A VALQUÍRIA / DIE WALKÜRE – Deutsche Oper am Rhein, Düsseldorf, Março / March 2018

(review in English below)

A Valquíria, de Richard Wagner, esteve em cena na Deutsche Oper am Rhein no Sábado de Páscoa.

O teatro tem uma acústica peculiar, a orquestra era “normal”, não excessivamente wagneriana, mas ouvia-se quase sempre em forte, embora alguns trechos soassem baixo.

A encenação foi de Dietrich Hilsdorf, guarda roupa de Renate Schmitzer, luzes de Volker Weinhart e dramaturgia de Bernhard Lobes. Apesar de ter os componentes clássicos (a espada era uma espada, a lança uma lança, o Wotan tinha o olho vendado) foi peculiar mas não pindérica. A acção passa-se numa guerra (um tema muito do agrado dos encenadores da Valquíria). O cenário é sempre o mesmo nos 3 actos, mas com modificações.

O 1º acto começa com a chegada do Hagen a casa, tentando acariciar a Siegliende, mas é por ela repelido. A casa tem uma grande mesa à esquerda do palco, com garrafas de vinho e copos (ficarão até ao final da ópera), por trás dela o tronco grande de uma árvore onde está cravada a espada Nothung. À direita há um fogão antigo e uma porta, deduz-se para o quarto, e nada mais, para além de umas cadeiras dispersas. Tudo o resto é convencional, embora a Sieglinde tem uma postura muito insinuante para com o Siegmund logo desde o início. No final, quando revelam as suas identidades de irmãos gémeos, vestem a roupa um do outro, numa cena que não resulta.

O 2º acto começa no mesmo local e estão sentados à mesa o Hunding, o Siegmund e a Sieglinde já grávida de 6 meses, que ouvem a oposição da Fricka à sua união adúltera e incestuosa. Também todo este acto decorre no mesmo cenário e é convencional. O Wotan toma uma atitude muito submissa e quase “derrotada” depois do pedido da Fricka, deita-se no chão quando fala com a Brünhilde, numa atitude muito pouco de acordo com a sua condição de deus. Quando ordena retirar o poder mágico da espada (que está sobre a mesa), cai a lança em cima dela, partindo-a, e fica espetada na vertical, talvez o efeito mais original e mais conseguido da encenação. É aqui que a lança aparece pela primeira vez e continuará nas mãos do Wotan.

O 3º acto começa ouvindo-se ruidosamente um helicóptero e ele aprece destruído no mesmo cenário com a mesa de um lado e o fogão do outro. Dele saem os heróis mortos, em tronco nu, tipo zombies, com as feridas mortais na cabeça, pescoço, tórax ou abdómen. As valquírias estão de vestido comprido escarlate e cavalos, nem na melhor imaginação. Oferecem vinho aos heróis, há muitos copos e muitas velas acesas na mesa. Depois tudo é convencional até ao fim (excepto o Hagen morto que permanece sentado num sofá que está na tal mesa até ao fim - é um boneco). A Brünhilde fica sentada numa cadeira perto da mesa e o fogo sagrado vê-se fora dessa sala, numa janela grande. Ainda pensei que as velas serviriam para o fogo mas não, grande parte delas são apagadas com vinho pelo Wotan.

A direcção musical, regular, da Düsseldorfer Symphoniker foi do maestro Axel Kober.

Em relação aos cantores principais, todos de grande categoria.

A Sieglinde, soprano sueca Elisabet Strid, foi a melhor da noite. Tem uma voz muito bonita, expressiva e interpretou a personagem de forma soberba, incluindo o desempenho cénico.

O Siegmund, tenor norte americano Corby Welch, foi o elo mais fraco. Pouco emotivo, os Wälse! saíram frouxos, no Winterstürme foi desinteressante e ocasionalmente deixou-se afogar pela orquestra.

O Hunding, baixo finlandês Sami Luttinen, tem uma voz cavernosa poderosíssima e teve uma interpretação correcta.

A Fricka, mezzo alemã Renée Morloc, cantou bem, ouviu-se sempre sobre a orquestra e ofereceu-nos uma interpretação convincente.

O Wotan, baixo barítono inglês Simon Neal, tem um timbre vocal muito bonito, audível sempre a orquestra e perfeitamente adequado à personagem. Se fez um papel excessivamente submisso e “derrotado”, terá sido por indicação do encenador.

A Brünhilde, soprano norte americana Linda Watson, ofereceu-nos também uma interpretação marcante, de qualidade superior. Cenicamente não foi muito criativa mas a voz destacou-se como uma das melhores, sempre sobre a orquestra e de grande expressão emotiva.

As valquírias: Helmige (Josefine Weber), Gerhilde (Jessica Stavros), Ortlinde (Katja Levin), Waltraute (Katarzyna Kuncio), Siegrune (Zuzana Sveda), Rossweisse (Maria Hilmes), Grimgerde (Katharina von Bülow) e Schertleite (Evelyn Krahe) estiveram globalmente bem, embora não tenha havido equilíbrio qualitativo entre todas.

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DIE WALKÜRE - Deutsche Oper am Rhein, Düsseldorf, March 2018

Richard Wagner's Die Walküre was on stage at the Deutsche Oper am Rhein on Easter Saturday.

The theater has a peculiar acoustics, the orchestra was "normal", not excessively Wagnerian, but it was almost always heard in forte, although some parts sounded piano.

The staging was by Dietrich Hilsdorf, Renate Schmitzer's costumes, Volker Weinhart lights. Despite having the classic components (the sword was a sword, the spear a spear, Wotan had the eye blindfold) the staging was peculiar. The action takes place in a war (a theme much to the liking of the directors of Valkyrie). The scenario was always the same in the 3 acts, but with modifications.

The first act begins with the arrival of Hagen in his house, trying to kiss Siegliende, but is repelled by her. The house has a large table to the left of the stage, with bottles of wine and glasses (that will remain until the end of the opera), behind it the large trunk of a tree where the sword Nothung is nailed. To the right there is an old stove and a door, it leads to the bedroom, and nothing else, besides scattered chairs. All the rest is conventional, although Sieglinde has a very insinuating behavior towards Siegmund right from the start. In the end, when they reveal their identities as twin brothers, they dress each other's clothes in a scene that does not work out.

The second act begins in the same place and at the table the are seated Hunding, Siegmund and Sieglinde already 6 months pregnant, who hear the opposition of Fricka to their adulterous and incestuous union. Also this whole act takes place in the same scenario and is conventional. Wotan takes a very submissive and almost "defeated" attitude after Fricka's request, lying on the floor when speaking to Brünhilde, in an attitude that is very little in accordance with his god condition. When he orders to remove the magical power of the sword (which is on the table), the spear drops on top of it, breaking the sword, and stuck vertically, perhaps the most original and most accomplished effect of the staging. This is where the spear appears for the first time and will remain in Wotan's hands.

The third act begins with a loud noisy helicopter and we see it destroyed in the same scenario with the table on one side and the stove on the other. From the elicopter exit the dead heroes, like zombies, with mortal wounds on the head, neck, thorax, or abdomen. The valkyries are in scarlet dark dress and without horses. They offer wine to the heroes, there are many glasses and many candles lit on the table. Then everything is conventional until the end (except for the dead Hagen who is sitting on a couch until the end - it's a doll). Brünhilde sits in a chair by the table and the sacred fire is seen outside this room, through a large window. I still thought the candles would serve the fire but no, most of them are wiped with wine by Wotan.

The musical direction of the Düsseldorfer Symphoniker was regular, by maestro Axel Kober.

Concerning the main singers, all were of great category.

Sieglinde, Swedish soprano Elisabet Strid, was the best of the night. She has a very beautiful and expressive voice, and interpreted the character in a superb way, including the stage performance.

Siegmund, North American tenor Corby Welch, was the weakest link. Unemotional, the Wälse! were loose, and in the Wintersturme was uninteresting and occasionally drowned by the orchestra.

Hunding, Finnish bassist Sami Luttinen, has a very powerful cavernous voice and had a correct interpretation.

Fricka, German mezzo Renée Morloc, sang well, she was always heard about the orchestra and offered us a convincing interpretation.

Wotan, English bass baritone Simon Neal, has a very beautiful vocal tone, always audible over the orchestra and perfectly suited to the character. If he has played an excessively submissive and "defeated" role, it will have been by appointment of the director.

Brünhilde, North American soprano Linda Watson, also offered us a remarkable interpretation, of superior quality. On stage she was not very creative but the voice stood out as one of the best, always over the orchestra and of great emotional expression.

The Valkyres: Helmige (Josefine Weber), Gerhilde (Jessica Stavros), Ortlinde (Katja Levin), Waltraute (Katarzyna Kuncio), Siegrune (Zuzana Sveda), Rossweisse (Maria Hilmes), Grimgerde (Katharina von Bülow) and Schertleite ) were globally well, although there was no qualitative balance among all.

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FALSTAFF de Giuseppe Verdi — Fundação Gulbenkian, 25.05.2013

(Review in English below)

Assistimos ontem, na Fundação Gulbenkian, à vigésima-oitava e última das óperas compostas pelo compositor italiano, Giuseppe Verdi. Estamos a falar da comédia lírica Falstaff, cujo libreto, escrito por Arrigo Boito (que colaborou com Verdi também em Otello e em Un Ballo in Maschera), se baseou na obra As Alegres Comadres de Windsor, de William Shakespeare.

A ópera, composta entre 1889 e 1893, foi estreada, obtendo enorme e imediato sucesso, a 9 de Fevereiro de 1893 no Teatro Alla Scalla, em Milão e foi, apenas, a segunda ópera de cariz cómico de Verdi, quarenta anos após a primeira e totalmente falhada tentativa com Un giorgno de regno, que foi retirada do Scalla milanês imediatamente após a primeira récita.

A história da ópera é conhecida dos amantes da ópera, pelo que não a descreveremos aqui. Em todo o caso, deixamos o link para o programa de sala disponibilizado pela Gulbenkian, que inclui, para além da sinopse, um excelente texto da autoria de Francisco Sassetti acerca de Falstaff.

O Falstaff de ontem foi apresentado em versão encenada, contando com a participação da encenadora italiana Rosetta Cucchi. Apesar de o Grande Auditório da Fundação Gulbenkian não se encontrar preparado para proceder a grandes encenações, visto tratar-se de uma sala de concertos, foi preparada uma versão que, poderíamos dizê-lo assim, ficou entre a versão encenada e a versão de concerto. Não obstante as limitações referidas, a “semi-encenação” foi muito simples mas eficaz. Foi montado um palco atrás da orquestra e, num plano mais elevado, surgia, do lado direito, uma barrica de vinho, adornada por um amplo conjunto de copos e garrafas de bebidas espirituosas, e uma cadeira alta ao estilo de um bar, que assim criavam o ambiente de taberna onde Sir John Falstaff se encontra boa parte do tempo da ópera a tratar de encher a barrica que carrega dentro do abdómen. Do outro lado, o direito, uma grande mesa redonda e um candeeiro criavam o ambiente de uma sala onde as Alegres Comadres confraternizavam, e aos quais se juntou um cesto-baú de verga no segundo acto, evocando o enorme cesto de roupa suja em que o “enorme” Falstaff é atirado ao rio para fugir do ciumento marido de Alice Ford, o Sir Ford.

No terceiro acto, e porque a ação se desenvolve na penumbra de um bosque à meia-noite, foi aberta a parte de trás do Grande Auditório, que tem vista para os jardins da Gulbenkian, pelo que o cenário da cena final ficou totalmente em consonância com as exigências do libretto. Enfim, e sem querer insistir em Francesco Esposito, que encenou as três óperas de Verdi que o Teatro São Carlos produziu em Abril e Maio e que foram amplamente descritas e comentadas neste blog, não podemos deixar de salientar que Rosetta Cucchi fez, com ainda menos, muito mais!

O maestro foi Lawrence Foster, tendo dirigido a Orquestra Gulbenkian, esteve, em geral, em bom plano, sem ter sido extraordinário, já que não foi clara a sua abordagem interpretativa da ópera. Nem foi propriamente cómica, com o foi claramente, por exemplo, Solti na gravação que fez para a Decca, nem optou por um estilo claramente mais intimista como Abbado na recente gravação para a Deutsche Grammophon. Por exemplo, no início da ópera faltou quase totalmente a estridência nos sopros, perdendo-se o início tosco e cómico de que os sopros devem dar imediatamente nota. Mas, gostos à parte, insistimos que a orquestra esteve, em geral, bem, tendo sido uma récita agradável. A curta participação do Coro Gulbenkian foi de qualidade.

Sir John Falstaff foi o barítono norte-americano Lester Lynch. Foi cénica e interpretativamente muito convincente, tendo cumprido perfeitamente as exigências cómicas da sua personagem, desde logo, mas não só, porque a sua figura física é perfeitamente compatível com a descrição de Falstaff: é enorme e, se as Alegres Comadres conseguissem aprovar o imposto sobre a gordura de que falam na ópera para castigar Falstaff, não temos dúvidas de que o intérprete não lhe conseguiria fugir. Tem uma voz muito profunda e muito potente, não revelando dificuldades nos agudos mais fortes, mas tem um certo grão na voz que prejudica a clareza na projeção e a dicção.

Sir Ford foi o barítono moldavo Igor Gnidii. Foi, talvez, a melhor voz da récita. Tem uma voz potente e clara e, do ponto de vista da interpretação, esteve muito bem, quer vocal, quer cenicamente. Na sua ária principal (se se puder falar disso nesta ópera) – È sogno, o realtà? – esteve muito bem e a sua interpretação foi muito correta: nem foi muito agressivo, como alguns barítonos tendem a ser, apesar das dúvidas que, não obstante o encontro de Falstaff com Alice até já estar marcado, deviam ter, nem demasiado descrente no seu ciúme, o que teria dado espaço a uma interpretação amorfa.

O tenor português Fernando Guimarães foi Fenton. O papel é relativamente pequeno, mas muito melodioso. Esteve bem, sem ser perfeito, mas cumpriu plenamente o papel. Tem um timbre muito bonito e boa presença em palco. A projeção da sua voz nem sempre é a ideal, apresentando por vezes algumas dificuldades, ainda que, desta vez, menos do que em anteriores situações em que tivemos oportunidade de o ouvir.

Dr. Caius foi o tenor austríaco Dietmar Kerschbaum. O papel desta personagem é bastante curto e tem especial importância logo no início do primeiro acto. Gostámos da sua voz, que é melódica e bastante bem sustentada. Projetou sempre bem a sua voz e esteve cenicamente bem.

O tenor alemão Paul Kaufmann foi Bardolfo, enquanto que o baixo português Nuno Dias foi Pistola. Gostámos igualmente de ambos, tendo os dois funcionado muito bem cenicamente sendo as suas vozes bastante audíveis. Apesar de a sua participação ser bastante limitada, são das poucas personagens da ópera de cariz estritamente cómico, campo em que estiveram muito bem e coordenados.

Alice Ford foi encarnada pelo soprano francês Isabelle Cals. Gostámos muito da sua prestação. Tem um papel central na ópera e conseguiu sê-lo efetivamente, quer ao nível da sua capacidade vocal, quer no campo da interpretação cénica.

O soprano romeno Liliana Faraon foi Nanneta. Tem um timbre bonito e agradável, esteve bem cenicamente. Projetou relativamente bem a voz, mas nem sempre com a sustentação ideal dos agudos, nomeadamente dos mais prolongados.

Renée Morloc, meio-soprano alemão, foi Mrs. Quickly. Apresentou uma voz bastante profunda e interpretou muito bem o seu papel, que tem um carácter essencialmente cómico. Contracenou muito bem com Falstaff quando surge na taberna para lhe dar conta do “interesse” de Alice e de Meg Page no amor que Falstaff lhes oferecera.

Meg Page foi interpretada pelo meio-soprano irlandês Zandra McMaster. O papel é praticamente irrelevante do ponto de vista vocal. Entre o quarteto de vozes feminino não tem qualquer destaque individual, ao contrário das outras três personagens. Ainda assim, esteve bem, conquanto não possamos fazer uma apreciação muito concreta da sua voz.

Em suma, foi uma récita bastante boa, que confirma a boa réplica que a Fundação Gulbenkian tem dado nas poucas óperas que têm feito parte da temporada 2012/2013 (relembremo-nos, por exemplo, da excelente A Flauta Mágica de Mozart, com Renée Jacobs) e que abre boas perspectivas para o que se poderá escutar nas versões de concerto da ópera Otello, que terão lugar na próxima quinta-feira (dia 30 de Maio) e no próximo Domingo (dia 2 de Junho), às quais iremos assistir e de que se dará conta neste blog.

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(Review in English)

Yesterday, we attended at the Gulbenkian Foundation the twenty-eighth and last opera composed by Italian composer Giuseppe Verdi. We are talking about the lyrical comedy Falstaff, whose libretto, written by Arrigo Boito (who also collaborated with Verdi in Otello and Un Ballo in Maschera), was based on the work The Merry Wives of Windsor by William Shakespeare.

The opera, composed between 1889 and 1893, was premiered at February 9, 1893 at the Teatro Alla Salla in Milan getting huge and immediate success,  and was only the second Verdi’s comic opera, forty years after the first and utterly failed attempt to Un Giorgno di regno, which was removed from Scalla immediately after the first recitation.

Opera lovers know the opera history, so we will not describe it here. In any case, we leave the link to the room’s program provided by the Gulbenkian, which includes, beyond the synopsis, an excellent text by Francisco Sassetti about Falstaff.

Falstaff was presented in staged version, with the participation of the Italian stage director Rosetta Cucchi. Although the Grand Auditorium of the Gulbenkian Foundation not find prepared to make major scenarios, as it is a concert hall, the version that was prepared, we could say it, thus became between a staged and concert opera version. Despite these limitations, the "semi-staged" was very simple but effective. A stage was mounted behind the orchestra. On a higher plane, it appeared on the right side, a barrel of wine, adorned by a wide set of glasses and wine bottles, and a high chair in the bar style, so they created tavern environment where Sir John Falstaff is having great time filling the barrel that he carries inside his abdomen. On the other hand, at the right side, a large round table and a lamp created the atmosphere of a room where the Merry Wives fraternized, and joined them a basket-wicker chest in the second act, evoking huge laundry basket in which the "huge" Falstaff is thrown into the river to escape the jealous husband of Alice Ford, Sir Ford. In the third act, and because the action unfolds in the shadows of a forest at midnight, the opened back stage of the Grand Auditorium, which overlooks Gulbenkian’s gardens, was totally perfect and matching libretto’s requirements. Finally, and without wanting to insist in Francesco Esposito, who staged three Verdi’s operas at Teatro São Carlos in April and May that were widely described and commented on this blog, we must point out that Rosetta Cucchi made, with even less money, much better!

The conductor Lawrence Foster was, directing Gulbenkian Orchestra, generally in good plan, without being extraordinary, since it was not clear his interpretive approach of the score. Neither it was strictly comic, as it is clearly, for example, Solti’s recording for Decca, or intimate as the recent Abbado’s recording for Deutsche Grammophon. For example, at the beginning of the opera it nearly completely lacked the stridency in wind instruments, losing the early rough and humorous that they should immediately take note. But taste aside we insist that the orchestra was, in general, well, having been a nice recitation. The Gulbenkian Choir interpreted the short choral role with quality.

Sir John Falstaff was the American baritone Lester Lynch. He was very scenic and interpretively compelling, and perfectly fulfilled the requirements of his comic character from the outset, but not only, because his physical figure is perfectly compatible with the description of Falstaff: he is huge and if the Merry Wives managed to approve a tax punnishing fat as they proposed, we have no doubt that the interpreter will not be able to escape. He has a very deep voice and very powerful, not revealing difficulties in high pitch notes, but has certain grit in his voice that impairs clarity in diction and projection.

Sir Ford was the Moldovan baritone Igor Gnidii. He was perhaps the best voice of recitation. He has a powerful and clear voice, and at the point of view of interpretation, he did it very well, either vocal or scenically. In his principal aria (if one can speak of it in this opera) - È sogno, to realtà? – he was very good and his interpretation was quite correct: neither was very aggressive, as some baritones tend to be, despite doubts that he should have because of Falstaff previous arranged meeting with his wife, or too cynical in his jealousy, which would have given way to an amorphous interpretation.

The Portuguese tenor Fernando Guimarães was Fenton. The role is relatively small, but very melodic. He was good without being perfect, but fully fulfilled the role. He has a beautiful timbre and good stage presence. The projection of his voice is not always ideal, sometimes presenting some difficulties, though, this time, less than in previous situations where we had the opportunity to hear him.

Dr. Caius was the Austrian tenor Dietmar Kerschbaum. The role of this character is quite short and is especially important early in the first act. We liked his voice, which is melodic and very well supported. He always projected his voice well and was scenically at good level.

The German tenor Paul Kaufmann was Bardolph, while the Portuguese bass Nuno Dias was Pistol. We liked both equally, and both worked very well scenically and with their voices quite audible. Although their participation is quite limited, are the few characters of the opera strictly oriented to be comic, they were very good and coordinated.

Alice Ford was incarnate by French soprano Isabelle Cals. We enjoyed her performance very much. She has a central role in the opera and managed it effectively, both in terms of her vocal ability, and in the field of scenic interpretation.

The Romanian soprano Liliana Faraon was Nanneta. She has a beautiful and pleasant tone, and she was very well scenically. She projected her voice relatively well, but not always with the ideal support of high notes, in particular longer ones.

Renée Morloc, German mezzo-soprano, was Mrs. Quickly. She presented a very deep voice and played her role very well which is essentially comic. She was playing opposite very nicely with Falstaff when she arises the tavern to give account of the "interest" of Alice and Meg Page in Falstaff love he offered them by letter.

Meg Page was interpreted by Irish mezzo-soprano Zandra McMaster. The role is practically irrelevant from the vocal standpoint. Among the quartet of female voices she has no prominent role, unlike the other three characters. Still, she was good, although we cannot make a very real appreciation of her voice.

In short, it was a very good recitation, which confirms the good replica Gulbenkian Foundation has been given in the few operas that have been part of the 2012/2013 season (we remember, for example, the excellent The Magic Flute by Mozart, with Renée Jacobs), and augurs for what we can hear in concert versions of opera Otello, which will take place next Thursday (May 30th) and next Sunday (June 2), to which we will attend and will comment in this blog.