LUCIA DI LAMMERMOOR, Royal Opera House, Londres, Maio de 2016

(review in English below)

A encenação de Katie Mitchell desta Lucia di Lammermoor coloca a acção na época victoriana, quando emerge o feminismo. Lucia é uma personagem determinada, nada submissa, mas esmagada pelo conservadorismo masculino dominante.

No palco, dividido a meio, vêem-se sempre dois momentos distintos em simultâneo.

No 1º acto é o cemitério com a fonte de um lado e o quarto de Lucia no outro. Lucia veste roupas masculinas para se encontrar com Edgardo e, no encontro, têm relações sexuais (a cena é decente). Os fantasmas (da mãe e da rapariga) aparecem e serão presença frequente em toda a récita. O dueto de amor final entre Lucia e Edgardo termina com o fantasma entre os dois.

No início do 2º acto, Lucia está no quarto mas corre subitamente para vomitar na casa de banho (magníficos os cenários de Vicki Mortimer). Está grávida e partilha o segredo com a dama de companhia Alisa.

Sempre com obstinada negação, reage às ordens do irmão para se casar com Arturo, apesar das cartas forjadas de Edgardo que lhe mostram. O casamento acaba por acontecer, em ambiente festivo, quando Edgardo reaparece.

No 3º acto, quando Arturo entra no leito nupcial onde está Lucia, é assassinado por Alisia que está escondida atrás da cama. As duas mulheres esfaqueiam-no e estrangulam-no, num assassínio premeditado. Na cena paralela há festa, num grande salão de caça com uma mesa de bilhar ao centro.

Na sequência do assassinato de Arturo, Lucia aborta e fica totalmente coberta de sangue na região abdominal e pernas, o que a leva à loucura. A “cena da loucura” é interpretada em cima da mesa de bilhar, onde Lucia, coberta do seu próprio sangue, vê os fantasmas (incluindo o de Edgardo). A ópera termina com a Lucia morta na banheira, a transbordar água e sangue, onde é encontrada por Edgardo, que se degola.

Apesar de nenhum dos cantores solistas ter sido perfeito, sob a direcção musical de Daniel Oren assistiu-se a um espectáculo de grande categoria, independentemente da polémica sobre a encenação. Coro e orquestra ao mais alto nível, com a grande mais valia da harmónica de vidro na cena da loucura.

Aleksandra Kurzak interpretou com grande dignidade o difícil papel de Lucia. Cenicamente esteve ao mais alto nível e vocalmente também foi muito boa, faltando-lhe apenas alguma doçura vocal em certos momentos. A cena da loucura foi marcante, embora tenha sido parca na coloratura, que outras oferecem generosamente.

O tenor Stephen Costello foi um Edgardo de grande categoria, timbre bonito, voz sempre bem audível e afinada. Uma agradável surpresa, depois da última vez que o tinha ouvido, em que ficou muito aquém do desejável.

O melhor da noite foi o Enrico do barítono Artur Rucinski, que não conhecia. Voz poderosíssima, muito bonita e expressiva, sobre o coro e a orquestra. Muito credível em cena, foi fantástico.

O tenor David Junghoon Kim foi um Arturo vocalmente bem, mas a figura do cantor, muito obesa, não ajudou nada nesta encenação e até provocou muitos risos na dramática cena em que é assassinado.

Também muito bem foram o cínico Raimondo de Metthew Rose, com uma grande interpretação vocal, o Normanno de Peter Hoare e a fiel Alisa numa bela interpretação de Rachel Lloyd.

Um espectáculo marcante.

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Lucia di Lammermoor, Royal Opera House, London, May 2016

Katie Mitchell's staging of this Lucia di Lammermoor places the action in the Victorian era, when feminism was emerging. Lucia is a woman with a character, not submissive, but overwhelmed by the dominant male conservatism. The stage was divided in the middle and we could always see two distinct actions simultaneously.

In the 1st act the cemetery with the fountain is on one side and Lucia’s room on the other. Lucia dresses men's clothing to meet Edgardo and, at the meeting, they have sex (the scene is decent). Ghosts (of her mother and of the girl) appear and are frequently presence throughout the performance. The final love duet between Lucia and Edgardo ends with the girl’s ghost between the two.

At the beginning of the 2nd act, Lucia is on the bed but suddenly runs to vomit in the bathroom (the scenery by Vicki Mortimer is magnificent). She is pregnant and sharing the secret with Alisa. Always obstinate in denial, she reacts to her brother's orders to marry Arturo, despite the forged letters of Edgardo showing to her. The marriage ends up happening in a festive environment when Edgardo reappears.

In the 3rd act, when Arturo enters the bedroom to meet Lucia on the bed, he is murdered by Alisia that is hidden behind the bed. The two women stab him and strangle him in a premeditated murder. In parallel we see a party in a large hall hunting with a pool table in the centre.

Following the murder of Arturo, Lucia has a miscarriage and is completely covered in blood in the abdominal area and legs, which leads her to madness. The "mad scene" is interpreted on the pool table where Lucia, covered with her own blood, sees the ghosts (including Edgardo’s). The opera ends with Lucia dead in the bath overflowing water and blood, which is found by Edgardo, who kills himself.

Regardless of the controversy about the staging and although none of the soloists had a perfect performance, it was a very good night of opera. Musical direction of Daniel Oren was excellent. Choir and orchestra were at the highest level, with great added value of the glass harmonica in the madness scene.

Aleksandra Kurzak played with great dignity the difficult role of Lucia. Scenically she was at the highest level and vocally she was also very good, but lacking some vocal sweetness at times. The scene of madness was remarkable, although she was sparse in some vocal coloratura that others offer generously.

Tenor Stephen Costello was a good class Edgardo, beautiful timbre, audible voice and almost always in tune. It was a pleasant surprise after the last time I had heard hem, when he performed far from the desirable.

The best of the night was baritone Artur Rucinski, whom I did not heard before. Powerful voice, very beautiful and expressive and always over the choir and the orchestra. Very credible on stage, he was fantastic.

Tenor David Junghoon Kim was a vocally acceptable Arturo, but the figure of the singer, very obese, did not help in this staging and even caused some laughter during the dramatic scene in which he is murdered.

Also very good were the cynical Raimondo by Metthew Rose, with a great vocal interpretation, Normanno by Peter Hoare and faithful Alisa, a beautiful interpretation of Rachel Lloyd.

An impressive perfromance.

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LUCIA DI LAMMERMOOR – Polémica na Royal Opera House, Londres, Controversy at the Royal Opera House, London

A nova e polémica produção da Lucia di Lammermoor de G Donizetti, da autoria de Katie Mitchell, na Royal Opera House de Londres motivou o envio de um aviso pelo Director da Royal Opera, Kasper Holten, a todos os que haviam comprado bilhetes. Transcrevo abaixo parte do texto:

The new and controversial production of Lucia di Lammermoor by G Donizetti, produced by Katie Mitchell at the Royal Opera House in London prompted the sending of a notice by the Director of the Royal Opera, Kasper Holten, to all those who had bought tickets. I quote below a part of the text:

From: "Royal Opera House" <no-response@roh.org.uk>

Subject: Important information about The Royal Opera’s Lucia di Lammermoor

Date: 14 Mar 2016 12:43:46 WET

To: Fanatico_Um

Dear Fanatico_Um

I am writing to you as our records show you have booked tickets for The Royal Opera’s new production of Lucia di Lammermoor, staged by one of the UK’s most acclaimed directors, Katie Mitchell.

Katie and her team have set the production around the time of the opera’s creation in the 19th century, and they use this as a platform to explore deeply all the aspects of human relationships in the story – sexual, emotional, physical and psychological. As Katie observes of the famous ending, ‘after all if on your wedding night you took a sharp implement and tried to kill a very strong man, and it went horribly wrong… We’re going to see all of that’.

The rehearsals have had a terrific start with a strong sense of excitement coming from the rehearsal room. But as they have progressed it has also become clear to us that the team's approach will lead to scenes that feature sexual acts portrayed on stage, and other scenes that – as you might expect from the story of Lucia – feature violence.  As a result, we have recently updated our website with a message about this. As you have already booked, we wanted to draw your attention to it. If there are any members of your party who you feel may be upset by such scenes then please email us at onlinebooking@roh.org.uk and we will, of course, discuss suitable arrangements.

Best wishes,


Kasper Holten,
Director of Opera, The Royal Opera

Num próximo texto relatarei a minha experiência como espectador de uma das récitas.

In a next post I will report my experience as an atendee of the performance.

TANNHÄUSER, Royal Opera House, Londres, Maio 2016 / London, May2016

(review in English below)

Tannhäuser é uma ópera com libretto e música de Richard Wagner. De entre as suas primeiras obras é, musicalmente, a mais rica e sofisticada. No centro do enredo estão os torneios poéticos trovadorescos medievais, muito do agrado do compositor. Grande parte da obra wagneriana está imbuída da redenção pelo amor, tema dominante nesta ópera, apesar de a sua magnitude ultrapassar largamente o confronto entre o amor carnal (simbolizado por Vénus) e o espiritual (por Elisabeth).

A belíssima abertura da ópera é, talvez, a primeira grande página sinfónica do compositor e inclui os temas principais da ópera com valor simbólico. Os Leitmotive virão a ser uma marca indelével nas partituras de Wagner.

Nesta produção da Royal Opera House de Londres, que já tinha visto há alguns anos, a excelente direcção musical foi do maestro Hartmut Haenchen. Os Coros da Royal Opera foram bons mas, ocasionalmente, ouviram-se desacertos. A Orquestra da Royal Opera foi excelente, merecendo especial destaque os metais, nas cordas os violoncelos e, sobretudo, as harpas, que têm um papel fulcral na obra e foram tocadas de forma imaculada. Estavam colocadas no “stalls circle” mesmo à minha frente!

A encenação de Tim Albery é excessivamente austera e pouco eficaz. Começa bem, com a visão por Tannhäuser de Elisabeth. O Venusberg é representado pelo palco da Royal Opera House. É uma Royal Opera dentro da Royal Opera (ideia interessante mas já usada por outros encenadores em outras óperas). A orgia inicial é dançada por seis casais de bailarinos que, com uma longa mesa como adereço, saltam sobre ela e à sua volta, abraçam-se intensamente à medida que vão despindo as camisas, aumentam freneticamente a intensidade da execução, concretizando no final a relação sexual (com toda a decência esperada para um teatro como este). A movimentação em palco é vertiginosa mas perturba a audição da abertura da partitura.

Entra Vénus em cena, vestida de negro, numa cama de lençóis de cetim brancos e este é o único adereço, para além de uma cadeira onde Tannhäuser se senta durante grande parte da récita. Quando abandona o Venusberg surge uma criança sentada à sombra de uma árvore e depois os trovadores amigos de Tannhäuser, no palco totalmente vazio. 

O 2º acto abre com o palco da Royal Opera em ruínas e toda a acção se passa aí. Quando entra o coro, os homens vêm armados de metralhadoras e as mulheres com velas nas mãos, que acendem e colocam juntas no chão. 

Finalmente no 3º acto o palco está ainda mais vazio e coberto de neve, só restando algumas das peças do teatro mais degradadas pelo tempo. O florescer final do báculo é representado pelo plantar de uma pequena árvore plástica por uma criança. 

Enfim, uma encenação desinteressante.

O tenor Peter Seiffert foi um Tannhäuser para esquecer. Esteve mal no primeiro acto, logo evidenciando dificuldades e canto muito irregular. No 2º foi ainda pior, as intervenções no concurso de canto foram confrangedoras e já não cantou mais. Foi substituído no 3º acto por Neal Cooper que, não sendo brilhante, fez um bom trabalho, dado ter sido uma substituição imprevista. Tem uma voz bonita, afinada, mas a potência esteve muito aquém do exigido pelo papel.

(Neal Cooper)

Venus foi interpretada pela mezzo Sophie Koch que, como habitualmente, esteve muito bem. Tem uma voz bonita, poderosa e mantém uma linha de canto coerente. Também nos oferece sempre boas interpretações cénicas.

A soprano Emma Bell fez uma Elisabeth excelente. Começou ao mais alto nível no início do 2º acto com Dich, teure Halle mostrando um soprano potente, seguro e, aparentemente, sem esforço. No 3º acto, quando pede à Virgem que a deixe morrer por Tannhäuser (Allmächtge Jungfrau) mantém uma qualidade interpretativa superior. Uma das melhores nesta atribulada récita.

Wolfram, interpretado pelo barítono Christian Gerhaher foi, de longe, o melhor da noite. Um cantor sublime que já ouvi várias vezes neste papel, como aqui tenho escrito, e que esteve novamente ao mais alto nível. O timbre é claro, suave, doce e de beleza inigualável. Nunca cantou em esforço e ouviu-se cada palavra do que cantou, dada a sólida firmeza da emissão vocal. Verdadeiramente assombroso! Protagonizou os momentos mais belos da récita, entre eles, no 2º acto, o concurso de canto (com a orquestra e as suas imaculadas harpistas) e, principalmente, no 3º acto, o canto à estrela da noite (O du, mein holder Abendstern) que foi de uma sensibilidade arrepiante. Só ele teria valido a récita.

Muito bem foi também o menino pastor no início do 2º quadro do primeiro acto, Thomas John.

Tiveram ainda boas prestações o baixo Stephen Milling como Herrmann e os trovadores Walther (tenor Ed Lion), Heinrich (tenor Samuel Sakker), Biterolf (baixo Michael Krauss) e Reinmar (baixo Jeremy White).

Alguma decepção em Covent Garden, parcialmente salva pelas duas senhoras e, sobretudo, por Christian Gerhaher que, sempre que cantava, levava a récita da mediania ao nível estratosférico.

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TANNHÄUSER, Royal Opera House, London, May 2016

Tannhäuser is an opera with libretto and music by Richard Wagner. Among his early works this is, musically, the richer and more sophisticated one. In the center of the plot are the medieval poetical tournaments, much to the liking of the composer. Much of the Wagnerian work is imbued with the redemption through love, the dominant theme in this opera, despite its magnitude largely overcome the confrontation between carnal love (symbolized by Venus) and the spiritual love (by Elisabeth).

The beautiful opening of the opera is perhaps the first great symphonic page by the composer and includes the main themes of the opera with symbolic value. The Leitmotive will become an indelible mark on Wagner's music.

In this production of the Royal Opera House in London that I had seen a few years ago, the excellent musical direction was by the conductor Hartmut Haenchen. The Choirs of the Royal Opera were good but occasionally I have heard some discrepancies. The Orchestra of the Royal Opera was excellent, deserving highlight the metals, the cellos and, above all, the harps, which have a key role in the work and played immaculately. They were placed in the "stalls circle" just in front of me!

The staging of Tim Albery is too austere and ineffective. The opera starts well, with the vision of Elisabeth by Tannhäuser. Venusberg is represented by the stage of the Royal Opera House. It's a Royal Opera into the Royal Opera (interesting idea but already used by other directors in other operas). The initial orgy is danced by six couples of dancers who, with a long table as a prop, jump on it and around it, hugging each other intensely as they strip off shirts, frantically increase the intensity of execution, ending in sex (decency as expected for a theater like this). The movement on stage is dizzying but disturbs the hearing of the opening score.

Venus enters the scene, dressed in black, on a bed of white satin sheets and this is the only prop, in addition to a chair where Tannhäuser sits for much of the performance. When leaving Venusberg a child appears, sitting in the shade of a tree, and then enter the troubadours, friends of Tannhäuser, on a totally empty stage.

The 2nd act opens with the stage of the Royal Opera in ruins and all the action is happening there. When the choir enters, men come armed with machine guns and women with candles in their hands, that light and put together on the floor.

Finally on the 3rd act the stage is even more empty and covered in snow, leaving only some of the most degraded by time theater pieces. The final flourish of the Pope's staff is represented by the planting of a small plastic tree by a child.

Anyway, unclear and overly austere staging.

Tenor Peter Seiffert was a Tannhäuser to forget. He was bad in the first act, showing difficulties and irregular singing. In the 2nd act he was even worse, his interventions in the singing contest were dreadful and he no longer sang the 3rd act. He was replaced by Neal Cooper that, although not brilliant, did a good job, because he had to replace Seiffert unexpectedly. He has a nice tuned voice but the vocal power fell far short of that required by the role.

Venus was played by Sophie Koch who, as usually, was very good. She has a beautiful, powerful and always tuned voice. She also always offers good scenic interpretations.

Soprano Emma Bell was an excellent Elisabeth. She started at the highest level at the beginning of the 2nd act with Dich, teure Halle showing a powerful soprano, secure and apparently effortless. In the 3rd act, when she asked the Virgin to let her die by Tannhäuser (Allmächtge Jungfrau) she maintained a top interpretative quality. One of the best of the performance.

Wolfram, played by baritone Christian Gerhaher was by far the best of the night. A sublime singer I've heard several times in this role, as I have written here, and he was again at the highest level. The tone is light, soft, sweet and unparalleled beauty. He never sang in effort but one could heard every word he sang. Truly amazing! Starred in the most beautiful moments of the performance, among them the singing contest of the 2nd act (with the orchestra and its fabulous harpists) and mainly in the 3rd act, the song to the evening star (O du mein holder Abendstern) which was a chilling sensitivity. He alone would have been worth the performance.

Very well was also the shepherd boy at the first act, Thomas John.

Also with good performances were bass Stephen Milling as Herrmann and troubadours Walther (tenor Ed Lyon), Heinrich (tenor Samuel Sakker) Biterolf (bass Michael Krauss) and Reinmar (bass Jeremy White).

Some disappointment in Covent Garden, partially saved by the two ladies, and especially by Christian Gerhaher. Whenever he sang, he transported the performance from trivial to stratospheric.

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