EVGENI ONEGIN de Tchaikovsky — Fundação Calouste Gulbenkian, 6.03.2020

(Review in English below)

Foto ©FCG

A ópera Evgeni Onegin foi composta pelo expoente máximo do romantismo russo na música — Piotr Ilitch Tckaikovsky. O romance em verso homónimo de Pushkin — marco da literatura russa —  foi a base para o libreto escrito pelo próprio compositor e por Konstantin Shilovsky. Já escrevi neste blogue que sou um grande admirador desta ópera pelo arrebatamento que tudo me causa.

A FCG apresentou-nos uma ópera com uma encenação de Kristiina Helin. A dificuldade em fazê-lo no edifício é evidente, mas o resultado é interessante, recorrendo a algumas soluções engenhosas.

O primeiro ato começa com Tatiana, Olga, Larina e Filipnieva sentadas na boca do palco em bancos e com os pés apoiados em livros. As personagens ficam de costas ou de frente de acordo com a secções das cenas. Por trás, num pano semitranslúcido, projetam-se naturezas mortas, não impedindo de ver a orquestra espalhada pelo palco e o coro nas suas laterais. Já a cena da carta passa-se num palanque ao fundo do palco, o que dificulta a tarefa aos cantores e não transmite intimidade do quarto ou o bucólico do jardim, uma vez que é aí que se dá o sermão.

Foto ©FCG

O 2.º ato começa com os cantores na boca do palco novamente, com umas danças simples e monótonas que se alastraram ao confronto amorfo entre Onegin e Lensky. A personagem Triquet é apresentada com o figurino de Joker, em modo fanfarão e dinâmico, empunhando um taco de golfe, o que me pareceu discutível, assim como toda a utilização deste figurino como testemunha de Onegin e na cena final. A cena do duelo volta ao palanque no fundo do palco onde se abre uma cortina que expõe o Jardim da Gulbenkian onde se produz fumo, transmitindo a frieza do local. O 3.º ato começa com a casa de Gremin. Este está com Onegin no palanque, enquanto Tatiana entra pela porta lateral do anfiteatro e se projetam luzes em bolas de discoteca, o que cria um efeito de luz interessante na sala. A cena final é trazida de novo à boca do palco, o que se agradece, porque permitiu aproximar o público do drama. No final, Joker cobre a face de Onegin com uma máscara branca. Creio que a ideia era dizer que Onegin é tão psicopata como Joker, coisa de que discordo totalmente e é uma associação infeliz.

A Orquestra Gulkenkian esteve globalmente muito bem dirigida pelo maestro Lorenzo Viotti. Este tem feito a orquestra crescer em diversos reportórios (fala-se que estará para breve o anúncio de que partirá para outras paragens, o que será uma péssima notícia) e conseguiu transmitir as emoções e coloridos da partitura, respeitando os cantores (com algumas excepções como, por exemplo, no final). Mas continuo a achar que falta calor para Tchaikovksy no naipe da cordas, o que é um problema antigo.

O Coro Gulbenkian, ainda que não seja um coro com sonoridade operática, teve um excelente desempenho em todas as intervenções e mostrou toda a sua qualidade e versatilidade.

A Tatiana da soprano Marjukka Tepponen foi excelente. A voz, bonita e poderosa, sempre bem projetada e audível (mesmo do fundo do palco) e com uma sustentação impecável das notas em toda a tessitura, transmitiu as emoções de uma Tatiana jovem, atormentada pela paixão e pelo dever. E foi secundada por uma interpretação cénica muito convincente e capaz.

Foto ©FCG

Tepponem formou com Andrè Schuen, o barítono que fez Onegin, um duo de grande qualidade. Schuen surpreendeu-me pela beleza do timbre, volume, projeção e legato. Foi quente, indeciso e atormentado, e raramente fanfarão. Gostei particularmente do sermão no primeiro ato.

O Gremin de Dmitry Ulyanov também esteve muito bem. Tem um poderio vocal como poucos: graves profundos e agudos estratosféricos. E fez um Gremin poderoso, com uma grande energia vital. Um estrondo.

O Lensky de Alexey Neklyudov foi o mais aplaudido da récita, mas, apesar de ter sido elegante e lírico, não atingiu a qualidade elevada do par Tepponen/Schuen. Tem uma voz mais pequena, com maior dificuldade na projeção, ainda que bonita, e foi mais amorfo cenicamente.

Nos papéis secundários, Marco Alves dos Santos foi um Triquet mascarado de Joker muito dinâmico, dinâmica que manteve como Guillot, ainda que ambas as personagens sejam apresentadas sem distinção, o que serviu o propósito muito discutível da encenadora. O desempenho vocal contrastou com o cénico, uma vez que se apresentou com um vibrato exagerado. Cátia Moreso teve um bom desempenho, sobretudo no primeiro ato, tendo sido bem acompanhada pela Larina de Carolina Figueiredo. A Filipievna de Stefania Toczyska esteve muito bem cenicamente, embora irregular na qualidade da emissão vocal. O Capitão de André Henriques, bem como o Zaretski de André Baleiro, estiveram bem nos seus curtos papéis.

Foi uma récita de boa qualidade que valeu pelo desempenho do quarteto Viotti, Tepponen, Schuen e Ulyanov. Esperemos que a FCG continue a apresentar estas óperas semi-encenadas nas próximas temporadas.

----------------

(Review in English)

The opera Evgeni Onegin was composed by the greatest exponent of Russian romanticism in music - Piotr Ilitch Tckaikovsky. Pushkin's eponymous verse novel - a landmark of Russian literature - was the basis for the libretto written by the composer himself and by Konstantin Shilovsky. I have already written in this blog that I am a great admirer of this opera for the rapture that everything causes me.

FCG presented us an opera with a staging by Kristiina Helin. The difficulty in doing so in the building is evident, but the result is interesting, using some ingenious solutions.

The first act begins with Tatiana, Olga, Larina and Filipnieva sitting on benches with their feet resting on books at the front of the stage. The characters are on their backs or front according to the sections of the scenes. From behind, on a semi-translucent cloth, still lifes are projected, not preventing you from seeing the orchestra spread across the stage and the choir on its sides. The scene of the letter, on the other hand, takes place on a platform at the back of the stage, which makes it difficult for singers and does not convey the intimacy of the room or the bucolic of the garden, since that is where the sermon is given. The 2nd act begins with the singers again at the front of the stage, with simple and monotonous dances, monotony that spreads to an amorphous confrontation between Onegin and Lensky. The character Triquet is presented with Joker’s costume, in a swashbuckling and dynamic way, wielding a golf club, which seemed debatable, as well as all the use of this costume for Guilot, the witness to Onegin, as well in a unknow character in the final scene. The scene of the duel occurs at the back of the stage again where the curtain opens to expose the Gulbenkian Garden where smoke is produced, conveying the coldness of the duel’s place. Act 3 begins at Gremin's home. Gremin is with Onegin at the back, while Tatiana enters through the side door of the amphitheater and lights are projected on disco balls, which creates an interesting light effect in the hall. The final scene is brought back to the front, which was grateful because it allowed the audience to be closer to the drama. In the end, Joker covers Onegin's face with a white mask. I think the idea was to say that Onegin is as psychopathic as Joker, which I totally disagree with and is an unfortunate association.

The Gulkenkian Orchestra was globally very well conducted by conductor Lorenzo Viotti. He has made the orchestra grow in several repertoires (it is said that the announcement that he will leave at the season end, which will be very bad news) and managed to transmit the emotions and colors of the score, respecting the singers (with some exceptions as, for example, at the end). I still think that this orchestra strings lacks warm and drama for Tchaikovsky, but this is an old issue.

The Gulbenkian Choir, although not a choir with an operatic sound, had an excellent performance in all interventions and showed all its quality and versatility.

Soprano Tatiana Marjukka Tepponen was excellent. The voice, beautiful and powerful, always well projected and audible (even from the back of the stage) and with an impeccable support of the notes throughout tessitura, conveyed the emotions of a young Tatiana, tormented by passion and duty. And it was supported by a very convincing and capable performance as an actress.

Tepponem formed with Andrè Schuen, the baritone who made Onegin, a duo of great quality. Schuen surprised me by the beauty of the timbre, volume, projection and legato. He was warm, indecisive and tormented, and rarely a boaster. I particularly liked the sermon in the first act.

Dmitry Ulyanov's Gremin was also very good. He has vocal power like few others: deep bass and stratospheric treble. And he made a powerful Gremin, with great vital energy. Thunderous.

Alexey Neklyudov's Lensky was the most applauded of the performance, but, despite being elegant and lyrical, he did not achieve the high quality of the pair Tepponen/ Schuen. He has a smaller voice, with greater difficulty in the projection, although beautiful, and was more amorphous in scenery.

In the secondary roles, Marco Alves dos Santos was a very dynamic Joker-masked Triquet, a dynamic he maintained as Guillot, although both characters are presented without distinction, which served the director's very debatable purpose. The vocal performance contrasted with the scenic, since he had an exaggerated vibrato. Cátia Moreso had a good performance, especially in the first act, having been well accompanied by Carolina Figueiredo’s Larina. Stefania Toczyska's Filipievna was very well done, albeit irregular in the quality of the vocal emission. André Henriques' Captain, as well as André Baleiro's Zaretski, did well in their short roles.

It was a good quality opera performance where the quartet Viotti, Tepponen, Schuen and Ulyanov excelled. We hope that FCG will continue to present these semi-staged operas in the coming seasons.

DON CARLO, Wiener Staatsoper, Setembro / September 2019

(text in English below)

A versão italiana da magnífica ópera de Verdi Don Carlo esteve em cena na ópera estatal de Viena em Outubro. Foi com ela que iniciei a minha temporada operática 2019-2020.

O maestro Jonathan Darlington não fez um trabalho perfeito, sobretudo no início em que houve desencontros na orquestra.

A encenação de Daniele Abbado é interessante, escura, despida e opressiva, como a própria ópera. Os trajos são convencionais mas só há paredes e plataformas móveis escuras. Nas laterais frequentemente abrem-se espaços por onde os cantores e coro entram e saem. Para além de um crucifixo, os únicos adereços só aparecem no início do 3º acto e são uns 4 grupos de velas no chão (o efeito é magnífico) e a cadeira onde o Filipe II está sentado, antes de cantar a sua fantástica ária, uma das mais marcantes da ópera.

Os cantores foram globalmente muito bons, como era expectável.

A melhor foi a Elena Zhidkova como Eboli. Foi a primeira vez que a vi ao vivo e fiquei deveras impressionado com tudo, voz, interpretação, figura, tem tudo bom! O poderio vocal é fantástico, sempre afinada e agudos incríveis.

Os baixos também foram marcantes, o René Pape como Filipe II, muito emotivo na interpretação, mantém uma voz fantástica.

O russo Dmitry Ulyanov foi espectacular como Grande Inquisidor, com um vozeirão de fazer tremer o chão.

E o sul-coreado Jongmin Park (Frade / Carlos V) também muito bom, apesar de ter um papel pequeno.

O Simon Keenlyside é um Rodrigo meu conhecido há muitos anos e continua a fazer um bom papel. A voz, não sendo o que foi, continua boa, bonita e ele usa-a com grande mestria. Tem uma óptima figura, o que ajuda muito na interpretação e na agilidade em palco,

contrastando em absoluto com o Carlos desta noite, o italiano Fabio Sartori que, cantando bem, com voz de timbre bonito, tem uma figura horrível. É muito gordo e é baixo. Sempre que tem que interagir mais de perto com outro cantor (e com quem acontece mais vezes é com o Posa / Rodrigo), a coisa torna-se quase ridícula (os braços não têm comprimento suficiente para um abraço).

A Elisabetta foi cantada por uma azeri, Dinara Alieva, em estreia aqui. A Anja Harteros cancelou, algo que faz frequentemente (para mim está no 2º lugar do pódium dos cancelamentos: 1º a Angel Gheorghiu e 3º o Jonas Kaufmann). Começou mal, o timbre não é bonito e a voz parecia não ter cor. Contudo, foi melhorando ao longo da récita e, na ária principal do último acto, esteve muito bem.

Começou muito bem a minha temporada!

****

DON CARLO, Wiener Staatsoper, October 2019

The Italian version of Verdi´s magnificent opera Don Carlo could be seen at the Vienna State Opera in October. It was the first opera of my 2019-2020 season.

Conductor Jonathan Darlington did not do a perfect job, especially in the beginning with some light problems with the orchestra.

Daniele Abbado's production is interesting, dark, austere and oppressive, like the opera itself. The costumes are conventional but there are only dark moving walls and platforms. On the sides often open spaces where the singers and choir enter and leave. Apart from a crucifix, the only props appear only at the beginning of the 3rd act and are about 4 groups of candles on the floor (the effect is magnificent) and the chair where Philip II is sitting, before singing his fantastic aria, one of the most remarkable of the opera.

The singers were overall very good, as expected. The best was Elena Zhidkova as Eboli. It was the first time I saw her live and I was really impressed with everything, voice, interpretation, figure, everything is good! The vocal power is fantastic, always tuned and incredible top notes.

The bass singers were also striking: René Pape as Philip II, very emotional in interpretation, maintains a fantastic voice.

Russian Dmitry Ulyanov was spectacular as the Great Inquisitor, with a ground-shaking voice.

And south-corean Jongmin Park (Frate / Carlos V) was also very good, despite having a small role.

Simon Keenlyside has been a Rodrigo known to me for many years and continues to play a good role. The voice, not what it was, remains good, beautiful, and he uses it with great mastery. He has a great figure, which helps a lot in interpretation and agility on stage,

in sharp contrast to Carlos tonight, Italian Fabio Sartori, who, singing well, with a voice of beautiful tone, has a horrible figure. He's very fat and he's short. Whenever he had to interact more closely with another singer (and that happens more often with Posa / Rodrigo), it becomes almost ridiculous (the arms are not long enough for a hug).

Elisabetta was sung by Azeri Dinara Alieva, debuting here. Anja Harteros has canceled, something she does often (for me she is in 2nd place on the cancellation podium: 1st is Angela Gheorghiu and 3rd is Jonas Kaufmann). She started badly, the tone is not pretty and the voice seemed to have no color. However, she improved throughout the performance and, in the main aria of the last act, she was very well.

My season had a good start!

****

Boris Godunov de Modest Mussorgsky — Teatro Real, Madrid — 5 de Outubro de 2012

(Review in English below)

A ópera Boris Godunov de Modest Mussorgsky é, sem sombra de dúvidas, uma das óperas mais originais escritas à sua época, não só pelo próprio argumento — focado nas questões políticas do poder e na qual o povo assume um papel-personagem fundamental —, como pelo desenrolar cénico e forma musical.

(fotos do próprio e da internet)

Mussorgsky não era um compositor profissional — foi um militar que aprendeu música de forma auto-didacta. Esse “amadorismo” terá levado Rimsky-Korsakov (notável maestro) a considerar as falhas da partitura original e a mudar mais de 3000 dos 4 mil e tal compassos da obra, oferecendo-nos uma versão muito harmoniosa e de uma beleza extraordinária. Quem não a transporta na sua cabeça através de gravações, por exemplo, como a de Karajan com o sublime Boris interpretado pela voz verdadeiramente única de Nicolai Ghiaurov? Todavia, a partir de 1975, voltou a privilegiar-se a versão original de Mussorgsky com toda a sua inegável força dramática e escrita dotada de enorme modernidade.

Esta ópera conheceu duas versões. A primeira data de 1869 e sete cenas centradas no drama psicológico de Boris Godunov. Foi prontamente rejeitada pelo Teatro Mariinsky por não se conformar na habitual configuração da grande ópera dramática: onde estava o grande amor arrebatador? E o que fazer ao soprano já contratado e aqui sem papel? Iria ficar a assistir? Não! 

Não derrotado, mas entusiasmado, Mussorgsky entregou-se à segunda versão que apresenta definitivamente em 1872 com novas cenas. Apesar de conforme as regras, só foi estreada 2 anos depois a 27 de Janeiro de 1874 no Teatro Mariinsky. A crítica disse “o compositor está louco”, enquanto o público aplaudiu entusiasticamente, obrigando o compositor a vir 20 vezes ao palco.

Boris Godunov é um drama baseado na obra homónima de Alexander Pushkin (1826) e no livro histórico “História do Império Russo” (1829) de Nikolai Karamazín. Foi-nos apresentada no Teatro Real de forma completíssima: com 10 cenas, incorporando a cena da Catedral de São Basílio presente na versão de 1869, mas suprimida na de 1872.

A nova produção do Teatro Real ficou a cargo de Johan Simons. Não trouxe novidades de maior. O cenário omnipresente é um edifício soviético de 3 andares muito degradado e, por sinal e carcateristicamente, muito feio. Aí se desenrola toda a acção, havendo um ou outro plano elevatório e várias janelas que não foram aproveitadas da melhor maneira. O guarda-roupa era actual e nada trouxe à ópera apresentada. A direcção de actores também não foi magnífica, por pouco dramática. A novidade foi a invocação do grupo russo Pussy Riot, tão famoso pela figura contestatária sem rosto ao regime de Putin que aqui foi invocada nalguns elementos, nomeadamente entre o coro. A utilização de uma camera de filmar com projecção no cenário de uma cena filmada em grande plano não foi mais do que um elemento vistoso. O Idiota ou O Iluminado (parece que esta é a tradução mais correcta) transportava um globo de luz: ele trazia a clareza, o esclarecimento, a sabedoria. Em suma, foi uma encenação que serviu o drama, mas cuja modernização nada acrescentou à obra.

A direcção musical de Hartmut Haenchen não tocou o sublime. Foi regular, mas faltou intensidade dramática e, no meu entender, sobretudo na cena da morte de Boris, foi demasiado rápido. Acresce o facto — negativo — de os sinos terem tocado, mas através de colunas de som que reproduziram o seu som previamente gravado... Ainda assim, a obra é magnífica e a qualidade foi muito razoável.

O Coro do Teatro Real ofereceu-nos os melhores momentos da récita: estiveram muito bem nos coros monumentais que esta ópera nos oferece e que são, sem dúvida, um dos seus pontos de maior interesse e destaque.

Gunther Groissbock foi Boris Godunov. Tem uma presença física espantosa e muito adequada ao papel e uma voz que sabe projectar com clareza. Todavia, a sua interpretação de Boris foi algo tensa, pouco dramática e, no meu entender, não suficientemente convincente. Creio que poderá vir a ser um bom Boris, mas ainda não o é.

Fiódor, o filho de Boris, foi interpretado por Alexandra Kadurina. Cumpriu bem o seu pequeno papel. Xenia, a filha de Boris, foi Alina Yarovaya: tem uma bela presença e também se apresentou vocalmente bem.

O príncipe Chuiski foi Stefen Margita que esteve em bom plano, quer vocal, quer cenicamente. A sua voz fez-se ouvir com clareza e tem um timbre adequado.

O tenor Michael Konig foi Grigori, o falso Dmitri. Creio que não tem uma voz cheia e ampla, e os agudos não são o seu forte. Cenicamente não foi perfeito. No seu todo, a sua prestação foi regular e esteve longe de encantar.

Dmitry Ulyanov foi o monge Pimen. Tem uma voz de baixo com enorme amplitude, potência e beleza. Interpretou o seu papel de forma exemplar e foi o melhor da noite! 

Marina Mnishek, a princesa polaca, foi o mezzo-soprano Julia Gertseva. Tem uma voz com um bom timbre e controla bem as notas mais agudas. Desempenhou bem o seu papel e foi uma das melhores da noite.

Yuri Nechaev foi Andrei Chelkalov e esteve bem, o mesmo se podendo dizer da dupla Rangoni (Evgeny Nikitin) e Varlaam (Anatoli Kotscherga). Este último, conceituado Boris, já estará longe daquilo de que foi capaz. A taberneira foi a mezzo-soprano Pilar Vázquez que nos foi apresentada com uma indumentária medonha, o que realçava a sua imagem corporal de enorme porte e nos distraía de uma voz pouco capaz. Já o Idiota foi o tenor Andrey Popov, que tinha uma voz adequada ao papel e cumpriu com destreza cenicamente.

Em suma, foi uma récita que, no seu todo, foi homogénea e interessante de seguir, mas com uma encenação que nada acrescentou (apesar de ser moderna...) e da qual não levamos nenhuma interpretação na memória.

----

(Review in English)

The opera Boris Godunov by Modest Mussorgsky is, without a doubt, one of the most original operas of time, not only by the argument - focused on issues of power and politics in which the people plays a vital role as a major character - as by scenic development and musical form.

Mussorgsky was not a professional composer – he was a military man who learned music by himself. His "amateurism" has led Rimsky-Korsakov (notable conductor) to consider the flaws of the original score and change over 3000 of the more than 4000 bars of the score, giving us a very harmonious and extraordinarily beautiful revised version. Who does not carry it in your head through recordings, for example, like Karajan’s with the sublime Boris interpreted by the truly unique voice of Nicolai Ghiaurov? However, since 1975, there has been a return Mussorgsky's original version with all its undeniable dramatic power and writing endowed with enormous modernity.

This opera met two versions. The first date of 1869 and seven scenes focused on psychological drama of Boris Godunov. The Mariinsky Theatre promptly rejected it by not settling in the usual setting of great dramatic opera: where was the great love duet? And what do the soprano already hired here and paperless? Would get just to watch? Definitely, no!

Not defeated, but enthusiastic, Mussorgsky delivered to the second version that definitely shows in 1872 with new scenes. Although according to the rules, it was just premiered two years after on January 27, 1874 at the Mariinsky Theatre. The critics said, "The composer is crazy," while the audience applauded enthusiastically, forcing the composer to come to the stage 20 times.

Boris Godunov is a drama based on the homonymous work of Alexander Pushkin (1826) and historical book "History of the Russian Empire" (1829) by Nikolai Karamazín. It was presented to us at the Teatro Real in a very complete way: with 10 scenes, incorporating the 1869 version scene of St. Basil's Cathedral, but abolished in 1872.

Johan Simons handled the new Teatro Real production but he does not brought great new ideas. The scenario is a ubiquitous and very degraded Soviet building of 3 floors and, by the way, very ugly. Then all the action unfolds, with one plan or another elevated, and there were several windows that were not utilized in the best way. The costumes were modern but they brought nothing to the opera. The actors’ direction was not magnificent, by the fact that it was poorly dramatic. The novelty was the invocation of the Russian group Pussy Riot, famous for faceless contestation of President Putin’s regime that has been invoked in some elements, notably between the choir. Using a camera for filming one of the scenes and projecting it in close-up way was not more than a fashionable element. The Idiot or the The Lighted (seems that this is the most correct translation) carried a globe of light: he was the one who brought clarity, enlightenment, and wisdom. In short, it was a performance that served the drama, but whose modernization added nothing to the work.

The musical direction of Hartmut Haenchen did not touched the sublime. It was regular, but lacked dramatic intensity and, in my opinion, especially in Boris's death scene was too fast. Moreover, the fact – negative - that the bells have rung, but through speakers that reproduce its sound previously recorded... Still, the work is beautiful and the quality was very reasonable.

The Choir of the Teatro Real has offered us the best moments of the recital: the choirs of this monumental opera offer us marvellous momentous and are undoubtedly one of its major points of interest and focus.

Gunther Groissbock was Boris Godunov. He has an amazing physical presence well suited to the role and a voice he projects clearly. However, his interpretation of Boris was somewhat tense, and dramatic but, in my opinion, not sufficiently convincing. I think he could be a good Boris, but still he is not.

Feodor, Boris' son, was Alexandra Kadurina. She served well her small role. Xenia, Boris’ daughter, was Alina Yarovaya: she has a nice presence and also performed well vocally.

The prince Chuiski was Stefen Margita who was in good plan, either vocal or scenically. His voice was heard with clarity and has a proper timbre.

The tenor Michael Konig was Grigori, the false Dmitri. He does not have a voice full and wide, and high-pitched notes are not his best. Scenically he was not perfect. Overall, his performance was regular and was far from delighted.

Dmitry Ulyanov was the monk Pimen. He has a bass voice with great range, power and beauty. He played his part in an exemplary manner and was the best performer of the recitation!

Mnishek Marina, the Polish princess, was mezzo-soprano Julia Gertseva. She has a voice with good tone and she controls well the higher notes. She played her role well and was one of the best of the night.

Yuri Nechaev was Andrei Chelkalov and he did well, the same can be said of the Rangoni (Evgeny Nikitin) and Varlaam (Anatoli Kotscherga). The latter, well known as Boris, is already far from what he was capable of. The Innkeeper was a mezzo-soprano Pilar Vázquez presented to us with a hideous outfit, which emphasized her heavy body image and distracted us of her little voice capacities. Idiot was the tenor Andrey Popov, who had a voice appropriate to the role and fulfilled skilfully scenically.

In short, it was a performance that, as a whole, was homogeneous and interesting to follow, but with a staging that added nothing (despite being modernity...) and which does not take into memory any singer interpretation.