CARMEN, METropolitan OPERA, Outubro / October 2012

(review in english below)

Foi com satisfação que revi esta produção da Carmen de Bizet, no Met. Tinha como atractivo ser interpretada por diversos cantores que ou não conhecia, ou nunca tinha ouvido nos papéis solistas.

A produção de Richard Eyre é feita num palco duplamente rotativo bem imaginado que, ao rodar sobre si próprio, nos mostra Sevilha, os seus arredores, a taberna de Lillas Pastia e a praça de touros. O final é interessante – logo após Don José matar a Carmen vê-se, pela primeira vez, o interior da praça, onde um touro acabou também de ser morto.

A direcção musical do italiano Michele Marotti foi um pouco acelerada de início, mas correcta e agradável até final e os Coros (de adultos e infantil) estiveram muito bem.

Em relação aos solistas é que a coisa foi mais estranha. Resumindo, foi uma Carmen para se “ver” de ouvidos abertos e olhos fechados.

Como já aqui referi, valorizo muito a componente cénica das óperas mas, nesta récita, ela foi desconcertante. Passo a explicar:

Carmen foi interpretada pelo jovem mezzo georgiano Anita Rachvelishvili. É uma cantora que nunca tinha visto. Tem uma voz muito potente, afinada e com um registo grave fantástico. Encheu completamente o teatro quando cantou e estou certo que, mesmo quem estava nos locais mais distantes, ouviu-a sempre na perfeição. Mas como Carmen não teve mais nada. A figura não ajudou e não transmitiu qualquer sensualidade, ousadia ou rebeldia. Um comportamento oposto ao exigido pela personagem.

O tenor coreano Yonghoon Lee que também nunca tinha ouvido, foi Don José. Mais uma vez, um cantor de grande qualidade vocal, com voz poderosa, agudos fáceis e mantendo a qualidade em todos os registos. O cantor, de figura magra e agradável, também não foi capaz de transmitir emoção à personagem que interpretou. Os duetos com a Carmen foram desprovidos de qualquer sentimento ou paixão. Tudo foi forçado e sem chama. O mesmo se pode dizer quando contracenou com Michaela.

Kate Royal, soprano britânico, fez uma Micaela também pouco emotiva, monótona na interpretação. Não falhou vocalmente e ouviu-se bem, mas espera-se muito mais que isso.

O Escamillo do baixo barítono norte americano Kyle Ketelsen cumpriu o papel sem empolgar. Tem uma voz de timbre agradável e foi, ainda assim, o mais homogéneo no binómio canto-representação. (Bem diferente da sua interpretação como Leoporello na temporada passada).

Os cantores dos papeis secundários estiveram melhor cenicamente, nomeadamente Trevor Scheunemann como Morales, Keith Miller como Zuniga, Danielle Pastin como Frasquita, Ginger Costa-Jackson como Mercédès e Keith Jameson como Remendado, o melhor de todos eles.

O público, como também é habitual por aqui, aplaude tudo intensamente, o bom e o menos bom, e começa a aplaudir muito antes de a música terminar. Desta vez, perto do final da ária “La fleur que tu m’avais jetée”, os aplausos foram tão precoces que, quando terminaram, o maestro repetiu os compassos orquestrais finais (seguidos de novo surto de aplausos)!

Foi uma Carmen com encenação vistosa mas sem qualquer pingo de sangue latino.

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CARMEN, METropolitan OPERA, October 2012

I was pleased to have the chance to see again this production of Bizet's Carmen at the Met. It was attractive to me because it would be interpreted by singers who either I did not know or I never heard in these solo roles.

Richard Eyre production is done on a stage rotating doubly that shows Seville, its surroundings, Lillas Pastia tavern and the bullfight plaza. The ending is interesting - after Don José kills Carmen we see for the first time, the interior of the bullfight plaza, where a bull ended up also being killed.

The musical direction of Italian conductor Michele Marotti was a little fast at first, but end up nicely and the Choirs (adults and children) were very good.

The weirdest aspect were the soloists. In short, it was a Carmen to "see" ears open and eyes closed.
As I have mentioned before in this blog, I value very much the artistic component on stage of the operas. In this performance, it was disconcerting. Let me explain:

Carmen was played by the young Georgian mezzo Anita Rachvelishvili. She is a singer who I had never seen. She has a very powerful voice, perfect pitch and with a fantastic low register. Her voice completely filled the theater when she sang and I am sure that even those who were in the most distant places heard her perfectly. But of Carmen there was nothing else. She did not show any sensuality, daring or rebellious. An opposite behavior to that required by the character.

The Korean tenor Yonghoon Lee that I also have not heard before was Don Jose. Again, a singer of great vocal quality, with a powerful voice, easy top notes and maintaining quality in all registers. The singer, with a nice slim figure, was not able to convey emotion to the character he played. The duets with Carmen were devoid of any feeling or passion. Everything was forced and flameless. The same applies to those with Michaela.

British soprano Kate Royal was a little emotional Micaela with a monotonous interpretation. She was well heard and did not fail vocally, but we expected much more than that.

Kyle Ketelsen, American bass baritone was Escamillo. He fulfilled the role without thrill. he has a pleasant tone of voice and he was the most homogeneous when considering the binomial aspect singing – acting. (But he was very different form his role in Leoporello in last season).

The singers of the secondary roles were much better in the artistic side, especially Trevor Scheunemann as Morales, Keith Miller as Zuniga, Danielle Pastin as Frasquita, Ginger Costa-Jackson as Mercédès and Keith Jameson as Remendado, the best of them all.

The public, as usually around here, applauds everything intensely, the good and the less good, and starts applauding long before the music ends. This time, close to the end of the aria La fleur que tu mávais jetée, the applauses were so premature that when finished, the maestro repeated the final orchestral part (followed by a new outbreak of applause)!

A showy Carmen but without any hint of Latin blood.

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ORFEO ED EURIDICE – METropolitan Opera, Abril de 2011

(review in English below)

 Orfeo ed Euridice é uma ópera de Christoph Willibald Gluck com libretto de Ranieri de Calzabigi. Passa-se no mundo mitológico grego e relata a história de Orfeu (que recebeu da mãe o dom da música) que logo após casar com Euridice e esta morrer depois de ser mordida por uma cobra, decide descer aos infernos, onde nenhum ser humano havia ido, pedir os deuses que lhe restituam Euridice.

 A ópera foi estreada em 1762 em Viena e quebrou a tradição da ópera italiana da época, que se caracterizava por ter vários solistas principais, incluindo dois pares de amantes, árias elaboradas e ausência de coro. Neste caso há apenas três solistas, o coro é parte principal da ópera e não há árias de grande complexidade vocal (ideais para os castrati, que à época dominavam a ópera, mostrarem os seus dotes acrobáticos vocais) mas sim árias mais simples, que pretendem impressionar o público pela sua sensibilidade mais dramática.

Orfeo chora a perda da mulher, Euridice, em frente ao seu túmulo. Surge o Cupido (Amore) que lhe diz que os desues, sensibilizados com a sua dor, lhe permitem descer aos infernos e trazer de volta Euridice, com a condição de não olhar para ela nem lhe dizer o porquê dessa atitude. Orfeo, nos infernos, canta e toca a sua lira para acalmar os guardiães, encontra Euridice, toma-a pela mão e, sem olhar para ela, pede-lhe que volte com ele. Euridice não compreende a atitude de Orfeo e atribui-a à frieza de espírito e critica-o. Orfeo acaba por olhar para Euridice e ela cai, de imediato, inanimada. Orfeu fica desesperado mas surge de novo Amore que lhe diz que merece ter a Euridice, sendo-lhe restituída a vida. A ópera termina com todos a cantarem a força do amor.

 Mark Morris concebeu uma encenação pouco convencional. O coro está disposto em várias filas em altura, em anfiteatro, que rodeia o palco. Os seus elementos fazem gestos ritmados mas a interpretação cénica do que cantam é concretizada por um grupo grande de bailarinos vestidos de forma contemporânea. Amore desce pendurada da parte superior do palco e, para a descida de Orfeo aos infernos, surge também de cima uma longa escadaria que se estende para baixo do palco. Nos infernos o palco roda e Orfeu e Euridice percorrem um caminho estreito entre as rochas. Interessante.

 O maestro australiano Antony Walker dirigiu com muita classe uma orquestra barroca, reduzida, com um cravista de excelente qualidade, Jonathan Kelly. O coro foi excepcional e, nesta ópera, o seu papel é de importância idêntica ao do solista principal.

 David Daniels, contra-tenor americano foi um Orfeu de grande qualidade. Conseguiu projectar a voz de forma bem audível, mesmo num teatro com as dimensões do Met. O timbre é de considerável beleza e, na aria “Che farò senza Euridice?” transmitiu um apreciável sentimento de desespero.

 Euridice foi interpretada pelo soprano inglês Kate Royal. Foi outra grande intérprete da noite. A voz é jovem, fresca e bem audível, mantendo a mesma qualidade em todos os registos. Cenicamente foi bastante credível e a figura é muito adequada à personagem.

 Lisette Oropesa, soprano americano, foi também uma presença muito agradável no papel de Amore. É outra cantora jovem de voz limpa e bonita que esteve à altura dos outros solistas e mostrou ter algum sangue frio, ao descer (e subir) das alturas, a cantar, apenas presa por um cabo que mal se via.

Um espectáculo muito agradável e consideravelmente diferente do habitual.

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Orfeo ed Euridice - Metropolitan Opera, April 2011

Orfeo ed Euridice is an opera by Christoph Willibald Gluck with a libretto by Ranieri Calzabigi. It takes place in the Greek mythological world and tells the story of Orpheus (which received from his mother the gift of music) that soon after marrying Euridice (after the marriage she was bitten by a snake and died) decides to descend into hell, where no human being had gone before, to ask the gods to give him back his Euridice.

The opera was premiered in Vienna in 1762 and broke the tradition of Italian opera, which was characterized by having several leading soloists, including two pairs of lovers, elaborate arias and no chorus. In this case there are only three soloists, the chorus is the main part of the opera, and there are no arias of great vocal complexity (ideal for castrati, who dominated the opera at the time, showing their acrobatic vocal talents), but rather simpler arias, to impress the audience by their more dramatic sensitivity.

Orpheus mourns the loss of his wife, Euridice, in front of her tomb. Cupid (Amore) appears and tells him that  the gods, touched by his pain, allow him to descend into hell and bring back Euridice, on condition he does not look at her or tell her why his attitude. Orpheus, in the hell, sings and plays his harp to calm down the keepers, finds Eurydice, takes her hand and, without looking at her, ask her to return with him. Euridice does not understand the attitude of Orpheus and assigns it to his coolness and criticizes him. Orpheus decides to look at Euridice and she falls instantly lifeless. Orpheus is desperate but Amore appears again and tells him that he deserves to have Euridice back. She is restored to life. The opera ends with everyone singing the power of love.

Mark Morris developed an unconventional staging. The choir is arranged in several rows in height, an amphitheater, which surrounds the stage. Its elements perform rhythmic gestures but the stage interpretation of is carried out by a large group of dancers dressed in contemporary fashion. Amore descends, hanging down from the top of the stage. For Orpheu's descent into hell, there is also a long staircase that extends down from the stage. In the underworld, after a rotation of the stage, Orpheus and Eurydice walk along a narrow path among rocks. Interesting.

The Australian Antony Walker conducted in a bright way a small baroque orchestra, with an harpsichordist of excellent quality, Jonathan Kelly. The choir was exceptional and, in this opera, its role is of equal importance to the principal soloist.

David Daniels, American counter-tenor was a high quality Orpheus. He projected his voice loud and clear, even in a theater with the dimensions of the Met. The timbre is of considerable beauty, and in the aria "Che faro senza Euridice?" his despair was notorious.

Euridice was interpreted by British soprano Kate Royal. She was another great performer of the night. The voice is young, fresh and very audible, while keeping the same quality in all registers. Artistically she was quite credible and her figure is very well suited to the character.

Lisette Oropesa, American soprano, had also a very nice presence in the role of Amore. She is another young singer with a beautiful, clean voice that was at the same quality level of the other soloists. And she proved to be cold-blooded to descend (and rise) of the heights, while singing, just hanging by a cable that was barely seen.

It was a very nice performance, different from the conventional.

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Die Zauberflöte – Royal Opera House – 9 Fevereiro 2011

(review in english below)

De há alguns meses a esta parte, coincidindo com o lançamento da gravação de René Jacobs, que venho redescobrindo a Flauta Mágica de Wolfgang Amadeus Mozart como uma das suas maiores criações. Penso que podemos compará-la quase à Carmen no sentido em que a sequência de árias é de qualidade consistente e de bela marcante. Se escutarmos e vermos com atenção, talvez seja também, a mais moralizadora das óperas deste compositor.

A oportunidade de assistir à já clássica e consagrada encenação da obra pela Royal Opera House foi, assim, imperdível.

Tal como o Barbeiro de Sevilha, também esta produção está imortalizada em DVD, com o elenco de estreia em 2003 com Diana Damrau como a Rainha da Noite, Will Hartmann como Tamino, Dorothea Röschmann como Tamina, Simon Keenlyside como Papageno, restando como únicos links a esta reposição, Franz-Josef Selig como Sarastro e Colin Davis no pódio.



Nem mesmo o anúncio da indisposição de Joseph Kaiser e a sua substituição por um desconhecido para mim, de seu nome Lothar Onidius, fez estragar a récita até porque este se revelou uma excelente aposta. Embora na primeira ária de Tamino tenha duvidado da adequação da sua voz ao papel (Tamino tem de ter uma voz clara de tenor, sem grande peso baritonal), o desenrolar da récita fez-me voltar atrás neste pensamento porque se demonstrou um excelente Tamino, perfeitamente entrosado na encenação e apaixonante na sua entrega.

Kate Royal, que foi mãe recentemente, era outra das grandes antecipadas audições. Li algumas críticas negativas sobre o facto da sua voz se ter tornado mais grave após a maternidade e de que o papel de Pamina não seria já adequado. Conhecendo-a apenas de gravações de CD, devo confessar que não notei que o papel não se enquadrasse à sua voz. Muito lírica, segura, emotiva, perfeita!

Jessica Pratt é uma das jovens promessas do canto lírico inglês e não desiludiu (apesar de algumas e iguais críticas negativas). Não esta, neste momento, ao nível de outros grandes nomes que interpretam o papel nos dias de hoje, como Diana Damrau, por exemplo, mas a sua voz revela segurança, afinação, e muito bom ensino de respiração entre frases que é uma capacidade a ter para cantar a dificílima ária do 2º acto. Gostei.

Agora, na minha opinião, os reis da noite foram 2: Christopher Maltman e Franz-Josef Selig.

Christopher Maltman é simplesmeste espectacular! A sua vivência jocosa do terreno Papageno (em oposição ao espiritual Tamino...) é simplesmente deliciosa. A sua voz de barítono é de classe, timbre bonito, flexível. É um dos que consegue transmitir sentimentos quase só pela voz mas que junta a essa capacidade, a capacidade cénica. Genial!

Franz-Josef Selig é um marco como baixo. Aqui fez um papel de qualidade estrelar. Difícil por em palavras o que se sente quando canta “O Isis und Osíris”... Soberbo!

Os restantes elementos estiveram muito bem, incluindo o trio de rapazes, embora tenha ficado com a ideia de alguma assimetria de qualidade entre os três mas sem capacidade de os distinguir.

Colin Davis, apesar da idade, ainda é capaz de levar a cabo uma Flauta ao estilo de Karl Bohm, ou seja, como eu adoro. Imprime um andamento balanceado, demonstrando profundo conhecimento dramático da obra.



A Orquestra e o Coro, como habitual, magníficos!



Se não conhecem esta obra façam por a conhecer!

Se a conhecem, revivam-na na sua genialidade!




Die Zauberflöte - Royal Opera House - February 9, 2011



Since the release of Rene Jacobs recording, a few months ago, I have been rediscovering the Magic Flute by Wolfgang Amadeus Mozart as one of his greatest creations. I think we can compare it almost to Carmen in the sense that the sequence of arias is of consistent quality and beauty. If we see and listen carefully, this opera is also perhaps the most moralistic of this composer.

The opportunity to attend the classic and consecrated staging of the work at the Royal Opera House came as a treat.

Like Il Barbieri di Siviglia, this production has been immortalized on DVD with the original cast of 2003 - Diana Damrau as the Queen of the Night, Will Hartmann as Tamino, Dorothea Röschmann as Tamina, Simon Keenlyside as Papageno, leaving as the only links for this revival, Franz-Josef Selig as Sarastro and Colin Davis on the podium.



Not even the announcement of the unwillingness of Joseph Kaiser and its replacement by a stranger to me, named Lothar Onidius, did spoil the evening because this singer has proved to be an excellent bet. Despite doubting the appropriateness of his voice to the role (Tamino must have a clear tenor voice, without much weight baritonal), the course of the opera made me go back on this thought because Onidius end out to be an excellent Tamino, perfectly mingled in the staging and passionate in his delivery.

Kate Royal, who recently became a mother, was another much anticipated voice to hear live. I read some negative reviews about the fact that her voice became more low pitched after the maternity and that the role of Pamina would not be appropriate to her voice nowadays. Knowing her only from CD recordings, I must confess that I did not notice that the role did not fit in her voice. Very lyrical, safe, emotional, perfect!

Jessica Pratt is one of the British promising young opera singers and did not disappoint (despite some bad reviews). She may not be at the almost perfect level of other big names who play the role today, as Diana Damrau, for example, but her voice reveals security, tuning, and she has a very good knowledge of the breathing technique between sentences which is a must have when you try to sing the very difficult Queen of the Night aria from Act 2. I liked her.

Now, in my opinion, the kings of the evening were two: Christopher Maltman and Franz-Josef Selig.

Christopher Maltman is simply spectacular! His comic experience of the hearthy Papageno (as opposed to a spiritual Tamino ...) is simply delicious. His baritone voice has class, a beautiful tone, is flexible. It is that kind of voice that manages to convey feelings almost exclusively by itself. You feel the emotions and the drama even with your eyes shut. Genial!

Franz-Josef Selig is a landmark as a bass. Here he made a star-quality role. It is difficult to put into words what one feels when he sings "O Isis und Osiris" ... Superb!

The other elements were very good, including the trio of boys, although I felt some asymmetry in quality between the three but hard to tell who was less good.

Colin Davis, despite his age, is still able to carry a flute in the style of Karl Bohm, just the way I like. He conveys a balanced pace, showing a profound understanding of this work.



The Orchestra and Choir, as usual, magnificent!



If you do not know this Opera, go out there and discover it!

If you know it, relive it in its geniallity!