(Review in English below)
Giuseppe Verdi tinha 80 anos quando estreou a sua última ópera — Falstaff.
Cidadão italiano distinto, dado o seu percurso artístico e político, a estreia
de Falstaff em 1893 no Scala gerou
uma enorme expectativa entre os críticos e amantes da ópera, não só por ser
Verdi, mas pela sua ousadia. Seria Verdi capaz de escrever uma ópera cómica? Em
1853, Un giorgno de regno — a única ópera cómica que Verdi
escreveu pouco depois da morte de dois filhos e da esposa — foi um massivo
fracasso. Desde aí, Verdi dedicou-se à transposição musical do sentir e ser-se humano
e da sua tragédia, transformando-as em arte tangível, vivencial, credível e a
puxar ao sublime. Oiçamos, como exemplos acabados dessa arte, Otello, Don Carlo ou La Traviata.
Mas a
resposta à pergunta que colocámos é: SIM! E fê-lo com o contributo de Arrigo
Boito, libretista com quem
já colaborara em Otello e em Un Ballo in Maschera. Este baseou-se
na comédia As Alegres Comadres de Windsor de William
Shakespeare.
A
recepção entusiástica de Falstaff
desde a sua estreia espelha o génio levado ao extremo de Verdi. Falstaff é uma simbiose: a perfeita
ligação da palavra com a música. Se há quem considere Falstaff a mais genial ópera de Verdi, outros há também quem não a
apreciam de tal forma. O que é legítimo, pois nem tudo o que é genial nos toca
a alma. Mas quem oiça esta ópera, mesmo que num dia de humor mais sombrio, não
deixará de esboçar um sorriso. Para isso, basta existir. É que Falstaff é um
pouco do que há em todos nós de desejo, da mera busca do sensório e do prazer,
que deixa para trás a honra (“Può l'onore riempirvi la pancia?
No./ (…)/ Che é dunque? Una parola.
Che c'é in questa parola? C'é dell'aria che vola”) para sobreviver e poder dizer, por entre sorrisos, que “tutto nel mondo è burla. Ma ride ben chi ride la risata final”.
A produção
de Robert Carsen é magnífica. Coloca
a acção nos anos 50. O pano abre com o “imenso
Falstaff” numa condizente imensa cama. A segunda cena foi inteligentemente
transportada para um luxuoso restaurante onde, em mesas distintas, as comadres
engendram um plano para tramar Falstaff e Ford procura vingança.
A terceira
cena é alojada num distinto bar britânico com alusões à caça e nem o perfume
das luvas é esquecido depois de Falstaff ir “Vado a farmi bello” (o pai de
Shakespeare era um fabricante de luvas).
A quarta cena, passada numa cozinha, é
hilariante e termina com Ford encharcado, tal foi a quantidade de água do
Tamisa que se elevou com a queda desse meteorito que era o cavaleiro inglês. A
quinta cena, às portas da hospedaria, é um estábulo onde um imundo Falstaff
canta para um cavalo que riempia la pancia.
À última cena, nos
jardins de Windsor, não faltam enormes cornos ou a mesa comprida (elemento
recorrente em Carsen) onde Falstaff desfila as suas desculpas e pede que lhe
salvem o abdómen (“Ahi! Ahi! mi pento!” e “Ma salvagli l'addomine”). O guarda roupa, os cenários e a
direcção de actores é estupenda. Esta encenação coloca a música num patamar
ainda mais elevado e fica na memória como geradora de excelentes momentos de
comicidade. Uma boa encenação é... é isto!
Este foi
também o regresso à internacionalidade do carismático maestro James Levine. Admirador profundo desta ópera, a
sua alegria foi bem notória no brilhantismo com que fez soar a “sua” orquestra.
Buon auguri, Maestro!
Sir John
Falstaff “é” o barítono italiano Ambrogio Maestri. Foi cénica e
interpretativamente muito convincente, tendo cumprido as exigências cómicas da
sua personagem até pela sua figura física que é perfeitamente compatível com a
descrição de Falstaff: é enorme e, se as Alegres Comadres conseguissem aprovar
o imposto sobre a gordura de que falam na ópera para castigar Falstaff, não
temos dúvidas de que não lhe conseguiria fugir. Tem uma voz com um timbre
lindíssimo, fresco e jovial, onde se desenvolvem uns agudos estratosféricos e
brilhantes de uma clareza e dicção raras. O seu “L’Onore” foi perfeito e a sua entrevista a Renée Flemming no
intervalo foi hilariante!
Sir Ford foi
o barítono italiano Franco Vassallo. Tem uma voz com um timbre bonito e
adequado ao papel, sem que todavia seja transcendente. Ofereceu-nos uma boa
interpretação do “È sogno, o realtà?” e foi cenicamente convincente.
O tenor italiano
Paolo Fanale foi Fenton. O papel é relativamente pequeno, mas muito lírico.
O seu timbre é bonito e tem uma excelente presença em palco. Fez um bom par
amoroso com Nannetta e vocalmente esteve em bom nível no seu arioso “Dal labbro il canto estasiato vola”. O
meu único problema é que acho que Verdi “profetizou” a existência de Juan Diego
Florez com este papel...
O tenor italiano
Carlo Bosi foi Dr. Caius e esteve bem. O tenor americano Keith
Jameson foi Bardolfo, enquanto que o baixo americano Christian Van Horn foi foi Pistola. Gostámos igualmente de ambos,
tendo os dois funcionado muito bem cenicamente sendo as suas vozes de
qualidade.
Alice Ford
foi encarnada pelo soprano americano Angela Meade. Gostámos muito da sua
prestação. Tem um papel central na ópera e conseguiu sê-lo efetivamente, quer
ao nível da sua capacidade vocal, quer no campo da interpretação cénica.
O soprano
cubano-americano Lisette Oropesa foi Nanneta. Tem um timbre muito bonito
e agradável e esteve bem cenicamente. Projetou muito bem a voz, sempre com
agudos muito bem sustentados e melódicos. A sua “ária” “Sul fil d’un soffio etesio” foi óptima. Uma voz a estar atento.
Stephanie
Blythe, meio-soprano americano, foi Mrs. Quickly. Com o seu timbre grave,
escuro e cheio, foi uma Mrs. Quickly de enorme qualidade com um carácter muito
cómico. Contracenou muito bem com Falstaff quando surge na taberna para lhe dar
conta do “interesse” de Alice e de Meg Page no amor que Falstaff lhes
oferecera. “Reverenza!”...
Meg Page foi
interpretada pelo meio-soprano americano Jennifer Johnson. O papel
é praticamente irrelevante do ponto de vista vocal. Entre o quarteto de vozes
feminino não tem qualquer destaque individual, ao contrário das outras três
personagens. Ainda assim, esteve bem, conquanto não possamos fazer uma
apreciação muito concreta da sua voz.
Em suma, foi
uma récita de elevadíssima qualidade, o mais divertido momento do fim-de-semana
e a melhor maneira de celebrar o fim do ano do bicentenário do nascimento desse
mestre que foi e é Giuseppe Verdi.
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(Review in English)
Giuseppe Verdi was 80 years old when he debuted his last opera — Falstaff. Distinguished
Italian citizen, given his artistic and political life, the premiere of
Falstaff at La Scala in 1893 generated a huge expectation among critics and
opera lovers, not only for being Verdi, but also by his audaciousness. Would be
Verdi able to write a comic opera? In 1853, Un giorgno di regno — his
only comic opera he wrote shortly after the death of two children and wife —
was a massive failure. Since then, Verdi devoted himself to musical
transposition of what is feeling and being human and its tragedy, turning them
into tangible, experiential, credible and sublime art. Let us listen, as
finished examples of this art, Otello,
Don Carlo and La Traviata.
But the answer to the question we posed is: YES! And he did it with the
help of Arrigo Boito, the librettist
with whom he collaborated in Otello
and Un Ballo in Maschera. This was
based on the comedy The Merry Wives of Windsor by William Shakespeare.
The enthusiastic reception of Falstaff since its debut
reflects Verdi’s genius taken to the extreme. Falstaff is a symbiosis: the
perfect connection of the word with music. If some consider Falstaff the most
brilliant of Verdi’s operas, there are also others who do not appreciate it as such.
This is legitimate because not everything that is brilliant touches our soul.
But who hears this opera, even in a more somber mood day, will not fail to
smile. Simply because we exist. Falstaff is a bit of what are in ourselves of
desire, of the mere pursuit of sensory and pleasure, of what of us leaves
behind the honor (“Può l'onore riempirvi la pancia?
No./ (…)/ Che é dunque? Una parola.
Che c'é in questa parola? C'é dell'aria che vola”) to survive and be able to say, amid smiles, that “tutto nel mondo è burla. Ma ride ben chi
ride la risata final”.
The history of this opera is well known to lovers of opera or
Shakespeare, so we leave you the link to the program of this broadcast, and
another for an excellent contextualization text by Francisco Sasseti.
The production of Robert Carsen
is magnificent. He placed the action in the 50s. The curtain opens with
"immense Falstaff" befitting a huge bed. The second scene was
cleverly transported to a luxurious restaurant where, in separate tables, the merry
wifes engender a plan to plot Falstaff and Ford seeks revenge. The third scene
is housed in a distinctive British pub with allusions to hunting and even the
scent of the gloves isn’t forgotten after Falstaff go "Vado a farmi
bello" (Shakespeare's father was a glove maker). The fourth scene, past a
kitchen, is hilarious and ends with a soggy Ford, such was the amount of water
of the Thames, which came with the fall of this meteorite that was the English
knight. The fifth scene, at the doors of the inn, a filthy Falstaff sings to a
horse that is “riempia la pancia”. In
the last scene, in the gardens of Windsor, that are not lacking horns or a huge
long table (recurring element in Carsen) where Falstaff parades his apologies
and asks to save his abdomen ("Ahi !
Ahi ! Mi pento!" and "Ma
salvagli l' addomine"). The wardrobe, the sets and direction of actors
is stupendous. This production puts music to an even higher level and stays in
memory as generating moments of great comedy. A good production is... is this!
This was also the return to the internationality of the charismatic conductor
James Levine. Great admirer of this
opera, his joy was evident with the brilliance "his" orchestra
sounded. Buon auguri, Maestro!
Sir John Falstaff "is" Italian baritone Ambrogio Maestri. He was very scenic and interpretively compelling,
having fulfilled the requirements of his comic character even because of his
physical figure which is perfectly compatible with the description of Falstaff:
he is huge, and if merry wifes could approve the tax on fat they are talking
about in the opera to punish Falstaff, we have no doubt that he could not
escape. He has a voice with a beautiful, fresh and youthful timbre, where he
develops a stratospheric and bright treble with rare clarity and diction. His
"L' Onore" was perfect and
his interview with Renée Fleming was hilariouss!
Sir Ford was the Italian baritone Franco
Vassallo. He has a voice with a beautiful and timbre suited to the role,
without however transcendent. Offered us a good interpretation of "È sogno, o realtà?" and was
theatrically convincing.
The Italian tenor Paolo Fanale
was Fenton. The role is relatively small but very lyrical. His timbre is
beautiful and he has a great stage presence. Making a good loving couple with
Nannetta, he was vocally in good level in his arioso "Dal labbro il canto estasiato vola". My only problem is that I
think Verdi "prophesied " the existence of Juan Diego Florez with
this character...
The Italian tenor Carlo Bosi
was Dr. Caius and he did well. The American tenor Keith Jameson was Bardolfo, while American bass Christian Van Horn was Pistola. We
liked both equally, and the two worked very well theatrically and had quality
voices.
Alice Ford was incarnate by the American soprano Angela Meade. We very much enjoyed her performance. She plays a
central role in this opera and was so effectively, both in terms of her vocal
ability, whether in the field of scenic interpretation.
The Cuban-American soprano Lisette
Oropesa was Nanneta. She has a very beautiful and pleasant timbre and was
well theatrically. Designed to fine voice, always very well supported and
melodic treble. Her "aria" f” Sul fil d’un soffio etesio”. A voice to be
aware.
Stephanie Blythe, American mezzo-soprano, was Mrs. Quickly. With her serious, dark and
full timbre, Mrs. Quickly was one of great quality with a very comedic
character. Opposite nicely with Falstaff when she arrives to the tavern to give
account of the "interest" of Alice and Meg Page in Falstaff love.
"Reverenza!"...
Meg Page was interpreted by American mezzo-soprano Jennifer Johnson. The role is practically irrelevant from the point
of view voice. Among the quartet of female voices she does not have any
prominent individual moment, unlike the other three characters. Still, she was
good, although we cannot make a concrete assessment of her voice.
In short, it was a performance of very high quality, the most fun time
of the weekend and the best way to celebrate the end of the year of the
bicentenary of the birth of this master who was and is Giuseppe Verdi.
