Linda di Chamounix, Liceu, Barcelona, Janeiro 2012

Linda di Chamounix é uma ópera tardia semiseria de Gaetano Donizetti, compositor que levou este género à sua mais alta expressão, com libretto de Gaetano Rossi.

A ópera conta a história do romance de Linda, filha de António e Maddalena dois modestos camponeses de Chamounix nos Alpes franceses, com Carlo (identidade falsa do visconde de Sirval) que é sobrinho do marquês de Boisfleury que também se pretende aproximar de Linda. Para tal permite aos seus pais, em dificuldades, a permanência por mais tempo nas terras de que é proprietário. Linda é mandada para Paris, na companhia do seu amigo de infância Pierotto, para que não caia nas mãos do marquês. Em Paris é mantida por Carlo, que entretanto revelou a sua identidade. Leva uma vida faustosa mas casta e, quando opai a encontra, acusa-a de comportamento indigno e ela enlouquece. De regresso a Chamounix, depois de ouvir a voz de Carlos, volta a recuperar o juízo, fazem juras de amor eterno e tudo acaba bem.

É uma ópera de qualidade inferior quando comparada com muitas outras de Donizetti (não foi por acaso que quase caiu no esquecimento), tem um 3º acto inenarrável mas, com um elenco de excepcional qualidade, como no presente caso, torna-se num espectáculo memorável.

A encenação de Emílio Sagi é interessante e eficaz, embora não traga nada de novo. O primeiro acto em Chamonix passa-se num cenário campestre onde neva mas também onde aparecem numerosas flores, “plantadas” pelos populares (coro). O guarda roupa é cuidado e interessante. O marquês chega de “Dona Elvira” e tudo se passa neste cenário. No segundo acto (Paris) há uma escadaria frondosa a meio do palco que retrata o interior da mansão onde Linda está instalada. Os adereços do piso térreo, onde está a porta de acesso à rua, são escassos e requintados (muito bem). No terceiro acto retoma-se um cenário semelhante ao primeiro mas, em vez das colunas simulando troncos de árvores, colocam-se várias mesas rectangulares seguidas a meio do palco, que servirão de base para as deslocações de Linda enlouquecida na maioria do acto.

Marco Armiliato dirigiu de forma algo irregular a Orquestra do Liceu de Barcelona. Por vezes soava excessivamente alto, abafando todos os cantores, outras vezes a ritmo lento e ocasionalmente desencontrado dos cantores, incluindo os do Coro que também estiveram bem.

O que foi verdadeiramente sensacional foi o conjunto de cantores que o Liceu nos ofereceu:

Linda foi interpretada pelo soprano alemão Diana Damrau. Faltam-me as palavras para descrever a deslumbrante qualidade vocal e cénica da cantora. Apesar de jovem, a voz de Damrau cresceu nos últimos tempos e atingiu um esplendor raramente ouvido. É verdadeiramente fabulosa em todos os registos, a coloratura é de uma qualidade magistral, o volume enorme e os agudos celestiais e afinados. Se na ária O luce diquest’anima (1º acto) foi excelente, na cena da loucura (final do 2º acto) aplicou toda a pirotecnia vocal que, como muito poucas, consegue alcançar e, como me disse o Alberto Velez Grilo do blogue Outras Escritas, terminou com um estratosférico Mi natural sobre-agudo. O papel de Linda é de grande extensão e exigência vocal. Em palco é muito credível e, como referi, na cena da loucura no final do 2º acto, foi arrebatadora. Teve uma merecida ovação longa e delirante que foi totalmente merecida. Sensacional!

Juan Diego Flórez, tenor peruano, foi Carlo. Como já várias vezes escrevi neste blogue, é um dos meus cantores preferidos e, mais uma vez, esteve ao seu nível. Actualmente não tem rival neste reportório. A voz também está mais potente mas mantém a qualidade inigualável de sempre. O timbre é inconfundível, o legato é suave e fabuloso, a coloratura luxuosa e as longas notas agudas são únicas em qualidade e extensão. O papel não é extenso mas, no 2º acto, na ária Se tanto in ira agli uomini demonstrou todas as suas qualidades de excepção e recebeu também uma estrondosa e longa ovação. A figura dá-lhe credibilidade em palco, apesar de não revelar qualidades de actor idênticas às que tem como cantor. Flórez, apesar da sua juventude, atingiu já um patamar em que é idolatrado em qualquer palco e assim foi novamente em Barcelona.

O Marques de Boisfleury foi o baixo-barítono italiano Bruno de Simone. Esteve bem, a voz é respeitável e, dentro do que a personagem lhe permite, cumpriu.

O baixo espanhol Simón Orfila foi um Perfecte estupendo! Foi, de longe, a melhor interpretação que lhe ouvi. A voz revelou uma potência extraordinária e, no registo mais grave, foi soberbo. A sua boa figura e agilidade em palco completaram da melhor forma a sua actuação. Excelente!

Também fantástica foi outra cantora espanhola, o mezzo Sílvia Tro Santafé que interpretou Pierotto. Outra voz potente, afinada, de grande beleza e com um registo grave de qualidade raramente ouvida. Em palco foi marcante. O papel é suficientemente extenso e diversificado para permitir à cantora uma actuação brilhante e inesquecível.

O barítono italiano Pietro Spagnoli foi um Antonio cinzento. A voz não se evidenciou, sobretudo quando comparado com as restantes. Foi frequentemente abafado pela orquestra e não conseguiu transmitir grande emotividade.

Maria José Suárez, soprano espanhol, interpretou o papel muito curto de Maddalena com alguma tendência para a estridência.

Uma palavra final para o público. Já aqui elogiei várias vezes a exigência e o comportamento do público de Barcelona. Pois desta vez assim não farei. As tosses em forte foram uma constante profundamente incomodativa e não abrandaram mesmo após apelos nesse sentido de elementos do público. Fizeram-me lembrar outros palcos…

Mas pior foi que ao meu lado estava um casal em que o homem (estava na coxia) se levantou a meio do primeiro acto para atender o telemóvel, saindo e entrando pouco depois de forma ruidosa dado que o solo é e madeira. E a mulher passou toda a récita a bater com o tacão do sapato no chão acompanhando o que considerava ser o ritmo da música. Horrível!

Mas, no computo final, apesar da fraca qualidade da ópera e do triste comportamento do público, os excepcionais solistas suplantaram tudo o resto.

*****

Linda di Chamounix, Liceu, Barcelona, January 2012

Linda di Chamounix is a late semiseria opera by Gaetano Donizetti, with libretto by Gaetano Rossi.

The opera tells the story of the romance of Linda, daughter of two modest peasants of Chamounix in the French Alps, Antonio and Maddalena, with Carlo (false identity of Viscount Sirval) who is the nephew of the Marquis de Boisfleury who also wishes Linda. Linda is sent to Paris, accompanied by his friend Pierotto, to protect her from the marquis. In Paris she is maintained by Carlo, who has revealed his identity. She has a rich but chaste life. When her father finds her, he accuses her of misconduct and she goes mad. On her return to Chamounix, after hearing the voice of Charles, she recovers and both lovers make pledges of eternal love. All ends well.

It is an opera of inferior quality when compared with many others of Donizetti and has a very dull 3rd act but, with a cast of exceptional quality, as in this case, it becomes a memorable performance .

The staging by Emilio Sagi is interesting and effective, though not bring anything new. The first act in Chamonix is ​​set in a countryside setting where it snows but also where many flowers appear "planted" by the people (choir). The costumes are interesting. The Marquis arrives in na elegant antique car and everything happens in this scenario. In the second act (Paris) there is a leafy staircase in the middle of the stage which depicts the interior of the mansion where Linda is installed. The ground floor is sober and elegant, where the door to the street is. In the third act the scenario is similar to the first but instead of columns simulating tree trunks, there are various rectangular tables aligned at the middle of the stage, which will form the basis for movements of mad Linda during most of the act.

Marco Armiliato conducted in a somewhat irregular way the Orchestra of the Liceu. Sometimes it sounded too loud, overshadowing all the singers, sometimes at a slow pace and occasionally mismatched singers, including the Choir that also performed well.

What was truly amazing was the quality of singers offered by the Liceu:

Linda was interpreted by German soprano Diana Damrau. I do not have words to describe the stunning vocal and artistic quality of the singer. Although young, Damrau's voice has grown in recent years and reached a rarely heard splendor. She is truly fabulous in all registers, the coloratura is of a masterful quality, the potency great and the top notes ware stratospheric and always tuned. If in the aria O luce di quest’anima (1st act) she was excellent, in the mad scene (end of the 2nd act) where she used her vocal pyrotechnics as very few can achieve, she finished with a natural top E, as Alberto Velez Grilo from the blog Outras Escritas told me. The role of Linda is very long and vocally demanding. On stage Damrau is very credible and as I mentioned, in the mad scene at the end of the 2nd act, she was overwhelming. She had a long and sound ovation that was fully deserved. Sensational!

Juan Diego Flórez, Peruvian tenor, was Carlo. As I wrote in this blog several times, he is one of my favorite singers and, once again, he was at his best. Currently he has no rival in this repertoire. The voice is also more powerful but maintains the unsurpassed quality. The tone is unmistakable, the legato is smooth and fabulous, the coloratura is luxurious and top notes are unique in quality and extent. The role is not extensive but in the 2nd act aria Se tanto in ira agli uomini he showed all his qualities and also received a loud and lengthy ovation. His figure gives him credibility on stage, although he is not a gifted actor as he is a singer. Florez, despite his youth, has already reached a level of acceptance that wherever he sings, he is adored by the public, and that was the case in Barcelona.

Marques de Boisfleury was the Italian bass-baritone Bruno de Simone. He sang well, the voice is respectable and, in what the character allows it, he was OK.

Spanish bass Simón Orfila was a stupendous Perfecte! It was by far the best interpretation that I hear from him. The voice revealed an extraordinary power, and in the low register he was superb. His good figure and agility on stage completed his terrific performance. Excellent!

Also fantastic was another Spanish singer, mezzo Silvia Tro Santafe who played Pierotti. Another powerful voice, in tune, of great beauty and with a low register of a quality rarely heard. On stage she was remarkable. The role is sufficiently long and diverse to allow the singer a brilliant and unforgettable performance.

Italian baritone Pietro Spagnoli was a “gray” Antonio. The voice was not fantastic, especially when compared with the others. he was often drowned out by the orchestra and he was unable to transmit emotion.

Maria Jose Suarez, Spanish soprano, sang the very short role of Maddalena with some tendency to stridency.

A final word about the public. I have already praised several times the demanding and the behaviour of the public of Barcelona. This time I will not do so. Coughs in forte were continuous and deeply disturbing, and did not ease even after appeals from people from the public.

But worse was that by my side there was an unforgettable couple. The man (he was in the wings) got up and leave halfway through the first act to answer the mobile phone, and shortly after came back making a lot of noise as the soil is and wood. The woman spent all the performance hitting with the heel of the shoe on the floor at what was for her the rhythm of the music. Horrible!

But overall, despite the poor quality of the opera and the regrettable behaviour of the public, the exceptional soloists supplanted everything else.

*****

Die Meistersinger von Nürnberg - Zurich Opera House - 5 Fevereiro 2012

(review in english below)

Os Mestres Cantores de Nuremberga subiram ao palco da Ópera de Zurique numa nova produção de Harry Kupfer.

Falarmos desta encenação é, para mim, algo que tem de ser encarado em dois planos: primeiro, a direcção de actores que foi realmente excelente, com tudo tratado ao pormenor, o que enriqueceu a interpretação vocal de todos os intervenientes; no segundo plano temos o cenário como Kupfer o procura tornar dinâmico. É aqui que me parece que falha ou, pelo menos, não consegue ser totalmente feliz. Kupfer transporta os Mestres para o pós-grande guerra, em que a cena inicial e tradicional da igreja se passa dentro das muralhas de uma Catedral, com aspecto de ter sido destruída por bombardeamentos aéreos e já com andaimes para restauro (pode ser uma boa metáfora para a renovação da arte que se encerra nesta ópera).

Por detrás vê-se uma imagem projectada da cidade como fundo, com algumas gruas. Numa tentativa, do meu ponto de vista, de imitar Claus Guth, a Catedral assenta sobre um palco giratório pelo que toda a ópera se passa em várias visões destas ruínas da Catedral. Se no 1º acto isto funciona, porque classicamente a reunião dos Mestres é na Igreja, e também no final do 3º acto porque o interior se transforma no local do Festival do dia de São João, o mesmo já não é eficaz no 2º acto e início do 3º acto. A casa de Pogner, de acordo com a acção, é tida como nos andaimes de restauro, onde Lena disfarçada ouve Beckmesser na sua serenata, e não se vê referencia à casa de Sachs (que parece funcionar no vazio, em frente às ruínas).

À parte disto, existiram pormenores que considerei interessantes: todos os Mestres estão no coro inicial na Igreja e Sachs, ao sair vê que Eva está a interagir apaixonadamente com Walther; a forma como a paixão de Eva e Walther percorre toda a obra em termos cénicos e de forma tão evidente e sensível; como Eva acena com a cabeça para o público no festival e depois para os Mestres aquando do final da canção de Walther como que a pedir a aprovação de ambos os grupos para que este seja o vencedor; o facto de Sachs ser coroado no final (contra vontade) mas oferecendo depois a coroa a uma imagem de São João que destapa durante o monólogo final; e a reconciliação final com Beckmesser, selada com aperto de mão.

A grande estrela desta produção foi, sem dúvida, Michael Volle, na sua estreia no papel de Hans Sachs. Volle foi o maior Sachs que já vi ao vivo! Brutal! De arrepiar! Interpreta o papel de modo tão expressivo e natural que humaniza ainda mais o já humano Sachs. Não é um Sachs nada pensativo ou introspectivo na sua postura mas sim um indivíduo muito terra-a-terra que se impressiona pelo canto de Walther mas que transparece mais não o que este lhe provoca como sentimento mas reservando mais as emoções para os Mestres, incentivando-os a ouvir a canção e a esquecer as regras. É frequente a sua interacção com o público em diversas trocas de olhares e expressões sentidas, o que nos aproxima mais da personagem e facilita a sua compreensão. A minha grande dúvida é se esta caracterização é só de Volle, se é de Volle e Kupfer, ou só de Kupfer. Se for só de Volle, estamos na presença de um dos maiores Sachs de sempre; se for maioritariamente de Kupfer, pode-se perdoar as falências do cenário que já referi.

Roberto Saccà foi imbatível. Voz sublime, bela e com potência inigualável. O melhor Walther que já ouvi, também!

Juliane Banse, com a sua postura jovial, com cara de adolescente, jogou em grande sintonia interpretativa com Saccà; revelou apenas algum esforço vocal no quinteto do 3º acto mas globalmente foi excelente.

Martin Gantner foi um Beckmesser com mais dignidade do que é habitual ver noutras produções, não levando a personagem a uma postura demasiado ridícula, circense, no transmitir da sua arrogância e frivolidade. Vocalmente impecável, foi um dos pontos altos da récita. A lamentar a quase completa ausência de comédia nos seus movimentos quando vai a casa de Sachs e se depara com a canção escrita pela mão do sapateiro.

Matti Salminen, depois de um Gurnemanz aquém do esperado vocalmente, foi sublime como Pogner (também porque é um papel mais pequeno e tenha podido, no estadio da sua carreira, arriscar mais).

Peter Sonn fez um David com grande confiança vocal, embora com os harmónicos no registo mais agudo, por vezes, parecendo algo rudes.

Wiebke Lehmkuhl foi uma Magdalene de muito bom nível.

Os restantes intérpretes estiveram muito bem, à excepção de Andreas Hörl como guarda nocturno, não tendo uma voz suficientemente profunda para marcar no papel.

Danielle Gatti esteve, mais uma vez, fabulástico na direcção desta potente orquestra da Ópera de Zurique. Som wagneriano de estremecer as paredes, o que, juntamente com a prestação coral de cinco estrelas, elevou as interpretações individuais, levando o público, praticamente na sua totalidade, a aplaudir de pé esta récita.

Die Meistersinger von Nürnberg - Zurich Opera House - February 5, 2012

Die Meistersinger von Nürnberg took to the stage of the Zurich Opera House in a new production by Harry Kupfer.

This production must be seen on two levels: first, the direction of actors that was really great with all aspects treated in detail, which enriches the vocal performance of all singers; second, we have the scenario that Kupfer seeks to make dynamic. It is here that he seems to fail or at least cannot be totally happy. Kupfer carries the Masters for the post-Great War period, in which the opening scene and traditional church is set inside the walls of a cathedral, with the appearance of having been destroyed by air bombing and now with scaffolding for restoration (can be a good metaphor for the renewal of art that is a major theme of this opera).

Behind you see a projected image of the city full of construction material. In an attempt, in my view, to imitate Claus Guth, the cathedral sits on a revolving stage so that the entire opera takes place in several of these visions of the Cathedral ruins. If in the 1st act this works, because classically the meeting of the Masters is in the Church, and at the end of the 3rd act because the interior becomes the site of the Festival of St. John's Day, it is no longer effective in the 2nd act and start of the 3rd act. The house of Pogner, according to the action is seen as the scaffolding for restoration, where Lena in disguise hears Beckmesser’s serenade, and you do not see references to the house of Sachs (which seems to work in an empty space, in front of the ruins).




Apart from that, there were details that I found interesting: all the Masters are in the first choir in the Church and Sachs, coming out, sees already that Eve is interacting passionately with Walther; the way Eva nods to the audience at the festival and then to the Masters at the end of the Walther’s song as if asking for the approval of both groups for him to be the winner; the fact Sachs be crowned at the end (reluctantly) but then offering the crown to an image of St. John which he uncovers during the final monologue; and the final peace making with Beckmesser, sealed with a handshake.

The big star of this production was undoubtedly Michael Volle, on his debut in the role of Hans Sachs. Volle’s Sachs was the best I've ever seen! Brutal! Creepy! He plays the role in such an expressive and natural way that humanizes the already human Sachs. Sachs is not a too much introspective one in his approach but rather a subject very down-to-earth that is impressed by the singing of Walther but instead of letting us know his feelings (or being still and amazed) he encourages the Masters to hear the song and forget the rules. Often he interacts with the public in several eye exchanges and expressions, which brings us closer to the character and facilitates his understanding. My big question is whether this is just from Volle, if it is Volle and Kupfer, or just Kupfer. If it is only from Volle, we are in the presence of one of the biggest Sachs ever, if it is mainly from Kupfer, you can forgive the less well accomplished sets of the scenario that I mentioned.

Roberto Saccà was unbeatable, with a sublime voice, with beautiful and unique power. The best Walther I've ever heard, too!

Juliane Banse, with her youthful posture, looking like a teenager, she played very much in the great interpretative connection with Saccà. She revealed only some vocal effort in the quintet of the 3rd act, but overall was excellent.

Martin Gantner was a Beckmesser with more dignity than usually seen in other productions. The character did not take a stance too ridiculous, circus-like, in the stream of his arrogance and frivolity. Vocally flawless, he was a highlight of the recital. The only set back was the almost complete absence of comedy in his movements when he goes to Sachs house and stumbles across the song written by the hand of Sachs.

Matti Salminen, after a vocally weaker than anticipated Gurnemanz, was sublime as Pogner (also because it is a smaller role and was able, at the stage of his career, to risk more).

Peter Sonn played David with a great vocal confidence, although the more acute register sometimes sounded somehow rude.

Wiebke Lehmkuhl was a very good Magdalene.

The other performers were very good, except Andreas Hörl as night watchman. His voice is not deep enough for what we can expect for this role.

Danielle Gatti was, once again, superb in the direction of this potent orchestra of the Zurich Opera. Wagnerian sound of shaking the walls, which, along with five stars choral performance, increased the individual interpretations, leading the audience, almost in full, to stand up while applauding at the end.