Tristan und Isolde: Staatsoper Unter den Linden at the Schiller Theatre, Berlim – 10 de Março de 2012

Foi com enorme prazer que, recentemente, acedi a tomar parte no ilustre rol de colaboradores deste blogue. Inicio, com a presente resenha, um modesto labor que se possa constituir, minimamente, frutuoso ainda que, relativamente, escasso, em termos quantitativos.

Tristan und Isolde é um drama musical em três actos, composto por Richard Wagner entre 1857 e 1859, substancialmente baseado no romance homónimo do escritor medievo Gottfried von Straßburg.

Originalmente apresentada há cerca de uma década, a encenação de Harry Kupfer gravita em torno de uma imponente escultura de um anjo, baseada numa imagem captada em Roma pela fotógrafa alemã Isolde Ohlbaum, que se constitui centro nevrálgico do universo dramatúrgico proposto.

A disposição móbil do objecto em questão, pontuando o evolver da narrativa, concorre para a perspectivação, sob ângulos díspares, de todo um conjunto de reentrâncias e depressões que o encenador vai operando, de modo eficaz, na movimentação cénica.

Num plano secundário, surgem diversas lápides tumulares envoltas num fundo composto por um painel branco, aludindo a um horizonte espacial, que cede ao ocaso assim que os protagonistas sorvem o filtro.

Despretensioso e eficiente o jogo de luzes, alicerçado num leque objectivo de analogias cromáticas, dominado, como forma de exemplo, por tons argênteos (Liebesnacht) ou rubros (Morte de Tristão).

Em Tristão, o norte-americano Ian Storey, iniciou a récita de modo discreto, evidenciando algumas debilidades na região grave, acrescida de uma emissão algo pesada, materializada num fraseado irregular. Detentor de um instrumento de volume considerável, exibindo um registo agudo absolutamente inabalável e uma enorme resiliência vocal, sucedeu em debelar as fragilidades patenteadas com um segundo acto em gradual ascendente, culminando num delírio de assinalável impacto dramático, no derradeiro acto.

Albergando um instrumento sólido, o Kurvenaldo de Martin Gantner surgiu excessivamente vigoroso, denotando uma determinada agrestia na linha de canto e agudos algo destimbrados. Manifesta mutação na vigília a Tristan no terceiro acto, marcada por um assinalável lirismo e engajamento dramático, numa abordagem de agradável efeito.

Possuidora de uma voz pujante, ainda que matizada de um ligeiro metal tímbrico, Iréne Theorin (substituindo Waltraud Meier) ofertou uma leitura fundada num basto dramatismo, percorrendo de forma persuasiva o espectro emocional de Isolda. Não obstante a tendência evidenciada para uma insistente estridência nas passagens em forte no registo médio-agudo, destacou-se pela precisão do ataque no limiar da região aguda, designadamente, na narrativa do acto inicial. O soprano concluiu com um Liebestod de grande contenção e desprovido de artifícios supérfluos num belíssimo momento cénico.

Em reportório mais congenial (recorde-se a sua Giovanna Seymour em Anna Bolena no MET), Ekaterina Gubanova gizou uma Brangânia cúmplice na contracena com Isolda. Com um fraseado idiomático, assente em graves e médios encorpados envoltos num timbre escuro, acusou, contudo, alguma perda de espessura na coluna de som, sobretudo no registo agudo, soando em esforço a linha vocal. Destacou-se, sobremodo, pela essência quase diáfana das suas intervenções no dueto de amor.

René Pape foi um Rei Marke absolutamente modelar no timbre cultivadíssimo, emissão homogénea e execução irrepreensível da linha melódica. Em termos cénicos, esteve certeiro na assunção do nobilíssimo monarca afrontado na honra e dignidade. O mais constante em palco.

Florian Hoffmann, em duplo papel (marinheiro e pastor), destacou-se pela elegância do timbre e admirável emprego da meia voz, valorizando as páginas iniciais. O veterano Reiner Goldberg em Melot e Arttu Kataja como um piloto cumpriram dignamente.

No elmo da Staatskapelle de Berlim, Daniel Barenboim evidenciou uma perfeita noção do monumental arco dramático da obra. Admirável na exercitação da claridade e domínio das texturas orquestrais, simultaneamente, obstando a que a leitura adquirisse um cariz meramente analítico, foi absolutamente magistral na dilaceração impressa às cordas no prelúdio do terceiro acto. Exemplar articulação orquestral com notável execução em todos os naipes, avultando metais e madeiras. Habitual frequentador da obra, o maestro argentino brindou o público com, porventura, a interpretação contemporânea de referência.

Uma récita com intérpretes, globalmente, em bom plano e uma soberba direcção orquestral.

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Tristan und Isolde: Staatsoper Unter den Linden at the Schiller Theatre, Berlin – 10th March 2012

It was with enormous pleasure that, recently, I conceded taking part in the illustrious list of collaborators on this blog. I’ll begin, with the present text, a modest activity which might be able to constitute itself, minimally, fruitful, although, quantitatively speaking, rather scarce.

Tristan und Isolde is a musical drama in three acts, composed by Richard Wagner between 1857 and 1859, largely based in the romance of the same name by the medieval writer Gottfried von Straßburg.

Originally presented about a decade ago, Harry Kupfer’s staging gravitates around an imposing sculpture of an angel, based on a photo taken in Rome by the German photographer Isolde Ohlbaum, which constitutes itself as neuralgic centre of the suggested dramaturgic universe.

The mobile disposition of the object in question, pinpointing the story’s development, puts in perspective, from different angles, all sorts of recesses and hollows which the director keeps operating, effectively, in stage deportment.

In the background, there appear several gravestones wrapped in a white panel, referring to some kind of spatial horizon, which gives way to dusk as soon as the lovers drink the love potion.

Unassuming and efficient lighting, based on an objective gamut of chromatic analogies, dominated, as an example, by silvery (Liebesnacht) or red (Tristan’s death) tones.

As Tristan, the American Ian Storey, started the performance discreetly, showing some weaknesses in the bass notes, accompanied by a somewhat heavy emission, materialized on irregular phrasing. Holder of an instrument with considerable volume, exhibiting an absolutely unshakable top register and a huge vocal resilience, he succeeded in taming the manifested frailties with a second act characterized by increasing power, culminating with a remarkable delirium in its dramatic impact, in the final act.     

Harbouring a solid instrument, Martin Gantner’s Kurwenal began with excessive vigour, denoting some roughness in the line and whitish top notes. Clear mutation in the vigil to Tristan in the third act, distinguished by great lyricism and dramatic thrust, in a reading of nice effect.

Possessor of a mighty voice, although lightly tinted in a metallic tone, Iréne Theorin (subbing for Waltraud Meier), offered a reading based on great dramatics, persuasively going through Isolde’s emotional spectrum. Notwithstanding some tendency towards an insistent stridency on forte passages in the break of the voice, she distinguished herself for the precision of the attack in the high register, namely, in the narration of the first act. The soprano concluded with a Liebestod of great restraint, shorn of superfluous artifices in a striking scenic moment.    

In more congenial repertoire (recall her Giovanna Seymour in Anna Bolena at the MET), Ekaterina Gubanova drew an accomplice Brangäne in her rapport with Isolde. With idiomatic phrasing, based on bulky lows and mediums wrapped in a dark tone, she, however, accused some loss of thickness in the sound column, mainly in the top register, the singing line soaring somewhat effortful. She impressed greatly by the almost diaphanous essence of her interventions during the love duet.

René Pape was an absolutely exemplary King Marke displaying a highly cultivated tone, a homogeneous emission and an irreproachable negotiation of the melodic line. Scenically, he was most accurate in performing this noblest of monarchs outraged in his honour and dignity. He was the most regular player on stage.

In a double commitment, Florian Hoffmann (as a sailor and a shepherd), draw attention to himself for the elegance of tone and the notable use of half voice, valorising the initial pages. The veteran Reiner Goldberg in the role of Melot and Arttu Kataja as a pilot fulfilled their parts with dignity.

At the elm of the Berlin Staatskapelle, Daniel Barenboim exhibited a perfect notion of the work’s monumental dramatic arch. Admirable in exercising clarity and mastery of the orchestral textures, simultaneously, avoiding that the reading took on an analytic nature, he was absolutely magisterial in the way he achieved the strings to depict dilaceration in the prelude to the last act. Exemplary orchestral articulation with notable work from every section, both brass and woodwind standing out. Customary interpreter of this work, the Argentinean conductor offered the public with, possibly, the contemporary reference reading.

A presentation with performers, globally, on a good level and terrific conducting.

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