ARMIDA – METropolitan OPERA, Nova Iorque, Março de 2011

(review im English below)

Foi com grande satisfação que tive oportunidade de voltar ao Met, onde pude assistir a três espectáculos de ópera (Roméo et Juliette, Lucia di Lammermoor e Armida) em três dias consecutivos.

Das três darei opinião neste espaço. Começo pela Armida, que o Alberto Velez Grilo também viu e sobre a qual escreveu uma excelente crítica no seu blogue Outras Escritas. Guardarei o texto sobre a Lucia di Lammermoor para depois da apresentação da ópera na Gulbenkian (Met Live no próximo Sábado) pois estou com curiosidade em comparar as duas formas tão distintas de assistir ao espectáculo.

Armida é uma ópera de G. Rossini com libretto de Giovanni Schmidt, baseada no poema épico Gerusalemme Liberata de Torquato Tasso. Conta a história de uma princesa árabe de Damasco, Armida, que se apaixona por um cruzado cristão, Rinaldo, que tenta seduzir através dos seus poderes mágicos e, assim, neutralizar os cruzados. Mas, depois de o seduzir num mundo ilusório de prazer, é por ele abandonada, destruindo o palácio do prazer e desaparecendo.

A encenação, de Mary Zimmerman, tem partes interessantes, como o início num oásis perto de Jerusalém onde o palco é rodeado por muros de pedra e, por detrás deles, se vê um templo. Mas outras são algo bizarras, sobretudo o palácio do prazer de Armida no 2º acto em que aparecem, entre outras, criaturas masculinas vestidas de diabos com cornos, rabo comprido e tutus. Não percebi se a intenção da encenadora era ridicularizar a situação ou tentar colocá-la num mundo de magia com algumas originalidades de gosto discutível. Este acto é dominado por um bailado que dura quase meia hora e não acrescenta nada de significativo ao espectáculo, mas aqui a culpa não é da encenadora. O início do 3º acto, no jardim encantado de Armida, com um campo de papoilas de belo efeito cénico, também não se revelou tão interessante quanto a primeira impressão sugeria.

O maestro Riccardo Frizza, especialista em Rossini, foi eficaz mas não encantou. A orquestra do Met esteve, como sempre, em grande nível e o Coro também merece uma palavra de grande apreço, dada a sua excelente interpretação.

O difícil papel de Armida, personagem principal da ópera, é um verdadeiro tour de force para a intérprete que, ao longo da récita, passa por períodos de felicidade, sedução, paixão, ódio e desespero. Foi interpretado pelo soprano americano Renée Fleming. É uma cantora por quem tenho enorme respeito, pois já me proporcionou momentos interpretativos inesquecíveis. Tem um timbre único e uma voz cremosa de grande beleza (o termo não é meu mas parece-me muito bem aplicado). Contudo, não é uma cantora “rossiniana” e isso foi muito evidente na récita. A coloratura, essencial em Rossini, não existiu e, como já havia referido há tempos quando a ouvi na Traviata, acho que iniciou a fase de declínio vocal. A ária mais famosa da ópera, D’amore al dolce impero, no 2º acto, não foi interpretada como um trecho de belcanto. Achei que a voz, mantendo a beleza, foi pequena, teve pouca agilidade (essencial em Rossini) e revelou falta de força. Artisticamente, contudo, continua a ter uma boa presença em palco.

Lawrence Brownlee, tenor americano de timbre claro, foi Rinaldo, o melhor cantor da récita. A voz lírica é de uma beleza notável e, este sim, capaz de uma coloratura adequada a Rossini, aparentemente alcançada sem esforço e recheada de notas agudas de grande qualidade. Vocalmente transmitiu as diferentes emoções da personagem, embora lhe faltasse a força em algumas passagens. Artisticamente, não teve um bom desempenho. Mas a sua ária de remorso, a solo no 3º acto, foi o momento alto da noite.

Em papeis menores (de cruzados) mas significativos ouviram-se mais quatro tenores:
Goffredo, um comandante das forças cristãs interpretado pelo americano John Osborn. Esteve bem, sem encantar. A voz é de timbre claro e os agudos fáceis e quase sempre audíveis.

Gernando que só canta no 1º acto, foi o italiano Antonino Siragusa, que mal se ouviu.

Carlo, que canta só no 3º acto, foi o inglês Barry Banks. Fez-se ouvir bem e mostrou uma voz de qualidade, sobretudo no registo mais agudo.

Ubaldo, que também só canta no 3º acto, foi interpretado pelo Sul Africano Kobie van Resenburg, outro cantor que mal se ouviu.

Um espectáculo interessante mas que ficou aquém das minhas expectativas.

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Armida - Metropolitan Opera, New York, March 2011

It was with great satisfaction that I had the opportunity to return to the Met, where I could watch three opera performances (Roméo et Juliette, Lucia di Lammermoor and Armida) on three consecutive days.

I will review the three in this blog. I start with Armida, that was also seen by Alberto Velez Grilo and about which he wrote an excellent review on his blog Outras Escritas. I will keep the review of Lucia di Lammermoor for after the presentation of the opera at Gulbenkian (Met Live next Saturday) because I'm curious to compare the two distinct forms to see the performance.

Armida is an opera by G. Rossini with libretto by Giovanni Schmidt, based on the epic poem Gerusalemme Liberata by Torquato Tasso. It tells the story of an Arab princess of Damascus, Armida, who falls in love for a christian crusader, Rinaldo. She tries to seduce him through her magical powers and thus neutralize the crusaders. But after seducing him in an illusory world of pleasure, she is abandoned by him, destroying the pleasure palace and flying away in a rage.

The production by Mary Zimmerman has interesting parts, such as the first scene on an oasis near Jerusalem where the stage is surrounded by stone walls and behind them a temple can be seen. But other parts are somewhat bizarre, particularly Armida's pleasure palace in Act 2 in which appear, among others, male creatures dressed as devils with horns, long tails and tutus. I did not realize if the stage director's intention was to ridicule the situation or try to put it in a world of magic with some questionable options. This act is dominated by a ballet that lasts almost half an hour and adds nothing relevant to the show, but here the fault is not of the stage director. The beginning of the 3rd act, the enchanted garden of Armida, with a field of poppies has a beautiful scenic effect, but afterword it has not proved to be as interesting as the first impression would suggest.

Maestro Riccardo Frizza, a Rossini specialist, was effective but he did not thrilled the audience. The Met Orchestra was, as always, at a high level of performance and the Choir also deserves a word of great consideration, given their excellent interpretation.

The difficult role of Armida, opera's main role, is a tour de force for the singer who, along the performance, lives through periods of happiness, seduction, passion, hatred and despair. It was interpreted by American soprano Renée Fleming. She is a singer for whom I have enormous respect, as she gave me unforgettable moments of marvellous interpretations in the past. She has a unique timbre and a creamy voice of great beauty (the term is not mine but it seems very well chosen). However, she is not a "rossinian" singer and that was very evident throughout the performance. The coloratura, essentially on Rossini, did not exist. As I have already mentioned when I heard her in La Traviata, I think she is in the beginning of the decline of her great vocal capacities. The most famous aria from the opera D’amore al dolce impero, in Act 2, was not interpreted as a belcanto text. I found the voice small, although keeping the beauty, with little flexibility (essential in Rossini) and lacking power. Artistically, however, she continues to be very good.

Lawrence Brownlee, American tenor with a light timbre interpreted Rinaldo. He was the best singer of the performance. His lyric voice is beautiful and is able for the appropriate Rossini coloratura, apparently achieved without effort and full of top notes of great quality. Vocally he was able to convey the different emotions of the character, although it lacked power in some parts. However, artistically, he was poor. But his aria of remorse, the solo in the 3rd act, was the highlight of the evening.

In smaller but significant roles (knight crusades) we have heard four other tenors:
Goffredo, a Christian army commander played by the American John Osborn had a good performance. The timbre was clear and top notes appeared easily and he was almost always audible.

Gernando who only sings in the 1st act, was the Italian Antonino Siragusa. He was barely heard.

Carlo, who sings only in the 3rd act, was the English Barry Banks. He was well heard and proved to have a voice of quality, especially in the upper register.

Ubaldo, who also sings only in the 3rd act was interpreted by the South African Kobie van Resenburg, another singer who was almost not audible.

An interesting show but below my expectations.
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TANNHÄUSER – Zürich Opernhaus – 17 Fevereiro 2011

(review in english below)

A ópera Tannhäuser é uma das duas óperas de Wagner que se apresenta com uma nova produção nesta temporada da Ópera de Zurique. A outra é o Parsifal de Claus Guth, já amplamente referido neste blog. A todos os que pudessem estar à espera da minha crítica ao Tannhäuser mais precocemente peço desculpa. Isto deve-se ao facto de o Parsifal de Guth, no Liceu de Barcelona, me ter impressionado muito mais, levando-me a escrever sobre este primeiro.

A encenação deste Tannhäuser é um misto de antigo e moderno que, embora nem sempre se enquadre no espírito da obra e possa ferir susceptibilidades dos mais clássicos, não choca particularmente. A cor, a luz e a dinâmica que apresenta permitem tolerar algumas ousadias cénicas. O Venusberg é excelentemente bem conseguido, em tons de vermelho, com vários bailarinos e bailarinas em fatos cor de pele e rendados a negro, passeando entre empresários, bispos e outros elementos da sociedade que também se deleitam como o herói.



Mas a partir daí, algumas opções são eventualmente discutíveis: a lira de Tannhäuser é uma guitarra eléctrica, os cavaleiros são jogadores de golf, vestidos com os seus pólos, Hermann entra em cena de carrinho de golf, um campo de golf como fundo mas com projecção de uma floresta na parte superior do palco...







No segundo acto, a sala de baile é uma espécie de estúdio com um piano no meio e 2 câmaras de televisão que vão filmando o concurso de canto, enquanto que por cima se projecta uma sala de baile clássica de um palácio.





O 3º acto foi o que me pareceu melhor conseguido.




Passa-se na gare de comboios. Elisabete espera Tannhäuser sentada nos bancos. Os peregrinos chegam de comboio com as suas malas. Um deles chega a ter uma dor no peito, simulando um enfarte que não se torna real, ao regressar. O final foi clássico com a chegada do Papa com a sua cruz episcopal florida.



O que realmente tornou esta récita fantástica foi o leque de intérpretes.

Peter Seiffert foi Tannhäuser. Completamente recuperado do seu precalço de Outubro no Tristão, deu-nos um Tannhäuser ao seu melhor nível. Uma capacidade interpretativa espectacular, com voz potente, forte e expressiva.



Nina Stemme foi sublime! Como já temos referido no blog, está cantora é uma das melhores cantoras wagnerianas da actualidade. Excelente actriz, voz sempre sobre a orquestra, afinação perfeita. Deu-nos uma Elisabete de personalidade forte, mesmo no 3º acto onde a sua desilusão é marcada ao não ver Tannhäuser regressar com os peregrinos.







Michael Volle é um dos meus barítonos preferidos e foi um prazer ouvir o seu Wolfram. Timbre de beleza inconfundível, segurança e actor exímio, roubou-nos o fôlego com ambas as árias do 3º acto.





Vesselina Kasarova foi simplesmente soberba como Vénus! Detentora de um timbre magnífico de mezzo, complementa-o com uma capacidade interpretativa lírica, sem a rudeza frequente das cantoras de Leste.



Christopher Strehl e Alfred Muff, após as suas interpretações no Fidelio da noite anterior, cumpriram com o mesmo nível os seus papéis. Mais uma vez realço a elevada qualidade vocal de Alfred Muff.

Todos foram suportados excelentemente pelos papéis menores e pela perfeita direcção de orquestra de Ingo Metzmacher. O som saído da Orquestra e a beleza da intervenção coral foi celestial no intenso final do 2º acto, uma das passagens que mais aprecio nesta ópera.




Mais uma vez, a Zürich Opernhaus a mostrar que é uma das maiores Casas de Ópera do Mundo!





Tannhäuser - Zürich Opernhaus - February 17, 2011

The opera Tannhäuser is one of two Wagner operas who have a new production this season at the Zurich Opera House. The other one is the Parsifal of Claus Guth, now widely referred in this blog. To all who might have beenwaiting for an earlier review of Tannhäuser I do apologize. This is due to the fact that Guth's Parsifal at the Liceu in Barcelona, have impressed me too much and more, leading me to write about this first.

The staging of this Tannhäuser is a mixture of ancient and modern, though not always it fits the spirit of the work and may hurt the sensibility of the ones who prefer a classic staging. The color, light and dynamic features allow you to put up with some daring options. The Venusberg is excellently well done in shades of red, with several dancers in skin color suits with black adornments, strolling among businessmen, bishops and other elements of society that also delight as the hero.



After this, some options are sometimes debatable: the lyre of Tannhäuser is an electric guitar, the knights are golfers, wearing their poles, Hermann comes into action in a golf car, a golf course is seen in the background but with a projection of a forest in the upper stage ...







In the second act, the ballroom is a kind of studio with a piano in the middle and two television cameras filming the contest, while a classic ballroom of a palace is projected in the upper stage.





The 3rd act was the best accomplished one.




It is set in a train station. Elizabeth is sat on a bench waiting for Tannhäuser to come with the pilgrims. The pilgrims arrive by train with their suitcases / luggage. One of them simulates a chest pain but he does not ends up to have a heart attack – it is the emotion of returning home. The ending was classic with the arrival of the Pope with his staff full with bursting flowers.



What really made this an excellent night was the fantastic group of performers.

Peter Seiffert was Tannhäuser. Fully recovered from his misfortune in October with Tristan, he gave us a Tannhäuser at his best. A spectacular interpretive capacity, with strong and expressive voice.



Nina Stemme was sublime! As we have mentioned previous in the blog, she is one of the best wagnerian singers nowadays. Excellent actress, voice always over the orchestra, perfect pitch. She gave us an Elizabeth with a strong personality, even in the 3rd act where her disappointment is such by not seeing Tannhäuser amongst the pilgrims.







Michael Volle is one of my favorite baritones and it was a pleasure to hear his Wolfram. Timbre of unique beauty, security, superb actor, he has robbed us of breath with both his arias of the 3rd act.





Vesselina Kasarova as Venus was simply superb! Holder of a magnificent mezzo timbre, she complements it with a lyrical interpretive capacity, without the frequent rudeness of singers from the Eastern Europe.



Christopher Strehl and Alfred Muff, after their performances in Fidelio the night before, gave us the same level here. Again I can not pass withou saying the Alfred Muff has an excellent quality of voice.

All were excellently supported by the minor roles and the perfect orchestral conducting by Ingo Metzmacher. The sound given us by the Orchestra and the beauty of the Chorus was celestial overall by mainly in the the intense end of Act 2, one of the passages I most appreciate in this opera.




Again, the Zürich Opernhaus reveals itself as one of the major Opera Houses in the World!

PARSIFAL – Gran Teatre del Liceu, Barcelona, Fevereiro de 2011

(review in English below)

Apesar de o meu amigo e colega de blogue wagner_fanatic ser o grande especialista em Wagner, ter também visto este Parsifal e ter escrito uma crítica soberba no blogue, o impacto que o espectáculo me causou leva-me a também escrever sobre ele. Os nossos caros leitores terão, assim, duas opiniões, a do sapateiro e a do remendão.

Se as obras de Wagner não são de encenação fácil, Parsifal é das que coloca maiores desafios aos encenadores. A opção é frequentemente pelo minimalismo simbólico e metafórico, deixando para a orquestra e cantores todo o foco da atenção.

O encenador Claus Guth concebeu um espectáculo deslumbrante, num palco rotativo com os cenários em dois andares, em mudança e evolução constantes.

A acção foi situada no início do Século XX, num hospital onde se tratam feridos da grande guerra. Tudo roça o insuperável na encenação onde as mudanças cénicas são constantes, numa sequência coerente, requintada e explícita. Entre muitos outros focos de interesse, merecem relevo o sofrimento atroz de Amfortas com a ferida que não sara, Gurnemanz como guardião do Graal e de outras relíquias, a entrada de Kundry quando portadora do bálsamo para Amfortas, a simplicidade inocente de Parsifal após ter morto do cisne, a postura intimidadora de Klingsor de lança sagrada em punho, a sedução (não conseguida) de Parsifal pelas Flores trajadas a rigor num cenário festivo requintado da época, o beijo de Kundry a Parsifal e seu despertar posterior, o ritual de purificação de Parsifal, a morte de Titurel e o final redentor. Enfim, um espectáculo perfeito, deslumbrante, arrebatador e, verdadeiramente, uma revolução na difícil arte de encenar Wagner.

as Flores

Continuando em tom laudatório, passo aos cantores:

Gurnemanz foi interpretado pelo baixo alemão Hans-Peter König. A voz é de uma beleza e potência arrepiantes, sempre afinada e mantendo uma qualidade tanto no registo mais grave como no mais agudo como raramente tenho ouvido.

Anja Kampe foi uma Kundry arrebatadora. Perfeita cenicamente, ofereceu-nos um soprano de grande qualidade. Voz cheia, forte, capaz de transmitir todas as emoções da personagem. Fantástica!

Amfortas, interpretado pelo baixo-barítono americano Alan Held, foi a encarnação perfeita do homem em sofrimento dilacerante. Vocalmente firme e emotivo, sempre bem audível, foi outro grande intérprete da noite.

Parsifal foi o tenor alemão Klaus Florian Vogt. Foi a primeira vez que vi este cantor ao vivo e tive uma surpresa considerável. A figura, sem a agilidade requerida, adapta-se bem ao papel. Mas o mais importante é a voz. O timbre é claro e a voz é fresca, de uma beleza e lirismo invulgares. Contudo, como referiu o wagner_fanatic, cantava de forma não apropriada para o papel e eu achei que, ocasionalmente, lhe faltava potência porque era afogado pela orquestra quando soava forte. Com o progredir da récita foi crescendo, mais em “jeito que em força”, denotando uma técnica de qualidade e sem nunca recorrer à estridência. Mas confesso que esperava mais, sobretudo no 2º acto.

Klingsor foi John Wegner, barítono alemão. Esteve também muito bem, a um nível qualitativo elevado mas, de entre os protagonistas, foi o menos marcante.

Ante Jerkunica, baixo croata, foi um Titurel de excepcional qualidade vocal e imponente presença em palco.

Finalmente a orquestra (Orquestra Sinfónica do Gran Teatre del Liceu) e os coros (Coro do Gran Teatre del Liceu e Coro de Câmara do Palau de la Música Catalana) tiveram também desempenhos exemplares. Ouviu-se Wagner de grande qualidade no Liceu de Barcelona e o maestro Michael Boder teve uma responsabilidade major.

Após cair o pano o público explodiu num estrondoso aplauso que se manteve por largos minutos, apesar do adiantado da hora, obrigando a várias chamadas ao palco dos cantores e maestro.

Uma obra prima no Liceu a colocar a fasquia da qualidade de tal forma elevada que dificilmente será superada em qualquer outro teatro de ópera. Um espectáculo perfeito e completo, para encher os ouvidos, os olhos e a alma!
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Parsifal - Gran Teatre del Liceu, Barcelona, February 2011


My friend and colleague in this blog wagner_fanatic is the big expert on Wagner, he has also seen this Parsifal and he wrote a superb review on in in this blog. However, the impact that the performance caused me leads me to also write about it. Our dear readers will thus have two reviews, one form the expert and another from the amateur.

If Wagner's works are not easy to stage, Parsifal is one that poses the greatest challenges for directors. The option is often symbolic and metaphorical by a minimalistic approach, leaving to the orchestra and singers all the focus of attention.

Stage director Claus Guth conceived a dazzling staging on rotary scenarios at two levels in height, in constant change and evolution. The action was situated at the beginning of the twentieth century, in a hospital treating wounded people from the great war.

All events were unsurpassed in the scenic option where changes were constant in a coherent, refined and explicit sequence. Among many other points of interest I highlight the appalling suffering of Amfortas with the wound that will not heal, Gurnemanz as guardian of the Grail and other relics, the entry of Kundry with the balsam for Amfortas, the innocent simplicity of Parsifal having killed the swan, the steady posture of Klingsor with the holy spear in hand, the (not achieved) seduction of Parsifal by the Flowers dressed in an exquisite setting of a sophisticated party, the kiss of Kundry and the awakening of Parsifal, the purification ritual for Parsifal, the death of Titurel, and the redeeming end. In summary, a perfect, gorgeous and stunning performance. Truly a revolution in the difficult art of staging Wagner operas.

Continuing laudatory in tone, a few words about the singers:

Gurnemanz was interpreted by the German bass Hans-Peter König. The voice is of an exquisite beauty and power, always in tune and maintaining a high quality both in the lower and in the top notes, as I have rarely heard.

Anja Kampe was a fabulous Kundry. Artistically perfect, she offered us a soprano of great quality. The voice if full, strong, and is able to convey all the emotions of the character. Fantastic!

Amfortas, interpreted by American bass-baritone Alan Held, was the perfect image of heartbreaking human suffering. Vocally he was strong and emotional, always very audible. He was another great performer of the night.

Parsifal was sung by the German tenor Klaus Florian Vogt. It was the first time I saw him live and I had a considerable surprise. The figure adapts well to character, although without the agility required. But the most important is the voice. The timbre is light and the voice is fresh and of an unusual lyrical beauty. However, as wagner_fanatic mentioned, he does not sing in the most appropriate way for the character, and I found that occasionally he lacked power because he was drowned by the orchestra when it sounded louder. While the performance progressed he sounded better, denoting a high technical quality, never resorting to stridency. Anyway I was expecting better, mainly in Act 2.

Klingsor was German baritone John Wegner. He was also very good, but the less impressive among the soloists.

Ante Jerkunica, Croat bass, was an exceptional Titurel showing an astonishing voice quality and stage presence.

Finally the orchestra (Symphony Orchestra of the Gran Teatre del Liceu) and choirs (Chorus of the Gran Teatre del Liceu and the Chamber Choir of the Palau de la Musica Catalana) were also fabulous. We had the privilege of listening to Wagner's great musical quality at the Liceu in Barcelona and maestro Michael Boder had a great responsibility on that.

After the curtain fall, the audience burst into a thunderous applause that continued for several minutes, despite the late hour, forcing several curtain calls of the singers and conductor.

A masterpiece in the Liceu set the level of quality so high that it can hardly be surpassed in any other opera house. A perfect and complete performance, to fill your ears, eyes and soul!
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