figurantes na parte mais recuada do palco, por vezes com bom efeito estético. O camarote lateral do auditório foi usado quer pelo coro, quer pelos solistas. 

(estátua)

Mas não gostei do espectáculo. Foram incluídos vários trechos da genial composição de Mozart (cantados em italiano, valha-nos isso) intercalados numa representação teatral desinteressante na forma e no conteúdo. Custa-me ver uma deturpação de uma das óperas mais sagradas do reportório operático mundial (sim, sou muito conservador neste aspecto) e, musicalmente, o espectáculo deixou muito a desejar.

(coro)

A concepção e direcção musical foi de Nuno Coelho. A curta interpretação do Coro masculino foi excelente, mas o mesmo não aconteceu com a Orquestra que, frequentemente, soou muito pouco “Mozartiana”.

(orquestra)

Os solistas foram de qualidade muito diversa. André Baleiro foi um Don Giovanni muito bom. Não me canso de elogiar este jovem barítono. As suas interpretações são sempre tecnicamente excelentes, a voz é magnífica e o timbre é de uma invulgar beleza. Estou convicto que terá uma notável carreira internacional nos grandes teatros de ópera.

O barítono José Fardilha foi um Leoporello de voz forte e bem audível, mas já sem o vigor e afinação do passado. O tenor Marco Alves dos Santos foi um Don Ottavio agradável, a voz é bonita e afinada. O baixo Manuel Rebelo foi um Masetto desinteressante e o Comendador cantado pelo baixo Nuno Dias mal se ouviu.

A Dona Anna da soprano Sónia Grané foi desagradável e frequentemente estridente. Susana Gaspar não esteve melhor e foi uma Dona Elvira de timbre agreste e interpretação vocal desinteressante. A Zerlina da soprano Leonor Amaral foi a melhor interpretação feminina. 

Um espectáculo a não rever.

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DON GIOVANNI IL DISSOLUTO, Gulbenkian Foundation, Lisbon, November 2022

At the Gulbenkian Foundation, a show was presented resulting from the adaptation of a text by José Saramago inspired by the opera Don Giovanni by Mozart, in which Don Giovanni would not be condemned for his behavior and would not die in the end.

The staging by Jean Paul Bucchieri was interesting, with the orchestra one level below the stage, the scenery with chairs on both sides, a table in the center and a large statue of the Commendatore, interpreted by a singer and an by an actor (Pedro Lacerda). There were video projections and the presence of extras at the back of the stage, sometimes with a good aesthetic effect. The side box of the auditorium was used by both the choir and the soloists.

But I didn't like the performance. Several excerpts from Mozart's brilliant composition were included (sung in Italian, fortunately) interspersed in a theatrical representation that was uninteresting in form and content. It pains me to see a misrepresentation of one of the most sacred operas in the world's operatic repertoire (yes, I'm very conservative in this regard) and, musically, the show left much to be desired.

The conception and musical direction was by Nuno Coelho. The short interpretation by the Male Choir was excellent, but the same was not true of the Orchestra, which often sounded very little “Mozartian”.

The soloists were of very diverse quality. André Baleiro was a very good Don Giovanni. I never tire of praising this young baritone. His interpretations are always technically excellent, his voice is magnificent and the timbre is unusually beautiful. I am convinced that he will have a remarkable international career in the great opera houses.

Baritone José Fardilha was a Leoporello with a strong and very audible voice, but without the vigor and tuning of the past. Tenor Marco Alves dos Santos was a pleasant Don Ottavio, his voice is beautiful and in tune. Bass Manuel Rebelo was an uninteresting Masetto and the Comendador sung by bass Nuno Dias was barely audible.

Dona Anna by soprano Sónia Grané was unpleasant and often shrill. Susana Gaspar was no better and was a Dona Elvira with a harsh timbre and uninteresting vocal interpretation. Zerlina by soprano Leonor Amaral was the best female interpretation.

A show not to be seen again.

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PAIXÃO SEGUNDO SÃO JOÃO, Fundação Gulbenkian, Abril 2022

É habitual a Fundação Gulbenkian oferecer-nos um concerto alusivo à época pascal. Este ano foi a Paixão Segundo São João de Bach, interpretada pela Orquestra e Coro Gulbenkian, sob a direcção do maestro Florian Helgath.

Foi um concerto muito bom, com um óptimo desempenho da Orquestra e do Coro Gulbenkian.

Nos solistas, o tenor Tuomas Katajala (Evangelista) foi excelente. Também ao mais alto nível estiveram o barítono André Baleiro (Jesus) e a soprano Ana Quintans. Muito boas interpretações do tenor Marco Alves dos Santos e do barítono Hugo Oliveira. A mezzo Maria Helgath foi o elo mais fraco da noite, com uma voz pequena que mal se ouvia quando cantava com a orquestra a tocar.

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ST JOHN PASSION, Gulbenkian Foundation, April 2022

It is customary for the Gulbenkian Foundation to offer us a concert alluding to the Easter season. This year it was Bach's St John Passion, performed by the Gulbenkian Orchestra and Choir, under the direction of conductor Florian Helgath.

It was a very good concert, with a great performance by the Orchestra and the choir.

In the soloists, tenor Tuomas Katajala (Evangelist) was excellent. Also at the highest level were baritone André Baleiro (Jesus), soprano Ana Quintans. Very good performances by tenor Marco Alves dos Santos and baritone Hugo Oliveira. Mezzo Maria Helgath was the weakest link of the night, with a small voice that was barely heard when singing with the orchestra playing.

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ARIODANTE, Teatro Nacional de São Carlos, Novembro 2021

(review in English below)

O Teatro Nacional de São Carlos apresentou a ópera Ariodante, de GF Händel, em versão semi-encenada de Mario Pontiggia. Tocou a Orquestra Sinfónica Portuguesa, sob a direcção musical de Antonio Floro. 

Foi um espectáculo desinteressante para o qual contribuíram várias situações:

A Orquestra foi colocada em cima do palco e não no fosso, e à boca de cena. Perturbou a observação da acção da ópera (mesmo com pouco para ver) e prejudicou muito a audição dos cantores, nomeadamente dos com vozes pequenas, qua mal se ouviam. Também a orquestra não é uma orquestra barroca, a sonoridade não impressionou, e teve várias falhas ao longo da récita.

A encenação (ou semi-encenação) foi desinteressante, quase inexistente. Havia umas estruturas sólidas estáticas no palco e tudo se passou à sua frente e entre elas. 6 figurantes com máscaras faciais e vestidos de preto procuravam dar algum enquadramento cénico, mas não resultou.

Verdadeiramente inacreditável e intolerável foi o comportamento das “assistentes de sala” (arrumadoras). Em pleno espectáculo duas foram verificar o bilhete de uma espectadora estrangeira, obrigando-a a levantar-se e sentar-se várias filas mais atrás, perturbando de forma ignóbil todos os outros espectadores e o próprio espectáculo, pois tudo isto foi feito durante a aria do contratenor. Para além disto, ainda passavam regularmente uma visita inquisitória periódica ao longo dos corredores laterias da plateia, sempre perturbando a atenção, dado que as luzes da sala não estavam totalmente apagadas. Uma Vergonha!!

Finalmente os cantores, também muito diferentes nas suas prestações. As senhoras foram, de longe, as melhores. A mezzo Cecilia Molinari como Ariodante e a soprano Ana Quintans como Ginevra foram as melhores e tiveram interpretações muito boas, destacando a aria Scherza infida do Ariodante que antecedeu o intervalo. Também bem estiveram Eduarda Melo como Dalinda, com alguma tendência para a estridência e o contratenor Yuriy Minenko como Polinesso. Os restantes solistas foram para esquecer, Sreten Manojlovic como Rei da Escócia tem uma voz pequena que quase não se ouviu, Marco Alves dos Santos como Lurcanio, gritou mais do que cantou (apesar de ter sido muito aplaudido) e João Rodrigues como Odoardo também mal se ouviu. 

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ARIODANTE, Teatro Nacional de São Carlos, November 2021

Teatro Nacional de São Carlos presented the opera Ariodante, by GF Handel, in a semi-staged version by Mario Pontiggia. The Portuguese Symphonic Orchestra played under the musical direction of Antonio Floro.

It was an uninteresting performance to which several situations contributed:

The Orchestra was placed on top of the stage and not under, and in front of the stage. It disturbed the vision of the opera's action (even with little to see) and caused a lot of damage to the singers' hearing, particularly those with small voices, who could barely been heard. The orchestra is not a baroque orchestra either, the sound was unimpressive, and had several flaws throughout the performance.

The staging was uninteresting, almost non-existent. There were solid static structures on the stage and everything happened in front of and between them. 6 extras with face masks and dressed in black tried to provide some scenic framing, but it didn't work.

Truly unbelievable and intolerable was the behavior of the “room assistants”. In the middle of the performance, two went to check the ticket of a foreign spectator, forcing her to get up and sit several rows further back, ignobly disturbing all the other spectators and the show itself, as all this was done during the aria of the countertenor. In addition to this, a regular inquisitive visit was regularly passed along the side aisles of the audience, always disturbing the attention, as the lights in the room were not completely off. A shame!!

Finally the singers, also very different in their performances. The ladies were by far the best. Mezzo Cecilia Molinari as Ariodante and soprano Ana Quintans as Ginevra were the best and had very good interpretations, highlighting Ariodante's aria Scherza infida that preceded the break. Eduarda Melo did well as Dalinda, with some tendency to stridency, as well as countertenor Yuriy Minenko as Polinesso. The other soloists were bad, Sreten Manojlovic as King of Scotland has a small voice that was barely heard, Marco Alves dos Santos as Lurcanio, shouted more than he sang (despite being much applauded) and João Rodrigues as Odoardo also barely if heard.

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EVGENI ONEGIN de Tchaikovsky — Fundação Calouste Gulbenkian, 6.03.2020

(Review in English below)

Foto ©FCG

A ópera Evgeni Onegin foi composta pelo expoente máximo do romantismo russo na música — Piotr Ilitch Tckaikovsky. O romance em verso homónimo de Pushkin — marco da literatura russa —  foi a base para o libreto escrito pelo próprio compositor e por Konstantin Shilovsky. Já escrevi neste blogue que sou um grande admirador desta ópera pelo arrebatamento que tudo me causa.

A FCG apresentou-nos uma ópera com uma encenação de Kristiina Helin. A dificuldade em fazê-lo no edifício é evidente, mas o resultado é interessante, recorrendo a algumas soluções engenhosas.

O primeiro ato começa com Tatiana, Olga, Larina e Filipnieva sentadas na boca do palco em bancos e com os pés apoiados em livros. As personagens ficam de costas ou de frente de acordo com a secções das cenas. Por trás, num pano semitranslúcido, projetam-se naturezas mortas, não impedindo de ver a orquestra espalhada pelo palco e o coro nas suas laterais. Já a cena da carta passa-se num palanque ao fundo do palco, o que dificulta a tarefa aos cantores e não transmite intimidade do quarto ou o bucólico do jardim, uma vez que é aí que se dá o sermão.

Foto ©FCG

O 2.º ato começa com os cantores na boca do palco novamente, com umas danças simples e monótonas que se alastraram ao confronto amorfo entre Onegin e Lensky. A personagem Triquet é apresentada com o figurino de Joker, em modo fanfarão e dinâmico, empunhando um taco de golfe, o que me pareceu discutível, assim como toda a utilização deste figurino como testemunha de Onegin e na cena final. A cena do duelo volta ao palanque no fundo do palco onde se abre uma cortina que expõe o Jardim da Gulbenkian onde se produz fumo, transmitindo a frieza do local. O 3.º ato começa com a casa de Gremin. Este está com Onegin no palanque, enquanto Tatiana entra pela porta lateral do anfiteatro e se projetam luzes em bolas de discoteca, o que cria um efeito de luz interessante na sala. A cena final é trazida de novo à boca do palco, o que se agradece, porque permitiu aproximar o público do drama. No final, Joker cobre a face de Onegin com uma máscara branca. Creio que a ideia era dizer que Onegin é tão psicopata como Joker, coisa de que discordo totalmente e é uma associação infeliz.

A Orquestra Gulkenkian esteve globalmente muito bem dirigida pelo maestro Lorenzo Viotti. Este tem feito a orquestra crescer em diversos reportórios (fala-se que estará para breve o anúncio de que partirá para outras paragens, o que será uma péssima notícia) e conseguiu transmitir as emoções e coloridos da partitura, respeitando os cantores (com algumas excepções como, por exemplo, no final). Mas continuo a achar que falta calor para Tchaikovksy no naipe da cordas, o que é um problema antigo.

O Coro Gulbenkian, ainda que não seja um coro com sonoridade operática, teve um excelente desempenho em todas as intervenções e mostrou toda a sua qualidade e versatilidade.

A Tatiana da soprano Marjukka Tepponen foi excelente. A voz, bonita e poderosa, sempre bem projetada e audível (mesmo do fundo do palco) e com uma sustentação impecável das notas em toda a tessitura, transmitiu as emoções de uma Tatiana jovem, atormentada pela paixão e pelo dever. E foi secundada por uma interpretação cénica muito convincente e capaz.

Foto ©FCG

Tepponem formou com Andrè Schuen, o barítono que fez Onegin, um duo de grande qualidade. Schuen surpreendeu-me pela beleza do timbre, volume, projeção e legato. Foi quente, indeciso e atormentado, e raramente fanfarão. Gostei particularmente do sermão no primeiro ato.

O Gremin de Dmitry Ulyanov também esteve muito bem. Tem um poderio vocal como poucos: graves profundos e agudos estratosféricos. E fez um Gremin poderoso, com uma grande energia vital. Um estrondo.

O Lensky de Alexey Neklyudov foi o mais aplaudido da récita, mas, apesar de ter sido elegante e lírico, não atingiu a qualidade elevada do par Tepponen/Schuen. Tem uma voz mais pequena, com maior dificuldade na projeção, ainda que bonita, e foi mais amorfo cenicamente.

Nos papéis secundários, Marco Alves dos Santos foi um Triquet mascarado de Joker muito dinâmico, dinâmica que manteve como Guillot, ainda que ambas as personagens sejam apresentadas sem distinção, o que serviu o propósito muito discutível da encenadora. O desempenho vocal contrastou com o cénico, uma vez que se apresentou com um vibrato exagerado. Cátia Moreso teve um bom desempenho, sobretudo no primeiro ato, tendo sido bem acompanhada pela Larina de Carolina Figueiredo. A Filipievna de Stefania Toczyska esteve muito bem cenicamente, embora irregular na qualidade da emissão vocal. O Capitão de André Henriques, bem como o Zaretski de André Baleiro, estiveram bem nos seus curtos papéis.

Foi uma récita de boa qualidade que valeu pelo desempenho do quarteto Viotti, Tepponen, Schuen e Ulyanov. Esperemos que a FCG continue a apresentar estas óperas semi-encenadas nas próximas temporadas.

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(Review in English)

The opera Evgeni Onegin was composed by the greatest exponent of Russian romanticism in music - Piotr Ilitch Tckaikovsky. Pushkin's eponymous verse novel - a landmark of Russian literature - was the basis for the libretto written by the composer himself and by Konstantin Shilovsky. I have already written in this blog that I am a great admirer of this opera for the rapture that everything causes me.

FCG presented us an opera with a staging by Kristiina Helin. The difficulty in doing so in the building is evident, but the result is interesting, using some ingenious solutions.

The first act begins with Tatiana, Olga, Larina and Filipnieva sitting on benches with their feet resting on books at the front of the stage. The characters are on their backs or front according to the sections of the scenes. From behind, on a semi-translucent cloth, still lifes are projected, not preventing you from seeing the orchestra spread across the stage and the choir on its sides. The scene of the letter, on the other hand, takes place on a platform at the back of the stage, which makes it difficult for singers and does not convey the intimacy of the room or the bucolic of the garden, since that is where the sermon is given. The 2nd act begins with the singers again at the front of the stage, with simple and monotonous dances, monotony that spreads to an amorphous confrontation between Onegin and Lensky. The character Triquet is presented with Joker’s costume, in a swashbuckling and dynamic way, wielding a golf club, which seemed debatable, as well as all the use of this costume for Guilot, the witness to Onegin, as well in a unknow character in the final scene. The scene of the duel occurs at the back of the stage again where the curtain opens to expose the Gulbenkian Garden where smoke is produced, conveying the coldness of the duel’s place. Act 3 begins at Gremin's home. Gremin is with Onegin at the back, while Tatiana enters through the side door of the amphitheater and lights are projected on disco balls, which creates an interesting light effect in the hall. The final scene is brought back to the front, which was grateful because it allowed the audience to be closer to the drama. In the end, Joker covers Onegin's face with a white mask. I think the idea was to say that Onegin is as psychopathic as Joker, which I totally disagree with and is an unfortunate association.

The Gulkenkian Orchestra was globally very well conducted by conductor Lorenzo Viotti. He has made the orchestra grow in several repertoires (it is said that the announcement that he will leave at the season end, which will be very bad news) and managed to transmit the emotions and colors of the score, respecting the singers (with some exceptions as, for example, at the end). I still think that this orchestra strings lacks warm and drama for Tchaikovsky, but this is an old issue.

The Gulbenkian Choir, although not a choir with an operatic sound, had an excellent performance in all interventions and showed all its quality and versatility.

Soprano Tatiana Marjukka Tepponen was excellent. The voice, beautiful and powerful, always well projected and audible (even from the back of the stage) and with an impeccable support of the notes throughout tessitura, conveyed the emotions of a young Tatiana, tormented by passion and duty. And it was supported by a very convincing and capable performance as an actress.

Tepponem formed with Andrè Schuen, the baritone who made Onegin, a duo of great quality. Schuen surprised me by the beauty of the timbre, volume, projection and legato. He was warm, indecisive and tormented, and rarely a boaster. I particularly liked the sermon in the first act.

Dmitry Ulyanov's Gremin was also very good. He has vocal power like few others: deep bass and stratospheric treble. And he made a powerful Gremin, with great vital energy. Thunderous.

Alexey Neklyudov's Lensky was the most applauded of the performance, but, despite being elegant and lyrical, he did not achieve the high quality of the pair Tepponen/ Schuen. He has a smaller voice, with greater difficulty in the projection, although beautiful, and was more amorphous in scenery.

In the secondary roles, Marco Alves dos Santos was a very dynamic Joker-masked Triquet, a dynamic he maintained as Guillot, although both characters are presented without distinction, which served the director's very debatable purpose. The vocal performance contrasted with the scenic, since he had an exaggerated vibrato. Cátia Moreso had a good performance, especially in the first act, having been well accompanied by Carolina Figueiredo’s Larina. Stefania Toczyska's Filipievna was very well done, albeit irregular in the quality of the vocal emission. André Henriques' Captain, as well as André Baleiro's Zaretski, did well in their short roles.

It was a good quality opera performance where the quartet Viotti, Tepponen, Schuen and Ulyanov excelled. We hope that FCG will continue to present these semi-staged operas in the coming seasons.

LA GAZZA LADRA, Teatro Nacional de São Carlos, Lisboa, Maio 2019

(review in English below)

O Teatro de São Carlos apresentou a ópera La Gazza Ladra de Rossini. Infelizmente foi em versão concerto, pelo que apenas pudemos ouvir. Foi um bom espectáculo que se deveu, sobretudo, à escolha dos intérpretes principais. Foram trazidos vários cantores estrangeiros jovens, de bom nível, que contracenaram com cantores portugueses, estes na maioria em papéis menos exigentes.

Rossini não é para todos, instrumentistas ou cantores e, com esta tolerância em mente, assistimos a um bom espectáculo. O maestro foi o jovem italiano Sesto Quatrini que esteve bem, com resposta à altura quer da Orquestra Sinfónica Portuguesa, quer do Coro do Teatro de São Carlos.

A qualidade dos cantores solistas foi bastante homogénea e acima do que habitualmente nos é oferecido, mas alguns destacaram-se pela sua superior qualidade. A Ninetta foi cantada pela soprano georgiana Sofia Mchedlishvili. De entre as senhoras foi, de longe, a melhor. Tem uma voz de timbre agudo mas agradável, afinada e sempre bem audível sobre a orquestra. Safou-se na coloratura.

O Gianetto foi o tenor italiano Michele Angelini, uma voz adequada à interpretação rossiniana, boa projecção e bem timbrada. Foi muito bom. O baixo italiano Mirco Palazzi interpretou de forma surpreendente o Magistrado. Tem uma voz grave sempre bem colocada, muito expressiva e foi, para mim, o melhor da noite.

Num patamar um pouco mais abaixo estiveram o baixo italiano Ugo Guagliardo como Fernando, pai de Ninetta, e a mezzo também italiana Paola Gardina, de voz escura mas por vezes pouco audível, no papel masculino de Pippo.

Os solistas portugueses foram a mezzo Cátia Moreso que esteve bem como Lucia embora, por vezes, tenha roçado a estridência, o excelente baixo André Henriques como Ernesto e Pretor, o melhor dos nacionais apesar do papel pequeno, e o tenor Marco Alves dos Santos como Isacco e Antonio, sempre bem como nos habituou. Mais discretos estiveram os barítonos Luís Rodrigues como Fabrizio e João Merino como Giorgio. Ana Serro teve uma pequena mas simpática presença como a pega.

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LA GAZZA LADRA, Teatro Nacional de São Carlos, Lisbon, May 2019

The Teatro de São Carlos presented the opera La Gazza Ladra by Rossini. Unfortunately it was in concert version, so we could only hear it. It was a good show that was mainly due to the choice of the main performers. A number of good young foreign singers were brought along with Portuguese singers, mostly in less demanding roles.

Rossini is not for everyone, instrumentalists or singers and, with this tolerance in mind, we witnessed a good performance. The maestro was young Italian Sesto Quatrini who was well, with a good response from both the Portuguese Symphony Orchestra and the São Carlos Theater Choir.

The quality of the soloist singers was quite homogeneous and above what is usually offered to us, but some stood out for their superior quality. Ninetta was sung by Georgian soprano Sofia Mchedlishvili. Among the ladies she was by far the best. Shee has a high-pitched but pleasant voice, tuned and always well audible over the orchestra. She got away in th coloratura.

Gianetto was the Italian tenor Michele Angelini, a voice adequate to the rossinian interpretation, good projection and nice timbre. He was very good. Italian bass Mirco Palazzi interpreted superiorly the Magistrate. He has a bass voice always well tuned, very expressive and was, for me, the best of the night.

On a little lower quality level were Italian bass Ugo Guagliardo as Fernando, father of Ninetta, and Italian mezzo Paola Gardina, dark voice but sometimes not very audible, in the trousers role of Pippo.

The Portuguese soloists were mezzo Cátia Moreso who was as well as Lucia although at times she has touched the stridency, the excellent bass André Henriques as Ernesto and Pretor, the best of the nationals despite the small role, and the tenor Marco Alves dos Santos as Isacco and Antonio, always well as we are used to. More discreet were the baritones Luís Rodrigues as Fabrizio and João Merino as Giorgio. Ana Serro had a small but nice presence as the bird.

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ROMEU E JULIETA (Charles Gounod), Fundação Gulbenkian, Março / March 2019

(text in English below)

Romeu e Julieta (Roméo et Juliette) de Charles Gounod é uma ópera (com prólogo e cinco actos) com libretto de Jules Barbier e Michael Carré, baseada na obra homónima de William Shakespeare.

A Fundação Gulbenkian ofereceu-nos esta ópera numa versão encenada. Apesar das limitações da sala (não é um teatro de ópera), a orquestra foi colocada num plano inferior e a encenação tirou partido de toda a versatilidade do moderno palco do Grande Auditório.

O espectáculo foi encenado por Vincent Huget (com coreografia de Aurélie Maestre, figurinos de Clémence Pernoud e desenho de luz de Bertrand Couderc). A acção decorre no palco com poucos adereços que incluíram estátuas, uma delas sempre presente, e blocos escuros que servem de pedras tumulares ou de cama, mas com movimentações dinâmicas ao longo do espectáculo. O guarda roupa espelha bem a diferença dos mais ricos e poderosos (Capuletos, família a que pertence a Julieta) para os pobres (Montéquios, família do Romeu). Criou-se com grande eficácia um ambiente soturno e pesado, adequado ao desenrolar da ópera. Só não gostei da parte em que o padre (Frei Lourenço) casa o par solista ao lado de um cadáver que está a lavar e na frente da viúva. Escapou-me algo aqui pois não creio que seja apenas mau gosto do encenador.

A direcção da Orquestra Gulbenkian foi do maestro titular, Lorenzo Viotti, que, num toque fresco de juventude, calçava “ténis”. Maestro e orquestra muito bem e o Coro Gulbenkian, que apareceu vindo da plateia, esteve em grande nível, como é habitual. E cabem-lhe algumas das intervenções mais significativas.

Todos os cantores solistas eram jovens, o que ajudou muito tanto na credibilidade das interpretações como na movimentação cénica. A soprano Vannina Santoni foi uma Julieta que não começou bem mas, após o primeiro acto, melhorou muito. Tem uma voz muito potente, de timbre bonito, mas que parece perder algum controlo no registo mais agudo e também tende para a estridência. Mas foi muito boa.

O Tenor Georgy Vasiliev foi um Romeu algo contido, de voz agradável, mas com um registo médio irregular. Nos duetos com a Julieta (são vários e incluem algumas das partes musicais mais belas, como o Nuit d’Hyménée no quarto acto) foi notória a diferença de potência vocal entre os dois.

O baixo Jean Teitgen foi um dos melhores cantores da noite, com uma interpretação excelente do Frei Laurent. Também os barítonos John Brancy (Mercúcio) e Andrew Foster-Williams (Capuleto) foram muito bons, com vozes magníficas e óptimas interpretações cénicas. Marco Alves dos Santos foi um Tebaldo notável, Cecília Rodrigues um Stéphano fresco e jovial, e Carolina Figueiredo uma Gertrudes muito correcta.  Em intervenções menores também participaram Pedro Casanova (Páris), André Henriques (Grégorio) e Manuel Gamito (Benvolio).

Foi um espectáculo muito bom, mas deixo mais uma vez uma nota muito negativa sobre o público, desta vez não pelas tosses, mas pelos telemóveis. Os que me rodeavam passaram todo o tempo a acender os telemóveis e a responder a mensagens e, inevitável, durante a cena da morte do Romeu, um tocou demoradamente porque estava dentro da mala de uma mulher que demorou a encontra-lo. 

É chocante a falta de respeito pelos outros num grupo de pessoas que, admitimos, seriam educadas!

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ROMEO AND JULIET (Charles Gounod), Gulbenkian Foundation, March 2019

Romeo and Juliet (Roméo et Juliette) by Charles Gounod is an opera (with prologue and five acts) with libretto by Jules Barbier and Michael Carré, based on the work of the same name by William Shakespeare.

The Gulbenkian Foundation offered us this opera in a staged version. Despite the limitations of the room (not an opera house), the orchestra was placed on a lower plane and the staging took advantage of all the versatility of the modern stage of the Grand Auditorium.

The opera was staged by Vincent Huget (with choreography by Aurélie Maestre, costumes by Clémence Pernoud and drawing by Bertrand Couderc). The action takes place on a stage with few props that included statues, one of them always present, and dark gray blocks that serve as bedrock or graves, but with dynamic movements throughout the show. The dresses look very different from the richer and more powerful ones (Capulets, family to which Juliet belongs) to the poor (Monequies, Romeo's family). A dark and heavy atmosphere was created with great efficiency, adequate to the opera's unfolding. I just do not like the part where the priest (Frei Lourence) marries the couple next to a corpse that he is washing and in front of the widow. Something escaped me here because I do not think it's just bad option for the director.

The direction of the Gulbenkian Orchestra was by the young conductor, Lorenzo Viotti, who, in a fresh youthful tone, wore "tennis". Conductor and orchestra very well and the Gulbenkian Choir, that appeared from the audience, was in great level, as usual. And they have some of the most significant interventions.

All the soloist singers were young, which helped a lot both in the credibility of the interpretations and in the scenic movement. Soprano Vannina Santoni was a Juliet that did not start well but, after the first act, she improved a lot. She has a very powerful voice, of beautiful timbre, but that seems to lose some control in the most acute register and also tends towards stridency. But she was very good.

Tenor Georgy Vasiliev was a somewhat restrained Romeo, with a pleasant voice, but with a medium irregular register. In the duets with Juliet (there are several and include some of the most beautiful musical parts, such as the Nuit d'Hyménée in the fourth act) was notorious for the difference in vocal power between the two.

Bass Jean Teitgen was one of the best singers of the evening, with an excellent interpretation of Frei Laurent. Also baritones John Brancy (Mercutio) and Andrew Foster-Williams (Capulet) were very good, with magnificent voices and great scenic interpretations. Marco Alves dos Santos was a remarkable Tebald, Cecília Rodrigues a fresh and jovial Stéphano, and Carolina Figueiredo a very correct Gertrud. In smaller interventions also participated Pedro Casanova (Páris), André Henriques (Gregory) and Manuel Gamito (Benvolio).

It was a very good performance but, once again, I leave a very negative note about the public, this time not for the coughs, but for the mobile phones. Those around me spent all their time turning on their cell phones and responding to messages and, inevitably, during the scene of Romeo's death, one rang for a long time because it was inside a woman's suitcase who was slow to find it. 

It is shocking the lack of respect for others in a group of people who, we admit, would be cultured!

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