domingo, 30 de março de 2014

LES PÊCHEURS DE PERLES (Os Pescadores de Pérolas), Zurique, Fevereiro de 2014 / Opernhaus Zürich, February 2014




(review in english below)

Les Pêcheurs de Perles é uma ópera de Georges Bizet com libretto de Eugène Cormon e Michael Carré. A acção passa-se no Ceilão.
Os pescadores de pérolas elegem Zurga como seu chefe. Nadir, um antigo amigo de Zurga surge e os dois recordam que ambos se apaixonaram por uma mulher mas, renunciaram amá-la e juraram amizade eterna. Surge uma sacerdotisa virgem coberta com um véu que vem proteger os pescadores. Nourabad, sumo sacerdote, recebe-a e diz-lhe que nunca pode tirar o véu. Nadir reconhece nela a sua amada Leila, com quem traiu Zurga no passado. Amam-se novamente e são encontrados por Nourabad. Os pescadores querem matar Nadir e Leila mas Zurga recorda que é ele quem decide e resolve condená-los à morte. Leila pede-lhe para poupar Nadir dado que ele a encontrou por acaso. Zurga diz que a traição de Nadir não permite poupar-lhe a vida mas é atormentado pelo amor que também sente por Leila. Quando Nadir e Leila estão perto da execução, surge Zurga que mostra uma luz no céu que é um sinal divino. Os pescadores fogem e Zurga confessa que foi ele que acendeu o fogo para poupar a vida dos amantes e ajudá-los a fugir, cumprindo o seu dever.


 A encenação Jens-Daniel Herzog é muito interessante. A acção passa-se num navio e é trazida para os dias de hoje. O palco tem três níveis. No inferior estão os pescadores e os trabalhadores que retiram as pérolas das ostras, num ambiente opressivo, vigiados por guardas armados, no nível médio está o camarote de Zurga, com cama e um escritório, onde guarda as pérolas que lhe são trazidas e, no nível superior, onde está escrita a expressão Arbeit macht frei, perdão, Le bonheur du travail, monta-se o altar para Leila, que surge pendurada da parte superior do palco, totalmente coberta por véus coloridos. As personagens principais circulam pelos três níveis, o palco desce por vezes, escondendo o nível inferior. O jogo de luzes é de muito belo efeito, tudo resultando numa encenação simples mas vistosa e eficaz.


 A direcção musical foi do maestro suiço Patrick Fournillier. A Orquestra e Coro da ópera de Zurique ofereceram-nos uma boa interpretação da partitura que é de grande beleza melódica. Mas foram os solistas os maiores da noite.


 O barítono alemão Michael Volle foi um Zurga de luxo. Acho que será difícil encontrar melhor. Para além da interpretação cénica irrepreensível, vocalmente foi arrasador. Voz muito expressiva e de timbre bonito, tem uma potência avassaladora que encheu completamente o teatro e a alma de todos os que o ouviam. Foi sempre óptimo mas nos duetos com Nadir “Au fond du temple saint” e com Leila “Je fremis, je chancelle” foi insuperável. Fantástico!




 Pavel Breslik, tenor eslovaco, safou-se no exigente papel de Nadir. Tem uma voz bonita, não muito potente, mas muito agradável. Aparenta esforçar-se consideravelmente no registo mais agudo, mas consegue chegar às notas sem desafinar, mas perdendo um pouco do volume e harmonia. Na ária mais famosa “Je crois entendre encore” cumpriu mas, quando a oiço, não posso deixar de me lembrar de interpretações antológicas de outros, das quais está ainda distante.


 Também espantosa foi a Lélia do soprano letão Marina Rebeka. A voz é bonita, sempre afinada, de uma potência brutal e de uma expressividade marcada. Só se torna levemente agreste nas notas mais agudas que são cantadas mais em esforço, mas foi uma intérprete extraordinária. E o público bem o reconheceu.



O baixo norte americano Scott Conner foi um Nourabad de voz segura e bem audível, a não destoar dor restantes solistas.







Uma excelente récita em Zurique.

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LES PÊCHEURS DE PERLES (The Pearl Fishers), Opernhaus Zürich , February 2014

Les Pêcheurs of Perles is an opera by Georges Bizet with libretto by Eugène Cormon  and Michael Carré . The action takes place in Ceylon.

The pearl fishers elect Zurga as their leader. Nadir, a former friend of Zurga arises and the two recall that both fell in love with a woman but renounced love to her and swore eternal friendship. A virgin priestess covered with a veil arises, coming to protect  the fishermen. Nourabad, high priest, tells her she can never take the veil. Nadir recognizes her beloved Leila with whom he betrayed Zurga in the past. They make love each other again and are seen by Nourabad. The fishermen want to kill Nadir and Leila. Zurga says that it is he who decides, and condemns them to death. Leila asks him to spare Nadir as he found her by chance. Zurga says the betrayal of Nadir lets not chance to spare his life, but he is tormented by the love he also feels for Leila. When Nadir and Leila are about to be murdered, Zurga appears showing that a light in the sky is a divine sign. The fishermen flee and Zurga confesses that it was he who lit the fire to save the lives of the two lovers and help them escape, accomplishing his duty

The staging by Jens-Daniel Herzog is very interesting. The action takes place on a ship and is brought to the present days. The stage has three levels. On the bottom are the fishermen and workers extracting the pearls from the oysters, in an oppressive atmosphere, guarded by armed guards, the middle level is Zurga’s cabin with a bed and an office, where he keeps the pearls that are brought to him, and on the upper level, where it is written Arbeit macht frei, excuse-me,  Le bonheur du travail, the altar to Leila is mounted. She appears hanging from the top of the stage, completely covered by colored veils. The main characters circulate through the three levels, the stage lowers sometimes hiding the lower level. The lights have very beautiful effects, all resulting in a simple but eye catching and effective staging.

Musical direction was by Swiss maestro Patrick Fournillier. The Orchestra and Chorus of the Zurich Opera offered us a good interpretation of the score which is of great melodic beauty. But the soloists were the best of the performance.

German baritone Michael Volle was a fabulous Zurga. I think it will be hard to find a better.one In addition to the irreproachable artistic performance, vocally he was smashing. The voice is very expressive and with a beautiful timbre, he has an overwhelming power that completely filled the theater and the soul of all who heard him. He was always great, but in duets with Nadir "Au fond du temple saint" and with Leila "Je fremis, je chancelle" he was unsurpassed .Fantastic!


Pavel Breslik, slovak tenor, was acceptable in the demanding role of Nadir. He has a beautiful, though not very powerful, but very pleasant voice. He seems to struggle considerably in the high register, but he can sing all notes in tune, but losing a bit of volume and harmony. In the most famous aria " Je crois entender encore " he did well but, when I listen to this aria, I can not help remembering anthologic interpretations of other singers, from whom he is still distant.

Also amazing was Lelia by Latvian soprano Marina Rebek . The voice is beautiful, always in tune, powerful and very expressive. She only becomes slightly harsh on high notes that are sung in more effort, but she was an extraordinary performer.
And the audience acknowledge it.

North American bass Scott Conner was a strong and well audible Nourabad, in line with the other soloists.

An excellent performance in Zurich.

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quarta-feira, 26 de março de 2014

SOKOLOV e KATIA e MARIELLE LABÈQUE — Ciclo de Piano da FCG, Março de 2014

(Review in English below)

(Painel de Almada Negreiros da Fundação Calouste Gulbenkian)


Dois fins-de-semana, dois registos distintos no Ciclo de Piano da Fundação Calouste Gulbenkian.

(www.gulbenkian.pt)




No dia 16 de Março ouviu-se o pianista russo Grigory Sokolov. O programa incluía a Sonata para Piano n.º 3, em Si menor, op. 58 de Fryderyk Chopin e diversas Marzurcas do mesmo compositor. A sensibilidade extrema de Sokolov elevou as obras de Chopin a patamares interpretativos de excelência. É impressionante a delicadeza com que trata o teclado e a forma como cria uma atmosfera intimista pianista-público, pelo que se percebe inteiramente a aura mística que criou em torno da sua figura. Percebe-se, às primeiras notas, que se está perante um pianista raro. E a sua generosidade foi inexcedível: tocou nada menos de 6 encores, entre eles os 4 Impromptus, op. 90, D. 899 de Franz Schubert, o que nos permitiu apreciar um registo distinto. Um concerto para recordar: uma semana depois, ouvi muitos comentários ao concerto de Sokolov e aos seus seis encores. Fabuloso!

(www.gulbenkian.pt)

No dia 22 de Março ouviram-se as duas pianistas francesas que formam o duo mais famoso mundialmente a tocar piano: Katia e Marielle Labèque. O programa incluiu, na primeira parte, os Three Preludes de George Gershwin — foram extremamente bem tocados — e os Four Movements for Two Pianos do norte-americano Philip Glass — obra extremamente rica em ritmos e colorações de um dos mais interessantes e pujantes compositores da actualidade, também ela interpretada de forma sublime pelas irmãs Labèque. A segunda parte foi inteiramente dedicada a West Side Story de Leonard Bernstein, aqui com arranjo para dois pianos e percussão de Irwin Kostal, uma encomenda específica de Bernstein para as irmãs Labèque.

(Seguiner — www.gulbenkian.pt)


(Grau — www.gulbenkian.pt)

Contou com a participação dos percussionistas Gonzalo Grau e Rapahel Seguinier. A obra é extremamente conhecida, pelo que a maioria das pessoas presentes terão reconhecido todos os temas, nomeadamente Mambo, America, Tonight e Somewhere.


A interpretação dos quatro elementos foi brilhante, de um ritmo incrível e de uma sintonia perfeita. America foi tocado novamente como encore, o que se percebe não sou pela beleza da composição como pelo excelente arranjo de Kostal que incluiu o sapateado de Seguinier. Foi mais um grande concerto de qualidade artística assinalável.

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(Review in English)

Two weekends, two distinct Piano Cycle concertos at Foundation Calouste Gulbenkian hall.

On March 16 there was the Russian pianist Grigory Sokolov. The program included the Sonata for Piano no. 3 in B minor, op. 58 by Fryderyk Chopin and several Chopin’s Marzurcas. The extreme sensitivity of Sokolov raised the works of Chopin to interpretive standards of excellence. It's amazing how gently he handles the keyboard and the way he creates an intimate atmosphere between pianist and audience. In that way you fully realize the mystical aura he created around his figure. One can see, at the first notes, that are facing a rare pianist. And his generosity was unsurpassed: he played anything less than 6 encores, including the 4 Impromptus, Op. 90, D. 899 by Franz Schubert, which allowed us to enjoy another musical register. A concert to remember: a week later, I heard many comments to the concert Sokolov gave and his six encores. Fabulous!

On March 22 we have heard the two French pianists who make up the world 's most famous duo playing piano: Katia and Marielle Labèque. The program included in the first half, the Three Preludes by George Gershwin — were extremely well played — and the Four Movements for Two Pianos by the american composer Philip Glass — it is a masterwork of extremely rich rhythms and colorations by one of the most interesting and vigorous composers of our days, here also played in a sublime way by the sisters Labèque. The second half was devoted entirely to West Side Story by Leonard Bernstein, here with arrangement for two pianos and percussion of Irwin Kostal. Katia and Marielle were accompanied by the percussionists Gonzalo Grau and Rapahel Seguinier. The work is extremely well known, so most people present will have recognized all themes, including Mambo, America, Tonight and Somewhere. The interpretation of the four artists was brilliant with an incredible rhythm and tune. America was played again as encore, which emphasizes not only the beauty of the theme as well as the excellent Kostal’s arrangement which included tap dance by Seguinier. It was another great concert of remarkable artistic quality.

sábado, 22 de março de 2014

SOLOMON de GF Händel, Fundação Gulbenkian, Março/March de 2014

(o julgamento de Salomão / The judgment of Solomon; Gaetano Gandolfi)

 A oratória Solomon HWV 67 de G.F. Händel foi recentemente apresentada na Fundação Gulbenkian. Paul McCreesh dirigiu a Orquestra e o Coro Gulbenkian. Foram solistas o contratenor inglês Iestyn Davies como Salomão, o soprano português Inês Simões como Rainha de Salomão, o barítono português Hugo Oliveira como um levita, o tenor escocês Thomas Walker como Zadok, o soprano inglês Mhairi Lawson como 1ª prostituta, o mezzo português Catia Moreso como 2ª prostituta e o soprano escocês Gillian Webster como Rainha de Sabá.

 Iestyn Davies

A obra é de grande intensidade melódica e invulgar beleza. A interpretação foi em crescendo, com o primeiro acto razoável, o segundo bom e o terceiro excelente.

Mhairi Lawson

Os solistas tiveram interpretações de qualidade variável, merecendo destaque o contratenor Iestyn Davies, o soprano Mhairi Lawson e, sobretudo, o soprano Gillian Webster. 

Gillian Webster

No 3º acto, coro, orquestra e solistas estiveram ao mais alto nível, merecendo relevo o excelente “diálogo” entre o oboé de Pedro Ribeiro e a Rainha de Sabá (Gillian Webster).

Pedro Ribeiro

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The Oratory Solomon HWV 67 by GF Handel was recently presented at the Gulbenkian Foundation. Paul McCreesh directed the Gulbenkian Choir and Orchestra. The soloists were English countertenor Iestyn Davies as Solomon, Portuguese soprano Ines Simoes as Queen of Solomon, the Portuguese baritone Hugo Oliveira as a levite, Scottish tenor Thomas Walker as Zadok, English soprano Mhairi Lawson as the 1st prostitute, Portuguese mezzo Catia Moreso as 2nd prostitute and scottish soprano Gillian Webster as the Queen of Saba.

The piece is of an unusual intensity  and great melodic beauty. The interpretation has been in crescendo, with a reasonable first act, a good second act, and an excellent third act.

The soloists were of variable quality, deserving a special reference countertenor Iestyn Davies, soprano Mhairi Lawson and, especially,  soprano Gillian Webster .

During the 3rd act, chorus, orchestra and soloists were at the highest level, and I highlight the excellent "dialogue" between the oboe played by Pedro Ribeiro and the Queen of Sabá (Gillian Webster)


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domingo, 16 de março de 2014

WERTHER de Jules Massenet — MET Live in HD, FCG, 15.03.2014

(Review in English below)

 (www.gulbenkian.pt)

A ópera em quatro actos Werther de Jules Massenet (1842-1912) foi composta em 1887. O libreto é de Édouard Blau, Paul Milliet e Georges Hartmann e baseia-se no romance homónimo do escritor alemão do período romântico Johann Wolfgang von Goethe.

(www.wikipedia.com)

A obra de Goethe é um dos expoentes máximos do romantismo alemão. O texto é riquíssimo na abordagem que faz da natureza humana intimista; da sua alegria e tristeza; da paixão, do amor e do ódio; da esperança, da fé, do querer e do desespero que, por vezes, resvala para a doença mental. É o ser humano nas suas dimensões mais interiores, na sua relação consigo e com o outro próximo e na procura da ausência de solidão.

(www.wikipedia.com)

É disso que trata a ópera de Massenet. Como ópera do período romântico, e não fossem os compositores franceses os que talvez mais bem tenham exploraram essa corrente, é daquelas que tem sempre os sentimentos à flor da pele e em que a música e o texto se fundem num turbilhão arrebatado de emoções.

A adaptação do texto é de uma qualidade exemplar, não só pela forma como relata a história, como pela própria beleza poética, uma vez que cada frase se adapta na perfeição ao canto e às melodias, permitindo explorar vários registos, do mais lírico ao mais dramático.

Poderão ler uma sinopse aqui.

(internet)

Inicialmente, no primeiro acto cria-se o cenário propício a uma paixão arrebatada. Werther sente em plenitude os esplendores da natureza, o que fica bem patente na ária “Je ne sais si je veille ou si je rêve enconre!” que termina com um “et toi, soleil, veins m’inonder de tes rayons!”. Entretanto, surge Charlotte por quem se apaixona instantaneamente. Ao declarar-lhe o seu amor, surge, de imediato, um presságio trágico (“Je donnerais ma vie pour garder à jamais ces yeux”). Imediatamente a seguir, o pai de Charlotte anuncia o regresso do seu prometido Albert. Charlotte, já esquecida do que prometera à sua mãe, cai em si e Werther percebe que não terá Charlotte: “A ce serment... restez fidèle! Moi... j’en mourrai! Charlotte! Un autre! Son époux!”. Termina o 1.º acto.

(internet)

No segundo acto, Werther surge desesperado. Charlotte e Albert casaram e, assim, todo o seu ser chora (“tout mon être en pleure!”). Albert sugere-lhe que procure a felicidade, por exemplo, na alegria de Sophie. Mas Werther continua apaixonado por Charlotte, embora, por momentos, se tente, junto de Albert, convencer do contrário. Ao sentir que mentiu, crê  dever afastar-se, mas não consegue (“Partir? Non! Je ne veux que me rapprocher d’elle”). É Charlotte quem o afasta: o dever não cede ao desejo. E ele parte até ao Natal entre questões sobre a morte e Deus (“Et si la force m’abandonne... Ah! C’est moi pour toujours qui me reposerai!” e “Père, que je connais pas, en qui pourtant j’ai foi, parle à mon coeur, appelle-moi! Appelle moi! Appelle-moi!”). Albert apercebe-se, num claro contraste com o final do primeiro acto, que Werther ainda ama Charlotte (“Il l’aime!”).

(internet)

O terceiro acto começa com a leitura das cartas de Werther. Lê-se nelas a melancolia e o desejo do jovem, aos quais Charlotte não consegue ficar indiferente (“Ces lettres! Ah! Je les relis sans cesse...”). Werther está deprimido e só (“Je vous écris de ma petite chambre: au ciel gris et lourd de Décembre, pèse sur moi comme un linceul, et je suis seul! Seul! Toujours seul!”), antevendo-se o desejo de suicídio. Mais tarde, Werther regressa ante uma Charlotte dividida entre o amor e o desejo e o dever conjugal de fidelidade. Mas a sua moral é rígida e não cede. Werther lê os versos de Ossian que espelham a sua alma: soa a ária “Pourquoi me réveiller” onde se diz “Ils ne trouveront plus que deuil et que misère!”. Nisto, perdido, declara-se de novo, enquanto Charlotte pede a Deus que a proteja, pois teme ceder à tentação. Werther beija-a e ela diz-lhe, num Ah! agónico, que ele não mais a verá (“Vous ne me verrez plus!”). O terceiro acto acaba com uma declaração fúnebre, desesperada e de morte, naqueles que são, provavelmente, os mais trágicos versos da ópera: “Prends le deuil, ô nature! Nature! Ton fils, ton bien aimé, ton amant va mourrir! Emportant avec lui l’éternelle torture, ma tombe peut s’ouvrir!”. Werther condena a sua própria natureza. Depois, é Albert quem manda Charlotte, não sem que tal soe a castigo, entregar as suas próprias armas ao mensageiro de Werther que lhas pedira. Esta, desesperada, entrega-as “Dieu! Tu ne voudras pas que j’arrive trop tard!”. Será, pois, Charlotte quem, de alguma forma, fica responsabilizada por entregar à morte o seu amado, morte essa que acontecerá com as armas do seu próprio marido.

(internet)

No quarto acto, na noite de Natal, Werther jaz no seu quarto, depois de ter dado um tiro em si próprio. Chega Charlotte, ofegante, à sua procura. É tarde. Werther vai morrer. Charlotte sente-se culpada e, com a mão de Werther na sua, acompanha a sua agonia, entre declarações de amor mútuo que se fundem num beijo quente antes do sopro de vida final do suicida. Lá fora, soam as vozes joviais das crianças e de Sophie (“Noel! Noel! Noel!”, “Dieu permet d’être heureux!”). Cai o pano.

(internet)

A nova produção de Werther para o MET esteve a cargo do encenador Richard Eyre. Esta ópera obriga a um cenário pequeno, intimista e doméstico, que se centre na relação dual Werther-Charlotte e em que tudo o mais surja apenas como contexto. Penso que o consegue.

No primeiro acto, Eyre começa por introduzir a cena da morte da mãe de Charlotte com recurso a projecções de vídeo (por exemplo, as árvores a encherem-se de corvos aquando do enterro) que contextualiza a acção. Depois segue-se a transição para o 2.º acto com um baile.

(internet)

Não é que nenhuma destas cenas estejam nas indicações cénicas, mas permitem usar o prelúdio e o interlúdio como momentos narrativos, que, no meu ver, acrescentam beleza e enriquecem a encenação. A direcção de actores, nestes dois actos, pareceu-me, todavia, por vezes, demasiado impulsiva, tudo muito em de repentes... O cenário é também um pouco amplo de mais e há uma ponte no centro do palco que não faz qualquer sentido: não estabelece ligação entre nada e está lá apenas por estar. Não desempenha qualquer função na acção. Mais valia ter lá uma fonte ("cette source limpide").

Onde Eyre consegue estar sublime é a partir do 3.º acto. A sala está extremamente bem montada e decorada (de acordo com o libreto, embora provavelmente demasiado sumptuosa para uma casa rural) e cria um ambiente doméstico e acolhedor. Mas é o 4.º acto que é arrebatador. Werther surge no seu quarto: uma caixa acolhe o seu quarto, encolhe o cenário e avança sobre o palco. No interlúdio, vê-se Werther desesperado com a ideia da morte. O suicídio está prestes a consumar-se e Werther, de arma na mão, hesita. Ao pegar numa carta, ganha coragem e dispara sobre o peito: cai no leito, a luz apaga-se e a parede surge tingida de sangue, num pormenor extremamente bem conseguido do ponto de vista cénico. Aliás, toda esta cena é carregada de um dramatismo trágico arrepiante. A encenação foi, pois, um dos grandes atractivos da tarde. Podemos, sobretudo no final, encontrar muitas semelhanças com a encenação de 2004 para a ROH/Ópera de Paris de Benoît Jacquot, encenação essa, que em minha opinião, nada deve à de Eyre. Aliás, gosto mais da do francês. Mas são ambas excelentes.

(internet)

A direcção da Orquestra do MET esteve a cargo do maestro Alain Altinoglu. Esteve em excelente nível, com um bom tempo, a dar peso à orquestra quando necessário e a respeitar os cantores. A forma como explorou as diferentes colorações melódicas foi óptima. Interpretou muito bem Massenet!

Jonathan Summers (barítono) foi o pai de Charlotte. Gostei da sua postura, embora não especialmente da voz, mas cumpriu bem. Philip Cokorinos (baixo) e Tony Stevenson (tenor) fizeram o duo Johan e Schmidt: estiveram em bom plano vocal e cénico. O coro das crianças teve, igualmente, uma excelente performance.

(internet)

Lisette Oropesa (soprano) foi Sophie. A sua voz é jovem, fresca e melodiosa, com projecção fácil. A figura adequa-se ao papel de jovem irmã de Charlotte. Assumiu a postura naive que se espera e interpretou a personagem com muita qualidade cénica e vocal. Pena que o seu francês não sejam o mais perfeito, o que teria elevado a sua prestação a um patamar de excelência.

(internet)

David Bizic (barítono) foi Albert, marido de Charlotte. Gostei da sua postura cénica e da sua voz. Teve um bom desempenho, sem que, todavia, tenha deslumbrado.

(internet)

Sophie Koch (meio-soprano) foi Charlotte. É um dos papéis que marcam a sua carreira, pelo que lhe assentou na perfeição para a estreia, mais do que merecida, no palco americano. A sua voz é excelente e interpreta sublimemente a personagem Charlotte. Esteve em grande plano vocal no 3.º acto na leitura das cartas e a sua interpretação cénica foi muito convincente. Penso que será difícil, hoje em dia, encontrar melhor cantora/actriz para o papel!

(internet)

Deixo, propositadamente, para o fim, o tenor Jonas Kaufmann que interpretou Werther. Não compreendo os críticos que se deleitam a criticar o seu tom baritonal. Insistem nesta tecla, o que só poderei entender como inveja. É que as senhoras têm uma predileção especial por Kaufmann… O seu Werther foi a todos os níveis excepcional! Se no “Je ne sais si je veille”, ária de entrada de extrema dificuldade, não esteve perfeito, mas a partir daí foi imparável. Que dizer da forma como termina “Père, que je connais pas, en qui pourtant j’ai foi, parle à mon coeur, appelle-moi! Appelle moi!”? O terceiro appelle-moi foi incrivelmente bem interpretado. O seu “Pourquoi me reveiller” foi perfeito marcado por um longo aplauso. E o seu 4.º acto: foi inigualável. Cenicamente é um actor de excelência: gesto, postura, intensidade, mímica. Extremamente verosímil. Eyre comparou-o a Robert de Niro e Al Pacino (talvez exagere um bocadinho...). E o canto é perfeito. Ninguém nos dias de hoje, excepto Kaufmann, canta e interpreta daquela maneira. A forma como diz, tão melodiosamente, “et d’une douce larme, en son ombre tombée le mort”. A palavra larme dita por ele não me sai do ouvido. Enfim... Foi a interpretação da tarde e que privilégio temos nós todos de ser contemporâneos de Kaufmann! Não lhe tiro o chapéu apenas porque não uso…

Cena final: http://bcove.me/rkk5o7ed (vídeo dos 16 minutos finais de ontem que são disponibilizados, entre outros vídeos, no site do Met — www.metoperafamily.org. A não perder!)

Grande tarde de ópera!

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(Review in English)

Werther by Jules Massenet (1842-1912) is an opera in four acts composed in 1887. The libretto is by Édouard Blau, Paul Milliet and Georges Hartmann and is based on the homonymous novel by German writer of the romantic period Johann Wolfgang von Goethe.

Goethe's work is one of the foremost exponents of German Romanticism. The text is rich in intimate approach on human nature, with its joy and sorrow, passion, love and hatred, hope and faith, desire and despair that sometimes slips into mental illness. It is the human being in its most interior dimensions and their relationship with himself and with the other, and about the demand of the absence of loneliness.

That's what comes in Massenet's opera. As an opera of the Romantic period, and the French composers were those who best exploited this feeling, it is one that always has the extreme feelings reaching us and the music and text merge into a heady whirlwind of emotions.

The adaptation of the text is an exemplary quality, not only by the way tells the story, as the poetic beauty of its own, since each phrase fits perfectly into the corner and melodies, allowing to explore different registers, from the lyrical to more dramatic.

You can read a synopsis here.

The new production of Werther for the MET was in charge of director Richard Eyre. This opera requires a small, intimate, domestic setting, which focuses on the dual relationship Werther and Charlotte in which everything else arises only as context. I think Eyre did it.

In the first act, Eyre begins by introducing the scene of death of the mother of Charlotte with the use of video projections (e.g., the trees fill with ravens at the funeral) that contextualizes the action. Then follows the transition to the 2nd act with a dance. Note that none of the scenes are in the scenic indications, but they allow you to use the prelude and interlude as narrative moments, which, in my view, add beauty and enrich the scenario. The direction of actors, in these two first acts, seemed to me, however, sometimes too impulsive, all very in bursts... There is a bridge that I can’t understand why it is there: it does not link anything. Where Eyre can be sublime is from the 3rd act till the end. The room is extremely well fitted and decorated (according to the libretto, a little bit too expensive, perhaps) and creates a domestic and welcoming environment. But is 4th act that is stunning. Werther appears in his room: a box welcomes his room and shrinks the scene. In the interlude, Werther sees himself in despair at the idea of death. Suicide is about to be consumed and Werther, gun in hand, hesitates. He then pick a letter, get courage and shoots himself on his chest: he falls in bed dying, the light turns off and the wall comes tinged with blood, a detail extremely well done in a scenic viewpoint. This whole scene is loaded from a creepy tragic drama. The staging was therefore one of the major attractions of the afternoon. I, especially towards the end, find many similarities with the 2004 scenario for ROH/Paris Opera by Benoît Jacquot, this scenario, which in my opinion, being as good as Eyre’s or even better. But they both are excellent.

The direction of the MET Orchestra was in charge of conductor Alain Altinoglu. He did an excellent level conducting, with good tempo, giving weight to the orchestra when needed and respecting singers. The way he explored the different melodic coloration was great. Massenet played very well!

Jonathan Summers (baritone) was the father of Charlotte. I like his attitude, though not especially his voice, but he went well. Phiilip Cokorinos (bass) and Tony Stevenson (tenor) were Johan and Schmidt duo: they were at a good vocal and scenic plane. The choir of children also had an excellent performance.

Lisette Oropesa (soprano) was Sophie. Her voice is young, fresh and melodious with easy projection. The figure fits the role of younger sister of Charlotte. She took the naive stance that is expected and played the character scenic and vocally with quality. It is a pity her French is not the most perfect, which would have elevated her performance to a standard of excellence.

David Bizic (baritone) was Albert, husband of Charlotte. I like his scenic attitude and his voice. He performed well, without, however, dazzling.

Sophie Koch (mezzo-soprano) was Charlotte. It is one of the roles that mark her career, so it sat perfectly for the well-deserved premiere at the American opera stage. Her voice is great and she sublimely plays the role of Charlotte. She was in great voice plan 3rd act, reading Werther’s letters and her scenic interpretation was very convincing. I think it will be difficult, nowadays, to find a better singer/actress for the role!

I leave purposely tenor Jonas Kaufmann to end. He played Werther. I do not understand the critics who are always delighted criticizing his baritonal tone. They insist on this topic, which I can only understand as envy. The ladies have a special fondness for Kaufmann... His Werther was exceptional at all levels! If the "Je ne sais si je veille" entrance aria (of extreme difficulty) was not perfect, he was unstoppable from there. What about the way he ends "Père, que je connais pas, en qui pourtant j’ai foi, parle à mon coeur, appelle-moi! Appelle moi!”? The third appelle-moi was incredibly well played. His "Pourquoi me reveiller" was perfect. And what about his 4th act? He has no parallel. Scenically he is an actor par excellence: gesture, posture, strength, mime. He is extremely true. Eyre compared him to Robert de Niro and Al Pacino (perhaps Eyre exaggerated a little, but...). And the way he sung is perfect. Nobody these days, except Kaufmann, sing and play that way. The way he says, so melodiously, et d’une douce larme, en son ombre tombée le mort. The word larme said the way he did it not get out of my ears. Anyway... It was the interpretation of the afternoon and we all have the privilege of being Kaufmann contemporaries!


Great afternoon of opera!