DON GIOVANNI, Staatsoper Unter den Linden, Berlim / Berlin, Janeiro / January 2018

 (Review in English below)

Um fim de semana mozartiano que começou hoje na renovada Staatsoper Unter den Linden. As cadeiras estão com os estofos tensos (a completa antítese das do TNSC) e confortáveis, a sala continua imponente e o restante está com bom aspecto. Continuam é com a obrigatoriedade de deixar os casacos no bengaleiro o que, para pessoas como nós que vão à vontade, e principalmente nos meses de frio (a propósito, está um frio que não se pode e eu já não vinha à Europa Central em Janeiro há 5 anos pelo que o meu corpo já estava desabituado...) sobressai ainda mais esse à vontade, na sala que considero como a mais desconfortável e austera de sempre nesta questão de vestes. Contudo, ao meu lado direito e esquerdo, na 1ª fila da plateia, estavam 2 rapazes da minha idade ou pouco mais, de calças de ganga e camisola como eu.

Em busca de recordações antigas, o célebre (e repetidamente presente nas minhas escolhas do passado) Don Giovanni do Claus Guth valeu e bem ser vivido novamente. Começou um pouco “empastelado” mas a partir do La ci darem la mano explodiu para uma noite estrelar. A encenação é talvez a mais inovadora que se fez para o Don Giovanni e o Christopher Maltman, que penso ter sido desde Salzburgo em 2006, o único Don desta encenação nos sítios onde já esteve, foi genial. O homem vive cénica e vocalmente este Don na visão de Guth de forma arrepiante, sem falhas, sem descurar nenhum pormenor, fazendo-nos querer ver e continuar a ver, mais e mais.

Depois daquela horripilante Desdemona em Londres em Julho, Dorothea Roschmann voltou ao compositor que a lançou e para o qual a sua voz mais se enquadra, oferecendo uma Donna Elvira apaixonantemente completa. Maria Bengtsson, a qual sempre ouvi apenas no papel de Donna Anna, tem a qualidade ímpar de conseguir cantar o papel sem excessos, sem gritos, na intensidade perfeita, atingindo com facilidade todas as notas e oferecendo um lirismo celestial na última ária.

Se ainda melhor se podia pedir, eis que aparece a Anna Prohaska que sempre foi excelente mas que hoje pareceu ainda melhor. Adoro-a neste papel de Zerlina! Atrevo-me a escolher as suas árias e a final da Donna Anna como o que gostaria de ouvir de novo (e de novo, e de novo) se pudesse rebobinar a récita... Mikhail Petrenko foi uma surpresa para mim. Não me convenceu no início (italiano que parecia com sotaque serrado russo, actuação cénica pouco cuidada) mas a sua evolução durante a ópera foi surpreendente, num dos papéis mais difíceis de interpretar convincentemente na História da Ópera - Leporello. O Don Ottavio do Paolo Fanale foi inconstante, agudos em esforço e perdendo qualidade de timbre, embora seja bem apessoado. Masetto excelente e o Comendador podia ser um bocadinho mais cavernoso mas cumpriu bem.

Texto de wagner_fanatic

DON GIOVANNI, Staatsoper Unter den Linden, Berlin, January 2018

A Mozartian weekend that started today in the renewed Staatsoper Unter den Linden. The chairs are in tense upholstery (the complete antithesis of the Teatro São Carlos) and comfortable, the room remains stately and the rest look good. It is still with the obligation to leave the coats in the cloakroom, which for people like us who go dressed casually, and especially in the cold months (by the way, it is an unbearable cold and I did not come to Central Europe in January in the last five years, my body was already unused...) stands out even more at ease, in the room that I consider to be the most uncomfortable and austere ever in this matter of code dress. However, on my right and left side, in the first row of the audience, were two boys of my age in jeans and a sweater like me.

In search of ancient memories, the celebrated (and repeatedly present in my choices of the past) Don Giovanni by Claus Guth was worth be lived again. It started out a bit "jammed" but from the La ci darem la mano exploded for a starry night. The staging is perhaps the most innovative for Don Giovanni and Christopher Maltman, who I think has been since Salzburg in 2006, the only Don of this staging where he has been, was great. He lives scenic and vocally this Don in Guth's vision in a chilling, flawless way, without neglecting any detail, making us want to see and continue to see, more and more.

After that horrifying Desdemona in London in July, Dorothea Roschmann returned to the composer who launched her and to which her voice most fits, offering a passionately complete Donna Elvira. Maria Bengtsson, whom I have always heard in the role of Donna Anna, has the unique quality of being able to sing the role without excess, without shouting, in the perfect intensity, easily reaching all the notes and offering a celestial lyricism in the last aria.

If we could expect better, Anna Prohaska appeared, which was always excellent but today seemed even better. I love her in this role of Zerlina! I dare to choose her arias and the Donna Anna final as what I would like to hear again (and again, and again) if I could rewind the performance ... Mikhail Petrenko was a surprise to me. He did not convince me at first (Italian that looked like Russian accent, little care of scenic acting) but his evolution during the opera was surprising, in one of the most difficult roles to interpret convincingly in the History of Opera - Leporello. Paolo Fanale's Don Ottavio was inconsistent, keen on effort and losing timbre quality, although he is very personable. Excellent Masetto and the Commander could be a bit more cavernous but he did well.

Text by wagner_fanatic

GIANNI SCHICCHI, Royal Opera House, Londres, Fevereiro de 2016 /February 2016

A ópera Gianni Schicchi  de G. Puccini concluiu Il Trittico. Foi mais uma encenação fabulosa de Richard Jones para uma ópera que também não conto entre as minhas favoritas. Mas numa produção como esta, é absolutamente irresistível. De entre as óperas cómicas que já vi esta encenação foi, talvez, a mais bem conseguida. Mais uma vez, tudo o que está em palco é faz sentido e é engraçado. O guarda-roupa é também engraçadíssimo.

A casa do abastado e moribundo Buoso Donati está revestida de papel de parede florido e está mobilada num estilo “latino” e desarrumado. A sua numerosa família aguarda a morte que acontece logo no início. A encenação é muito bem conseguida e os momentos de comicidade sucedem-se continuamente, sem nunca resvalar para o gratuito nem para o ordinário. São muitas as situações verdadeiramente hilariantes, como a procura do testamento, a visita do médico, o relato do novo testamento, o comportamento das crianças e reacção dos pais e a postura de Gianni Schicchi.

Lucio Gallo, barítono italiano, foi um Gianni Schicchi muito engraçado, fazendo justiça à personagem. A voz foi sempre bem audível, esteve afinado e conseguiu imprimir a comicidade e astúcia que o papel exige. Foi o melhor em cena.

Rinuccio foi interpretado pelo tenor italiano Paolo Fanale. Esteve bem cenicamente, mas a voz é pequena e, em comparação com os colegas, a diferença foi marcada. Frequentemente deixou-se abafar pela orquestra e quando se ouvia, era sempre em esforço nas notas mais agudas, que saiam sem brilho.

Lauretta foi interpretada pela soprano inglesa Susanna Hurrell. A voz é bonita mas idêntica a tantas outras. Cantou bem a aria O mio babbino caro, uma das mais belas escritas por Puccini e pouco mais fez, mas o papel é mesmo assim.

Foram também participantes com qualidade homogénea outros cantores, incluindo Gwynne Howell, Elena Zilio, Jeremy White, Marie McLaughlin, David Kempster, Carlo Bosi e Rebecca Evans.

Um final em beleza de mais uma noite inesquecível na Royal Opera de Londres.

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Gianni Schicchi, Royal Opera House, London, February 2016

The opera Gianni Schicchi by G. Puccini completed Il Trittico. It was another fabulous staging of Richard Jones for an opera that I do not include in my favorites. But in a production like this, it is absolutely irresistible. Among all the comic operas I've seen so far, this staging was perhaps the best achieved. Again, everything on stage is makes sense and is funny. The clothes of the performers are also a must.

The house of the rich and dying Buoso Donati is lined with flowered wallpaper and is furnished in a "Latin" and messy style. His large family awaits his death that happens early on. The staging is very good and the moments of comedy happen continuously, without ever sliding into the vulgar. There are many truly hilarious situations, as the demand of the will, the doctor's visit, the writing of the new testament, the behavior of the children and their parents and the attitude of Gianni Schicchi.

Lucio Gallo, Italian baritone, was a very funny Gianni Schicchi. The voice was always very audible and tuned, and he managed to show the comic and cunning characteristics required. He was the best on stage.

Rinuccio was interpreted by Italian tenor Paolo Fanale. He was well on stage, but the voice was small and, in comparison with the other soloists, the difference was marked. Often he was submerged by the orchestra, and he sang always in effort the top notes, that were not beautiful.

Lauretta was interpreted by English soprano Susanna Hurrell. The voice is beautiful but identical to many others. She sang well the aria O mio babbino caro, one of the most beautiful written by Puccini, and it was it, but the character is just like that.

The other singers were also very good, including Gwynne Howell, Elena Zilio, Jeremy White, Marie McLaughlin, David Kempster, Carlo Bosi and Rebecca Evans.

A beautiful ending of another unforgettable evening at the Royal Opera in London.

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FALSTAFF de G. Verdi — Met Live in HD, Culturgest, 15.12.2013

(Review in English below)

Giuseppe Verdi tinha 80 anos quando estreou a sua última ópera — Falstaff. Cidadão italiano distinto, dado o seu percurso artístico e político, a estreia de Falstaff em 1893 no Scala gerou uma enorme expectativa entre os críticos e amantes da ópera, não só por ser Verdi, mas pela sua ousadia. Seria Verdi capaz de escrever uma ópera cómica? Em 1853, Un giorgno de regno — a única ópera cómica que Verdi escreveu pouco depois da morte de dois filhos e da esposa — foi um massivo fracasso. Desde aí, Verdi dedicou-se à transposição musical do sentir e ser-se humano e da sua tragédia, transformando-as em arte tangível, vivencial, credível e a puxar ao sublime. Oiçamos, como exemplos acabados dessa arte, Otello, Don Carlo ou La Traviata.

Mas a resposta à pergunta que colocámos é: SIM! E fê-lo com o contributo de Arrigo Boito, libretista com quem já colaborara em Otello e em Un Ballo in Maschera. Este baseou-se na comédia As Alegres Comadres de Windsor de William Shakespeare.

A recepção entusiástica de Falstaff desde a sua estreia espelha o génio levado ao extremo de Verdi. Falstaff é uma simbiose: a perfeita ligação da palavra com a música. Se há quem considere Falstaff a mais genial ópera de Verdi, outros há também quem não a apreciam de tal forma. O que é legítimo, pois nem tudo o que é genial nos toca a alma. Mas quem oiça esta ópera, mesmo que num dia de humor mais sombrio, não deixará de esboçar um sorriso. Para isso, basta existir. É que Falstaff é um pouco do que há em todos nós de desejo, da mera busca do sensório e do prazer, que deixa para trás a honra (“Può l'onore riempirvi la pancia? 
No./ (…)/ Che é dunque? Una parola. 
Che c'é in questa parola? C'é dell'aria che vola”) para sobreviver e poder dizer, por entre sorrisos, que “tutto nel mondo è burla. Ma ride ben chi ride la risata final”.

A história da ópera é conhecida dos amantes da ópera, ou de Shakespeare, pelo que vos deixamos o link para o programa de sala desta transmissão, e outro para um excelente texto de contextualização de FranciscoSasseti.

A produção de Robert Carsen é magnífica. Coloca a acção nos anos 50. O pano abre com o “imenso Falstaff” numa condizente imensa cama. A segunda cena foi inteligentemente transportada para um luxuoso restaurante onde, em mesas distintas, as comadres engendram um plano para tramar Falstaff e Ford procura vingança.

A terceira cena é alojada num distinto bar britânico com alusões à caça e nem o perfume das luvas é esquecido depois de Falstaff ir “Vado a farmi bello” (o pai de Shakespeare era um fabricante de luvas).

A quarta cena, passada numa cozinha, é hilariante e termina com Ford encharcado, tal foi a quantidade de água do Tamisa que se elevou com a queda desse meteorito que era o cavaleiro inglês. A quinta cena, às portas da hospedaria, é um estábulo onde um imundo Falstaff canta para um cavalo que riempia la pancia.

À última cena, nos jardins de Windsor, não faltam enormes cornos ou a mesa comprida (elemento recorrente em Carsen) onde Falstaff desfila as suas desculpas e pede que lhe salvem o abdómen (“Ahi! Ahi! mi pento!” e “Ma salvagli l'addomine”). O guarda roupa, os cenários e a direcção de actores é estupenda. Esta encenação coloca a música num patamar ainda mais elevado e fica na memória como geradora de excelentes momentos de comicidade. Uma boa encenação é... é isto!

Este foi também o regresso à internacionalidade do carismático maestro James Levine. Admirador profundo desta ópera, a sua alegria foi bem notória no brilhantismo com que fez soar a “sua” orquestra. Buon auguri, Maestro!

Sir John Falstaff “é” o barítono italiano Ambrogio Maestri. Foi cénica e interpretativamente muito convincente, tendo cumprido as exigências cómicas da sua personagem até pela sua figura física que é perfeitamente compatível com a descrição de Falstaff: é enorme e, se as Alegres Comadres conseguissem aprovar o imposto sobre a gordura de que falam na ópera para castigar Falstaff, não temos dúvidas de que não lhe conseguiria fugir. Tem uma voz com um timbre lindíssimo, fresco e jovial, onde se desenvolvem uns agudos estratosféricos e brilhantes de uma clareza e dicção raras. O seu “L’Onore” foi perfeito e a sua entrevista a Renée Flemming no intervalo foi hilariante!

Sir Ford foi o barítono italiano Franco Vassallo. Tem uma voz com um timbre bonito e adequado ao papel, sem que todavia seja transcendente. Ofereceu-nos uma boa interpretação do “È sogno, o realtà?” e foi cenicamente convincente.

O tenor italiano Paolo Fanale foi Fenton. O papel é relativamente pequeno, mas muito lírico. O seu timbre é bonito e tem uma excelente presença em palco. Fez um bom par amoroso com Nannetta e vocalmente esteve em bom nível no seu arioso “Dal labbro il canto estasiato vola”. O meu único problema é que acho que Verdi “profetizou” a existência de Juan Diego Florez com este papel...

O tenor italiano Carlo Bosi foi Dr. Caius e esteve bem. O tenor americano Keith Jameson foi Bardolfo, enquanto que o baixo americano Christian Van Horn foi foi Pistola. Gostámos igualmente de ambos, tendo os dois funcionado muito bem cenicamente sendo as suas vozes de qualidade.

Alice Ford foi encarnada pelo soprano americano Angela Meade. Gostámos muito da sua prestação. Tem um papel central na ópera e conseguiu sê-lo efetivamente, quer ao nível da sua capacidade vocal, quer no campo da interpretação cénica.

O soprano cubano-americano Lisette Oropesa foi Nanneta. Tem um timbre muito bonito e agradável e esteve bem cenicamente. Projetou muito bem a voz, sempre com agudos muito bem sustentados e melódicos. A sua “ária” “Sul fil d’un soffio etesio” foi óptima. Uma voz a estar atento.

Stephanie Blythe, meio-soprano americano, foi Mrs. Quickly. Com o seu timbre grave, escuro e cheio, foi uma Mrs. Quickly de enorme qualidade com um carácter muito cómico. Contracenou muito bem com Falstaff quando surge na taberna para lhe dar conta do “interesse” de Alice e de Meg Page no amor que Falstaff lhes oferecera. “Reverenza!”...

Meg Page foi interpretada pelo meio-soprano americano Jennifer Johnson. O papel é praticamente irrelevante do ponto de vista vocal. Entre o quarteto de vozes feminino não tem qualquer destaque individual, ao contrário das outras três personagens. Ainda assim, esteve bem, conquanto não possamos fazer uma apreciação muito concreta da sua voz.

Em suma, foi uma récita de elevadíssima qualidade, o mais divertido momento do fim-de-semana e a melhor maneira de celebrar o fim do ano do bicentenário do nascimento desse mestre que foi e é Giuseppe Verdi.

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(Review in English)

Giuseppe Verdi was 80 years old when he debuted his last opera — Falstaff. Distinguished Italian citizen, given his artistic and political life, the premiere of Falstaff at La Scala in 1893 generated a huge expectation among critics and opera lovers, not only for being Verdi, but also by his audaciousness. Would be Verdi able to write a comic opera? In 1853, Un giorgno di regno — his only comic opera he wrote shortly after the death of two children and wife — was a massive failure. Since then, Verdi devoted himself to musical transposition of what is feeling and being human and its tragedy, turning them into tangible, experiential, credible and sublime art. Let us listen, as finished examples of this art, Otello, Don Carlo and La Traviata.

But the answer to the question we posed is: YES! And he did it with the help of Arrigo Boito, the librettist with whom he collaborated in Otello and Un Ballo in Maschera. This was based on the comedy The Merry Wives of Windsor by William Shakespeare.

The enthusiastic reception of Falstaff since its debut reflects Verdi’s genius taken to the extreme. Falstaff is a symbiosis: the perfect connection of the word with music. If some consider Falstaff the most brilliant of Verdi’s operas, there are also others who do not appreciate it as such. This is legitimate because not everything that is brilliant touches our soul. But who hears this opera, even in a more somber mood day, will not fail to smile. Simply because we exist. Falstaff is a bit of what are in ourselves of desire, of the mere pursuit of sensory and pleasure, of what of us leaves behind the honor (“Può l'onore riempirvi la pancia? 
No./ (…)/ Che é dunque? Una parola. 
Che c'é in questa parola? C'é dell'aria che vola”) to survive and be able to say, amid smiles, that “tutto nel mondo è burla. Ma ride ben chi ride la risata final”.

The history of this opera is well known to lovers of opera or Shakespeare, so we leave you the link to the program of this broadcast, and another for an excellent contextualization text by Francisco Sasseti.

The production of Robert Carsen is magnificent. He placed the action in the 50s. The curtain opens with "immense Falstaff" befitting a huge bed. The second scene was cleverly transported to a luxurious restaurant where, in separate tables, the merry wifes engender a plan to plot Falstaff and Ford seeks revenge. The third scene is housed in a distinctive British pub with allusions to hunting and even the scent of the gloves isn’t forgotten after Falstaff go "Vado a farmi bello" (Shakespeare's father was a glove maker). The fourth scene, past a kitchen, is hilarious and ends with a soggy Ford, such was the amount of water of the Thames, which came with the fall of this meteorite that was the English knight. The fifth scene, at the doors of the inn, a filthy Falstaff sings to a horse that is “riempia la pancia”. In the last scene, in the gardens of Windsor, that are not lacking horns or a huge long table (recurring element in Carsen) where Falstaff parades his apologies and asks to save his abdomen ("Ahi ! Ahi ! Mi pento!" and "Ma salvagli l' addomine"). The wardrobe, the sets and direction of actors is stupendous. This production puts music to an even higher level and stays in memory as generating moments of great comedy. A good production is... is this!

This was also the return to the internationality of the charismatic conductor James Levine. Great admirer of this opera, his joy was evident with the brilliance "his" orchestra sounded. Buon auguri, Maestro!

Sir John Falstaff "is" Italian baritone Ambrogio Maestri. He was very scenic and interpretively compelling, having fulfilled the requirements of his comic character even because of his physical figure which is perfectly compatible with the description of Falstaff: he is huge, and if merry wifes could approve the tax on fat they are talking about in the opera to punish Falstaff, we have no doubt that he could not escape. He has a voice with a beautiful, fresh and youthful timbre, where he develops a stratospheric and bright treble with rare clarity and diction. His "L' Onore" was perfect and his interview with Renée Fleming was hilariouss!

Sir Ford was the Italian baritone Franco Vassallo. He has a voice with a beautiful and timbre suited to the role, without however transcendent. Offered us a good interpretation of "È sogno, o realtà?" and was theatrically convincing.

The Italian tenor Paolo Fanale was Fenton. The role is relatively small but very lyrical. His timbre is beautiful and he has a great stage presence. Making a good loving couple with Nannetta, he was vocally in good level in his arioso "Dal labbro il canto estasiato vola". My only problem is that I think Verdi "prophesied " the existence of Juan Diego Florez with this character...

The Italian tenor Carlo Bosi was Dr. Caius and he did well. The American tenor Keith Jameson was Bardolfo, while American bass Christian Van Horn was Pistola. We liked both equally, and the two worked very well theatrically and had quality voices.

Alice Ford was incarnate by the American soprano Angela Meade. We very much enjoyed her performance. She plays a central role in this opera and was so effectively, both in terms of her vocal ability, whether in the field of scenic interpretation.

The Cuban-American soprano Lisette Oropesa was Nanneta. She has a very beautiful and pleasant timbre and was well theatrically. Designed to fine voice, always very well supported and melodic treble. Her "aria" f” Sul fil d’un soffio etesio”. A voice to be aware.

Stephanie Blythe, American mezzo-soprano, was Mrs. Quickly. With her serious, dark and full timbre, Mrs. Quickly was one of great quality with a very comedic character. Opposite nicely with Falstaff when she arrives to the tavern to give account of the "interest" of Alice and Meg Page in Falstaff love. "Reverenza!"...

Meg Page was interpreted by American mezzo-soprano Jennifer Johnson. The role is practically irrelevant from the point of view voice. Among the quartet of female voices she does not have any prominent individual moment, unlike the other three characters. Still, she was good, although we cannot make a concrete assessment of her voice.

In short, it was a performance of very high quality, the most fun time of the weekend and the best way to celebrate the end of the year of the bicentenary of the birth of this master who was and is Giuseppe Verdi.