O OURO DO RENO (DAS RHEINGOLD) – Royal Opera House, Londres – 26 Outubro 2012

Cinco anos depois, precisamente no mesmo dia do mês de Outubro, 370 dias depois de comprar os bilhetes, voltei a iniciar um Ciclo completo do Anel do Nibelungo. O local? O mesmo, a eterna Royal Opera em Londres. A produção? A mesma, da dupla Keith Warner e  Stefanos Lazaridis, o último infelizmente falecido há 2 anos, sem poder assistir e participar mais activamente nesta reposição.

Este Ouro do Reno (do quarto e último ciclo) foi sublime! A encenação sempre me fascinou pela preocupação pelo detalhe e pelo respeito pelos leitmotiv e pelo texto. De particular prazer foi rever como as maças de Freia estão visualmente presentes, principalmente após esta ser levada pelos gigantes. Quando Wotan e Loge estão em Niedelheim, Wotan enfraquece fisicamente por momentos e pede a Loge que lhe dê uma das maças que restou para trincar. Também interessante o facto de Alberich beijar o anel na mão de Wotan quando o amaldiçoa e, igualmente, beija a ponta da lança depois como que procurando ser duplamente eficaz na premonição. O respeito pelos leitmotiv é identificado quando Wotan cumprimenta a fortaleza no final da ópera e se ouve, pela primeira vez, o tema da espada Notung. Aqui Fricka dá a espada a Wotan e ele expõe a mesma durante esta passagem. No final, ao contrário de todos os deuses que seguem para Walhalla, subindo escadotes, Wotan não o faz e atira-se para um buraco central do palco onde, pouco tempo antes, surgiu Erda a avisar da maldição do anel.

Antonio Pappano continua a conseguir um som excelente e um pace perfeito. Realço o calcanhar de aquiles de qualquer orquestra wagneriana e que são os metais. Desta vez estiveram superlativamente bem.

Nos cantores, a grande afirmação, para mim, foi o Alberich de Wolfgang Koch. Excelente interpretação, com presença de palco e expressividade emocional a um nível tocante e inspirador. A terceira cena da ópera e a passagem da maldição forma momentos operáticos acima da média.

Sarah Connolly foi outra afirmação de nível. Com a sua já mais que conhecida e exaltada voz de mezzo, fez uma Fricka emotiva, principalmente em relação com o dilema de Freia.

Bryn Terfel, visivelmente mais magro, em muito bom momento vocal, e imponente como o Rei dos Deuses.

Iain Paterson e Eric Halfvarson estiveram marcantes vocal e cenicamente, destacando-se a emotividade/humanidade de Paterson e a voz autoritária de Halfvarson que eu julgava perdida  depois de a não ter sentido no seu Gurnemanz em Barcelona.

Gerhard Siegel esteve bem como Mime mas o seu grande papel será em Siegfried.

Stig Anderson fez um Loge simples mas com presença, ficando talvez só a faltar aquele timbre especial que pede a personagem.

Peter Coleman Wright tem postura pouco máscula em palco o que tornou, a par com pouca assertividade vocal, um Donner pouco credível.

Andrew Rees cumpriu com qualidade o papel de Froh assim como Ann Petersen como Freia.

Um excelente início de ciclo!

As restantes óperas neste blog nos próximos dias.

DAS RHEINGOLD – Royal Opera House, London – October 26, 2012

Five years later, precisely on the same day of October, 370 days after purchase tickets, I took another great operatic adventure for the second time in my life: to start a full cycle of the Ring of the Nibelung. The venue? The same, the eternal Royal Opera in London. The production? The same, the one by the duo Keith Warner and Stefanos Lazaridis, the latter who sadly died 2 years ago, unable to attend and participate more actively in this reinstalment.

This Das Rhinegold (of the fourth and last cycle) was sublime! The staging has always fascinated me by the concern for the detail and respect for the text and the leitmotives. Of particular delight was to review how the apples of Freia are visually present, especially after she is taken away by the giants. When Wotan and Loge are in Niedelheim, Wotan physically weakens momentarily and asks Loge which gives him one last apple that has remained in order to give him strenght. Also interesting is the fact that Alberich kisses the ring on the hand of Wotan when he curses it and also kisses the tip of the spear as doubling the curse. The respect for the leitmotives is identified when Wotan greets the fortress at the end of the opera and is heard, for the first time, the theme of the sword Notung. Here, Fricka gives the sword to Wotan and he exposes the same during this passage. In the end, unlike all the gods who follow to Walhalla, climbing ladders, Wotan does not and throws himself into a hole in the center stage where, shortly before, Erda appeared to warn about the curse of the ring.

Antonio Pappano still gets a great sound from the Orchestra and is capable of a perfect pace.

In singers, a great affirmation for me was the Alberich of Wolfgang Koch. Excellent interpretation, stage presence and emotional expressiveness to a touching and inspiring level. The third scene of the opera and the passage of the curse form operatic moments above average.

Sarah Connolly was another superb present. With her more than already known and exalted voice of mezzo, she made an emotional Fricka, mainly in relation with the dilemma of Freia.

Bryn Terfel, noticeably slimmer, in a very good vocal moment and impressive as the King of the Gods.

Iain Paterson and Eric Halfvarson were vocal and scenically striking, highlighting the emotions / humanity of Paterson and the authoritative voice of Halfvarson which I thought lost after not having felt it in his Gurnemanz in Barcelona.

Gerhard Siegel as Mime was quite good but his moment in the role will be in Siegfried.

Stig Anderson made a simple but with presence Loge, perhaps just missing that special timbre that the character asks.

Peter Coleman Wright has little manly posture on stage in what became, along with low vocal assertiveness, a unreliable Donner.

Andrew Rees has fulfilled the role of Froh with quality and Ann Petersen as well as Freia.

A great beginning of Cycle!

The other operas in the upcoming days.

Grande Missa em Dó menor, Mozart. Fundação Gulbenkian, Dezembro de 2012

(in english below)

No passado fim-de-semana assistiu-se ao Concerto de Natal da Fundação Gulbenkian, onde se ouviram duas obras de J S Bach (Prelúdio e Fuga em Lá menor BWV 543 e Gloria in excelsis Deo BWV 191) e a Grande Missa em Dó menor K. 427 de Mozart.

Das peças apresentadas a Grande Missa é, para mim, a mais marcante e uma das (muitas) obras geniais de Mozart. Assistimos a um bom espectáculo, embora desequilibrado.

A Orquestra Gulbenkian teve uma boa prestação e foi dirigida pelo maestro Michel Corboz. Verdadeiramente sensacional foi, mais uma vez, o Coro Gulbenkian. O maestro Jorge Matta tem feito um trabalho de excepção.

Os solistas foram o elo mais fraco. O soprano Sylvia Schwartz foi a única que me impressionou positivamente. Tem uma voz bonita, segura e bem colocada e ofereceu-nos uma interpretação de qualidade. O soprano Sónia Grané não tem um timbre bonito, sobretudo no registo médio, e foi frequentemente estridente nos agudos. O tenor Luís Gomes ouviu-se com dificuldade e a voz também não impressiona. O barítono Job Arantes Tomé teve uma intervenção pequena mas não conseguiu projectar a voz de forma eficaz. Foi pena, pois a Missa merece melhor. Mas é sempre um privilégio e um momento único ouvir esta obra prima de Mozart, sobretudo quando cantada pelo Coro Gulbenkian.

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Great Mass in C minor, Mozart. Gulbenkian Foundation, December 2012

In the past weekend occurred the Christmas Concert of the Gulbenkian Foundation, where two pieces by JS Bach (Prelude and Fugue in A minor BWV 543 and Gloria in excelsis Deo BWV 191) and the Great Mass in C minor K 427 of Mozart were played.

From the works played, the Great Mass is, for me, the most striking and one of the (many) works of genius of Mozart. We heard a good concert, although unbalanced.

The Gulbenkian Orchestra, directed by maestro Michel Corboz had a good performance. Truly sensational was, once again, the Gulbenkian Choir. Maestro Jorge Matta is doing an exceptional job.

The soloists were the weakest link. Soprano Sylvia Schwartz was theonly one that impressed me positively. She has a beautiful and secure voice, and offered us an interpretation of quality. Soprano Sonia Grané has not a beautiful timbre, especially in the middle register, and she was often strident in the top notes. Tenor Luís Gomes was heard with difficulty and the voice did not impress. Baritone Job Arantes Tomé had a small intervention but failed to project the voice effectively. A pity, because the Mass deserves better. But it is always a privilege and a unique moment to hear this masterpiece by Mozart, especially when sung by Gulbenkian Choir.

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O GATO DAS BOTAS – Teatro Nacional de São Carlos – 19 Dezembro 2012

Uma ópera curta de sonoridade agradável com momentos idílicos, uma encenação viva e cheia de cor, uma plateia cheia de crianças mais fascinadas pela magia do cenário do que pela fácil compreensão do texto da obra, um leque de cantores portugueses de nível superior e uma promessa para adultos de um sonho de infância.

Assim se pode caracterizar esta produção de O Gato das Botas de Xavier Montsalvatge, com tradução em português de César Viana, levada a palco hoje e nos próximos dias 20, 22 e 23 de Dezembro no Teatro Nacional de São Carlos.

Embora com ligeiras alterações cénicas, a história segue assim:

“O mais novo dos filhos de um nobre moleiro recebe em herança um gato.

Desesperado, pensa em fazer dele o seu jantar para não morrer de fome, mas o gato revela ser um animal interessante e cheio de recursos. O Gato pede ao amo que não se aflija, pois apenas necessita de uma mala e um par de botas e pôr-se a caminho por entre os bosques para provar que a herança recebida é mais valiosa do que o que parece. O filho do moleiro decide segui-lo. O Gato calça as botas e, de seguida, caça um coelho e uma coelha. O plano estava em marcha.

Aproxima-se então do palácio do Rei para entregar o coelho como oferta do seu amo, o Marques de Carabás. Nos dias seguintes continuou a presentear o Rei com perdizes e outras oferendas, acabando por conquistar a confiança do monarca e assim descobrir em que altura do dia o Rei e filha, a encantadora Princesa, passeiam junto ao rio. O Gato esconde a roupa do moleiro e, ao passar a comitiva real, desata a gritar.

Ao ouvir os gritos, o Rei não hesita e manda os criados socorrer o “Marquês”, ordenando que o vistam com ricas roupagens e o acompanhem até à carruagem de cavalos do próprio Rei.

O gato adianta-se ao séquito real e dirige-se às terras de um temível Ogre. Ameaça os camponeses que ali trabalham para que, quando interpelados, digam que os campos são pertença do Marquês de Carabás. Assim, ao passar da carruagem, o Rei pergunta pelo dono das terras e todos respondem tratar-se do Marquês de Carabás. Entretanto, o gato vai ao palácio do Ogre a quem pede audiência. Quando se encontram, o Ogre, muito vaidoso por sinal, faz logo uma demonstração, e aparece sob a forma de um leão feroz. Então o Gato desafia-o a transformar-se num animal pequeno, como um ratinho... O Ogre, para o impressionar, torna-se num minúsculo rato.

Assim que a transformaçãoo se faz, o Gato não perde tempo e agarra-o. O palácio do Ogre converte-se então na casa do Marquês de Carabás onde recebe o Rei e a Princesa que não tarda em desposar.

E para sempre viveu o Gato como um grande senhor.”

A dupla Emilio Sagi e Agatha Ruiz de la Prada oferece-nos uma encenação onde reina a cor, onde a ternura dos pormenores simples nos parecem fazer mergulhar num mundo de guloseimas e onde os locais da obra são inteligentemente dados a conhecer ao espectador através de combinações de letras “jogadas” pelos intérpretes, deixando a imaginação fluir ao ritmo de cada um de nós.

Ana Franco e Bárbara Barradas, detentoras de uma beleza de timbre imensa, brilharam como o Gato e a Princesa, respectivamente.

Diogo Oliveira e João Oliveira, como o Rei e o Ogre, em parelha superlativa de qualidade com o elenco feminino, encarnaram excelentemente bem cada personagem.

João Merino como o Moleiro esteve, como sempre, fantástico! Vocalmente seguro, ágil e expressivo, cenicamente espalhando uma naturalidade cómica irrepreensível.

Mais um exemplo de que Portugal é “pequeno” para os valores artísticos que tem. Força a todos!!!

EL GATO CON BOTAS – Teatro Nacional São Carlos - December 19, 2012

A short opera with a pleasant sonority and with some idyllic moments, a lively and color staging, an audience full of children more fascinated by the magic of the sets than the easy understanding of the text of the work, a range of top-level portuguese singers and a promise for adults of a childhood dream.

This i show we can characterize this production of the Puss in Boots by Xavier Montsalvatge with Portuguese translation of César Viana, carried onstage today and in the upcoming days 20, 22 and 23 December at the National Theater of São Carlos, Lisbon, Portugal.

The duo Emilio Sagi and Agatha Ruiz de la Prada offers us a scenario where color reigns, where the tenderness of the details seem simple to dive into a world of goodies and the places where the work is set are cleverly made ​​known to the audience through combinations of letters "gaming" by the interpreters, leaving the imagination flowing at the rate of each one of us.

Ana Franco and Bárbara Barradas, with their immense beauty of timbre, shone as the Cat and the Princess, respectively.

Diogo Oliveira and João Oliveira, as the King and the Ogre, in a superlative quality in tandem with the female cast, embodied each character excellently well.

João Merino as the Miller was, as always, fantastic! Vocally secure, agile and expressive, scenically spreading a superb natural comic sense.

Another example that Portugal is "too small" for the artistic values ​​it has. 

AIDA, MetLive, Dezembro de 2012

(review in english below)

No passado Sábado, na Fundação Gulbenkian, foi a vez de assistirmos à Aida de G. Verdi, em mais uma transmissão directa da METropolitan Opera de Nova Iorque. No início do ano tive o privilégio de assistir ao vivo a esta produção espectacular, embora com elenco diferente, como relatei aqui. Então escrevi:

Quando me perguntam qual a ópera que recomendo para quem quer começar, habitualmente sugiro a Carmen ou a Aida. Esta produção do Met preenche todos os requisitos que espero que uma ópera ofereça a quem quer ver este tipo de espectáculo pela primeira vez.

A encenação de Sonja Frisell é grandiosa e espectacular. É impossível fazer mais num teatro de ópera. Os cenários transportam-nos ao Egipto faraónico, mudam com frequência, o guarda-roupa é adequado à época, os adereços são muitos e de grande diversidade. Na marcha triunfal do 2º Acto até cavalos entram em cena. Uma encenação conservadora mas verdadeiramente espectacular.

É o esplendor da ópera no seu apogeu e um exemplo perfeito de que a ópera é para ouvir mas também para ver.

E há muito que ouvir. A ópera inicia-se de forma suave e comedida mas rapidamente surgem as grandes sonoridades, orquestrais, corais e dos solistas. Os cantores principais têm tipos de vozes diferentes e papéis de grande exigência. Os coros são também grandiosos e atingem o expoente máximo no 2º Acto. A música é de fácil apreensão e inclui muitas partes que são conhecidas de todos. Esta encenação faz o resto mas, repito, é uma ópera que enche o olho e o ouvido.

Orquestra e Coro da Metropolitan Opera foram dirigidos pelo maestro titular Fabio Luisi que fez um trabalho meritório mas não isento de falhas. Pouco empolgante nos primeiros actos, melhorou nos dois últimos Mais uma vez, a qualidade do som foi deficiente. A Orquestra não esteve no seu melhor e teve uma falha marcada nos trompetes no início do primeiro acto. O Coro esteve fantástico.

Aida foi interpretada pelo soprano ucraniano Liudmyla Monastyrska. Já a tinha ouvido uma vez neste papel e achei a interpretação de hoje superior, apesar de não ser ao vivo. A voz é ampla e expressiva, sobretudo no registo mais agudo que é emitido com facilidade e sem perda de qualidade, sempre sobre a orquestra. Apesar do fraseado quase impreceptível, os fabulosos pianíssimos deram um encanto particular aos dois últimos actos. Cenicamente foi muito estática.

Roberto Alagna foi um Radamès digno, apesar de não ter estado num dos seus melhores dias. Tem uma voz  bem timbrada, foi credível na interpretação da personagem, mas teve desafinações ocasionais, bem como desencontros vocais nos duetos. Terminou a ária Celeste Aida de forma peculiar e, na entrevista com Renée Fleming, atribuiu a responsabilidade ao compositor.

Olga Borodina foi a Amneris. É uma cantora sensacional, com um registo grave notável, mas que mantém a qualidade em toda a sua grande extensão embora ocasionalmente, nos agudos, tenha denotado menos segurança. Beleza tímbrica e potência vocal são outras duas características que fazem com que a inclua entre os mezzos que mais aprecio na actualidade. O papel da princesa egípcia é também o que mais gosto nesta ópera e, no último acto, foi notável em L'abborrita rivale a me sfuggìa e tambén na Ohimè, morir mi sento que, contudo, terminou subitamente e, aparentemente, sem fôlego.

Amonastro, rei etíope e pai de Aida foi interpretado pelo barítono georgiano George Gagnidze. Foi mais uma boa interpretação. Os baixos Stefan Kocán como Ramfis e Miklós Sebestyén como Faraó completaram o naipe de excelentes cantores da récita.

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AIDA, MetLive, December 2012

Last Saturday, at the Gulbenkian Foundation, we could see Aida by G. Verdi, in another direct transmission from the Metropolitan Opera in New York. Earlier this year I was privileged to watch live this spectacular production, albeit with a different cast, as I reported here. At that time I wrote::
When people ask me what is the opera that I recommend for beginners, usually I suggest Carmen or Aida. This Met production meets all the requirements that an opera should offer to those who want to see this type of show for the first time.

The staging of Sonja Frisell is grand and spectacular. It is impossible to do more in the opera house. The scenarios take us to Pharaonic Egypt, change frequently, the wardrobe is appropriate at the time, the props are many and great diversity. In the triumphal march of the 2nd Act by horses come into play. A conservative scenario but truly spectacular. It is the splendor of opera at its peak and a perfect example of what opera is to listen but also to see.

And there is much to hear. The opera begins smoothly but quickly great sounds emerge, by the orchestra, the chorus and the soloists. The main singers have different types of voices, roles of great demand. The choirs are also great and reach the pinnacle in the 2nd Act. The music is easy to grasp and includes many parts that are well known to everyone. This staging does the rest, and I repeat, it is an opera that fills the eye and ear.

Orchestra and Chorus of the Metropolitan Opera were directed by conductor Fabio Luisi who did a good job but not without flaws. The two first acts were not thrilling, but things got better in the last two acts. Once again, the quality of the sound was bad occasionally. The Orchestra was not at its best and the trompet had a notorious failure at the bebinning of act one. The Chorus was fantastic.

Aida was interpreted by Ukrainian soprano Liudmyla Monastyrska. I had heard her before in this role and I found today´s interpretation better, despite not being live. Her voice is wide and expressive, especially in the top register and is delivered with ease and without loss of quality, always over the orchestra. Despite the deficient phrasing, her pianissimi were fabulous and gave a special touch in the last two acts.On stage she was not exciting.

Roberto Alagna was a fair Radamès, despite not being in one of his best days. He has an expressive voice with a nice timbre, he was credible in the interpretation of the character, but occasionally he was not in tune when singing solo arias or in duets. He finished the aria Celeste Aida in a  peculiar way and, in an interview with Renée Fleming, he attributed responsibility to the composer.

Olga Borodina was Amneris. She is an amazing singer with a remarkable low register, but she maintains high quality throughout her large vocal length although occasionaly, in the top notes, she seemed a little stressed. Beautiful timbre and vocal power are two other features that make me include her among the most appreciated mezzos singing in present time. The role of the Egyptian princess is also the one I like most in this opera. In the last act she was remarkable in L'abborrita rivale a me sfuggìa and also in Ohimè, morir mi sento. However, she ended this part suddenly and, seemingly, out of breath.

Amonastro, Ethiopian king and father of Aida was interpreted by Georgian baritone George Gagnidze. He was another good interpreter. Basses Stefan Koçan as Ramfis and Miklós Sebestyén as the King completed the group of excellent singers of this  performance.

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