Roberto Alagna e Aleksandra Kurzak, Viena, Abril / April 2018

Para os admiradores vão algumas fotografias do casal Alagna & Kurzak que, depois de uma bela récita da Turandot em Viena, se dispuseram a falar com admiradores e a autografar programas e fotografias na stage door da Wiener Staatsoper.

For the admirers here are some photographs of the couple Alagna & Kurzak who, after a great performance of the Turandot in Vienna, were willing to talk to admirers and autograph programs and photographs at the stage door of the Wiener Staatsoper.

I CAPULETI E I MONTECCHI, Teatro de São Carlos, Lisboa, Abril 2018

(review in English below)

O famoso amor trágico de Romeu e Julieta é retratado nesta opera de belcanto, I Capuleti e i Montecchi, com música do jovem Vicenzo Bellini e libretto de Felice Romani inspirado numa história da Renascença. É uma obra de profundo lirismo e grande intensidade dramática, marcada pela história de um amor trágico e atravessada pela tristeza e pela morte. Um deleite para os apreciadores do belcanto, é uma ópera repleta de árias e duetos dos dois amantes, de uma beleza melódica assinalável.

A encenação de Arnaud Bernard (cenografia de Alessandro Camera e figurinos de Carla Ricotti), originalmente concebida para o Teatro La Fenice e para a Arena de Verona é sóbria, clássica e vistosa. Num museu / galeria de arte, as personagens dos quadros ganham vida. É uma abordagem frequente dos encenadores, que nada tem de original, mas visualmente é agradável e serve os propósitos da ópera. Foi bem melhor do que a muito badalada encenação que vi em Munique, como relatei aqui.

Logo no início da ópera, os Capuleti ganham vida a partir de um quadro guardado numa arrecadação do museu. O pessoal do museu muda alguns dos quadros de local, faz arranjos e limpezas, mas mantém-se a estratégia do encenador. A cena da morte de Romeu e Julieta decorre numa mesa, mas funciona e o quadro final da ópera é de uma beleza plástica assinalável.

Se a encenação foi um dos pontos fortes do espectáculo, houve um pouco de tudo, desde o muito mau ao muito bom.

A Orquestra Sinfónica Portuguesa, dirigida por Giampaolo Bisanti, não esteve bem, com excepção do belíssimo desempenho de Carmen Cardeal na harpa. O coro do Teatro Nacional de São Carlos esteve muito mal, com desencontros e desafinações constantes, fatais numa obra de belcanto.

Nos solistas principais, a mezzo Alessandra Volpe fez um Romeu vocalmente bom, o timbre é interessante e a cantora fez-se ouvir sempre sobre a orquestra. A Julieta da soprano Mihaela Marcu também foi decente, embora a cantora tivesse alguma tendência para a estridência e lhe faltasse a doçura que o papel exige.

O Tebaldo do tenor Davide Giusti foi muito mau, quase sempre desafinado, voz feia e sem cor. Um dos piores tenores que se ouviu recentemente em São Carlos.

Os melhores da noite foram os barítonos Luís Rodrigues como Capellio e Christian Luján como Lorenzo, que se destacou tanto na interpretação vocal como cénica.

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I CAPULETI E I MONTECCHI, Teatro de São Carlos, Lisbon, April 2018

The famous tragic love of Romeo and Juliet is portrayed in this belcanto opera, I Capuleti e i Montecchi, with music by the young Vicenzo Bellini and libretto by Felice Romani inspired by a Renaissance story. It is a work of profound lyricism and great dramatic intensity, marked by the history of a tragic love and crossed by sadness and death. A delight for lovers of belcanto, it is an opera full of arias and duets of the two lovers, with remarkable melodic beauty.

The staging of Arnaud Bernard (set design by Alessandro Camera and costumes by Carla Ricotti) originally conceived for the La Fenice Theater and for the Verona Arena is sober, classic and pleasant. In a museum / art gallery, the characters in the pictures come to life. It is a frequent approach of the directors, which has nothing original, but is visually pleasant and serves the purposes of opera. It was much better than the much-hyped staging I saw in Munich, as I have reported here.

At the beginning of the opera, the Capuleti come to life from a painting in a museum collection. The museum staff changes some of the paintings, makes arrangements and cleanups, but the director's strategy remains. The final scene of the death of Romeo and Juliet takes place at a table in the museum, but it works and the final picture of the opera is of remarkable plastic beauty.

If the staging was one of the performance's strengths, there was a bit of everything from the very bad to the very good.

The Portuguese Symphony Orchestra, directed by Giampaolo Bisanti, was not well, except for the beautiful performance of Carmen Cardinal in the harp. The Chorus of the National Theater of São Carlos was very bad, with dissonances and constant mistakes, fatal in a belcanto opera.

Considering the main soloists, mezzo Alessandra Volpe was a vocally good Romeo, the timbre is interesting and the singer always made herself heard over the orchestra. Juliet of soprano Mihaela Marcu was also decent, although the singer had a tendency to stridency and lacked the sweetness that the role demands.

Tenor Davide Giusti was very bad as Tebaldo, almost always out of tune, with an ugly, colorless voice. One of the worst tenors recently heard in São Carlos Theater.

The best of the night were baritones Luís Rodrigues as Capellio and Christian Luján as Lorenzo, who excelled in both vocal and scenic performance.

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PARSIFAL, METropolitan Opera, Fevereiro / February 2018

(review in English below)

A ópera Parsifal de R. Wagner esteve em cena na Metropolitan Opera, na encenação de François Girard. É um espectáculo de grande impacto visual, embora sujeito a várias interpretações.

No primeiro acto o palco está despido, escuro, agreste e é atravessado a meio por um curso de água que, no final, se transforma em sangue. Ao fundo há projecção constante de imagens de nuvens, superfícies arenosas ou grandes esferas, aspecto que se manterá até ao final da ópera. Os cavaleiros do Graal aparecem de fato moderno, despem o casaco e descalçam-se, assim permanecendo todo o acto, ora em pé ou sentados em círculo, na metade esquerda do palco. A direita é ocupada pelas mulheres, de negro. É lá que está sempre a Kundry. A lança, o cálice e o cisne morto pelo Parsifal aparecem.

No segundo acto, no castelo enfeitiçado do Klingsor, tudo se passa numa piscina de sangue, para grande desconforto dos cantores, imagino. As mulheres-flor, com as lanças, estão vestidas com uma túnica branca que vai ficando ensanguentada. A meio entra uma cama, onde a Kundry também tenta, em vão, seduzir o Parsifal.

No terceiro acto o cenário e idêntico ao primeiro, mas a paisagem ainda está mais devastada, num período pós-apocalíptico. Começa com um enterro e há várias sepulturas recentes espalhadas pelo cenário. O Parsifal chega vergado e coberto com um pano negro, apenas empunhando a lança. Todos estão muito envelhecidos. Gurnemanz e a Kundry lavam os pés ao Parsifal, ele cura a ferida de Amfortas com a lança e é a própria Kundry que retira o cálice sagrado antes de morrer. Enquanto o Parsifal levanta o cálice, quase desaparece a marca que divide o palco a meio desde o início. Homens e mulheres misturam-se vestidos de branco e de igual e pela primeira vez. Mesmo ao cair do pano, levantam-se duas personagens, o Amfortas e uma mulher vestida de negro. É uma encenação visualmente marcante que deixa muitas interpretações em aberto.

O canadiano e futuro maestro titular da Metropolitan Opera Yannick Nézet-Séguin ofereceu-nos uma interpretação magnífica da obra, maioritariamente com tempos longos e suaves, alternados com sonoridades violentas e a orquestra no seu máximo esplendor, sobretudo no 2º acto. Os coros extra palco foram outra mais valia marcante.

Mas muito mais importante que a encenação, é a interpretação musical e vocal que garantem o sucesso do Parsifal e ele foi totalmente conseguido com os solistas escolhidos.

O baixo alemão René Pape é o Gurnemanz de referencia, tantas vezes já interpretou o papel. É o narrador da peça, tem uma voz imponente, profunda e bonita, e manteve a qualidade interpretativa ao longo de toda a ópera, tendo sido fabuloso no 3º acto.

O Amfortas foi magistralmente interpretado pelo barítono sueco Peter Mattei. Foi a imagem do sofrimento dilacerante (muito ajudado pela encenação), transmitiu em pleno na potentíssima interpretação vocal o desespero e dor que sofria pela ferida incurável que lhe foi infringida pela lança sagrada que deveria proteger quando, seduzido pela Kundry, entrou no reino do Klingsor. Absolutamente fantástico.

A Kundry da soprano alemã Evelyn Herlitzius foi cenicamente perfeita. A voz é grande, sempre sobre a orquestra, mas agreste no registo mais agudo e, ocasionalmente, tem um vibrato excessivo.

O tenor alemão Klaus Florian Vogt foi um Parsifal irrepreensível. Tem uma voz de timbre muito claro, perfeitamente adaptado à personagem de jovem tolo. Sei que esta minha opinião não é partilhada por muitos, nomeadamente alguns amigos que escrevem neste blogue. Para além da beleza tímbrica e da clareza da emissão, o que mais me impressiona é a delicadeza vocal e facilidade com que Vogt canta, nunca aparentando o mínimo esforço, sendo sempre audível sobre a orquestra, mesmo nos momentos mais introspectivos, imprimindo-lhes uma emoção arrepiante. Mas também usa a voz em forte sempre que necessário e o seu Amfortas! Die Wunde!  foi exemplar. Um espanto!

O Klingsor foi também interpretado ao mais alto nível pelo baixo barítono russo Evgeny Nikiyin. O cantor tem uma voz muito bonita e bem colocada, que se ouviu sempre sobre a orquestra. Vestiu na perfeição a personagem malévola da ópera e a confrontação com a Kundry foi marcante.

Um espectáculo de invulgar qualidade.

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PARSIFAL, METropolitan Opera, February 2018

The opera Parsifal by R. Wagner was on stage at the Metropolitan Opera, in the staging of François Girard. It is a show of great visual impact, although subject to several interpretations.

In the first act the stage is empty, dark, and is crossed in the middle by a course of water that, in the end, turns into blood. In the background there is a constant projection of images of clouds, sandy surfaces or large spheres, an aspect that will remain until the end of the opera. The Knights of the Grail appear in modern dresses, strip off their cloaks and take off their shoes, thus remaining the whole act, standing or sitting in a circle on the left half of the stage. The right half is occupied by women in black. It is there that is Kundry. The spear, the chalice and the swan killed by the Parsifal appear.

In the second act, in the bewitched castle of Klingsor, everything happens in a pool of blood, to the great discomfort of the singers, I imagine. The flower women, with the spears, are dressed in white tunics that get bloody. In the middle enters a bed, where Kundry also tries, in vain, to seduce Parsifal.

In the third act the scene is identical to the first, but the landscape is still more devastated in a post-apocalyptic like period. It begins with a funeral and there are several recent graves scattered around the scene. Parsifal arrives bent and covered with a black cloth, just holding the spear. Everyone is much older. Gurnemanz and Kundry wash the feet of Parsifal, he heals the wound of Amfortas with the spear, and it is Kundry herself who handles the sacred chalice before dying. As Parsifal raises the chalice, the mark that divides the stage in half from the beginning almost disappears. Men and women mix up dressed both in white for the first time. Just at the fall of the curtain, two characters stand up, Amfortas and a woman dressed in black. It is a visually striking staging that leaves many interpretations open.

Canadian and future director maestro of the Metropolitan Opera Yannick Nézet-Séguin offered us a magnificent interpretation of the work, mostly with long and smooth tempi alternated with violent sounds and the orchestra in its maximum splendor, especially in the 2nd act. The extra stage choirs were another remarkable asset.

But much more important than the staging, it is the musical and vocal interpretation that guarantee the success of Parsifal and it was totally achieved with the chosen soloists.

German bass René Pape is the reference Gurnemanz, so many times has played the role. He is the narrator of the opera, maintains an imposing voice, deep and beautiful, and maintained the interpretive quality throughout the performance, having been fabulous in the 3rd act.

Amfortas was masterfully performed by Swedish baritone Peter Mattei. He was the image of the painful suffering (much aided by the staging), transmitted in full in the most powerful vocal interpretation of the despair and pain that he suffered from the incurable wound that was inflicted on him by the sacred spear he was to protect when, seduced by Kundry, he entered the kingdom of Klingsor. Absolutely fantastic.

Kundry by the German soprano Evelyn Herlitzius was blissfully perfect. The voice is large, always over the orchestra, but rough in the highest pitched and occasionally has an excessive vibrato.

German tenor Klaus Florian Vogt was an irreproachable Parsifal. He has a very clear tone voice, perfectly adapted to the character of a young fool. I know that my opinion is not shared by others, especially some friends who write on this blog. Beyond the timbre's beauty and the clarity of the singing, what strikes me most is the vocal delicacy and ease with which Vogt sings, never seeming the least effort, being always audible over the orchestra, even in the most introspective moments, giving them a creepy emotion. But he also uses the strong voice whenever necessary and his Amfortas! Die Wunde! was paradigmatic. An astonishment!

Klingsor was also performed at the highest level by Russian bass baritone Evgeny Nikiyin. The singer has a very beautiful and powerful voice, which has always been heard over the orchestra. He interpreted perfectly the malevolent character of the opera and the dialogue with Kundry was remarkable.

A performance of unusual quality.

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